兀然而醉，豁然而醒

韓雅俐

認識加勇是在2017年5月，參加他在北京的首次個展。初識，印象頗深，一條細長的小辮子扎在腦后，人小而精干。而他的作品卻總是以大尺幅展出，讓觀者體會到一種痛苦與不安、傷痕與潰爛，這種視覺情感的傳遞或許與他從小的生活環境有關——他成長于貴州遵義的偏遠山區，家中貧困，不名一錢。每逢下雨，全家都要端著盆碗在屋檐下接雨水，不僅如此，家里缺衣少吃，有半年的時間都只能吃土豆和紅薯。這樣的生活經歷使他更加坦然地面對現實，直面地去體驗生活，去挖掘人性的真實，并對社會現實展開批判與反思。

如今生活得到了改善，但他依舊是節衣縮食、粗茶淡飯，在重慶的一間土屋中生活，在他看來遠離城市的喧囂，遠離車水馬龍的浮華，遠離人來人往的焦躁，才是創作的最好狀態。藝術與生活永遠是一脈相承、息息相關的，他的情感、他的生命都與繪畫相聯結，通過畫筆與色彩轉化成作品，在亞麻的油畫布上，盡情揮灑。在我看來，他的作品帶有一種“兀然而醉，豁然而醒”（劉伶《酒德頌>）的豁達，正如他自己所說：畫面中會出現神經質的東西，是針對人性、信仰和無厘頭的個人精神再現，仿若兀然而醉、沉于其中，而作品的最終結果則是豁然而醒、始料未及。

在他近期的作品《娩》《彼岸花》<待到花開時》《欲之初·隱>等作品中，他大膽地使用純色，鮮紅的畫面如花一樣燦爛，花開經過了怒放，經過怒放而凋零，這是世間萬物必經的過程。他用弧線、色彩、點染繪制畫面，充分展現出一種巴洛克的激情，也是狄俄尼索斯的狂熱。除了絢爛的色彩外，他還喜愛一種灰度的陰郁。在《毒氣彈飛來的清晨》《空欲一八大山人夢系列》《萬物生》等作品中，他通過極速運行的剛硬筆觸勾勒一種錯亂的交替感，筆刷拖掃過畫面，洶涌如激流般貫穿其中，偶爾幾處細小的刮痕破去章法、松弛有度。

從老老實實注意造型到后來可以筆隨心走，再到現在的“始料未及”，他始終力求變化，努力降低畫面的主題性，通過色調構建氛圍。同時，他拋棄了具象的造型，以意象的方式來捕捉內心不可名狀的情感——無論是值得慶幸的喜悅，還是悲天憫人的傷痛，都能在他看似平靜的畫面中體味到撕裂和破碎，也許這正是一種破繭而出的生命歷練。這是“尖銳”與“柔和”的碰撞，他以稀薄的繪畫方式直接將情感的寫照加以呈現，它們相互矛盾、相互背離、相互沖突，當物性脫離了其原始的物態化層面時，呈現出與人性最為真實的連結。

閱讀加勇作品最好的方法，就是去他的山間美術館坐坐，土質的房間如同北方的窯洞，對于火爐重慶來說，這是一個避暑勝地——背靠山巒，有蛙嗚有鳥叫，夜晚還會有幾只蝙蝠低空劃過。沉浸于他的美術館中，在建筑的黑白與繪畫的色彩之間，觀看者可以充分感受到一位青年藝術家的張揚與內斂、速度與寂靜，他描繪青春的痛苦，展現對現世的思辨，或是寂靜如宇宙般遼闊，或是張揚如鮮血般直流。我常常被他畫面的宏大所吞噬，但又無法界定他藝術的情感，似乎每一幅畫，都是他的人生哲學。

加勇的這種狀態，使我想起了羅杰弗萊在他所撰寫的第二次后印象派展覽的目錄前言中所總結的那樣——（塞尚及其同道者）所追求的畢竟不是僅僅蒼白地反射自然外貌的東西，而是引起對一種新穎明確的真實性的確認。他們并不力求模仿形式，而是創造形式；不是模仿生活，而是發現等同于生活的東西。就這點而言，加勇和前輩們是相似的。或許，繪畫對他來說是一種不可知不可遇的經歷，他的創作富有激情卻變化無常，充滿了不可預期的效果，他的繪畫是一種行動，是筆觸與情感的碰觸，在繪畫的造型語言中，他用“推和拉”表現力量，創造力量。

他的作品猶如他的人生充滿了驚奇與不可思議，作為加勇的好朋友有幸見證了他的成長與改變。也許只有穿透他的生命表皮、走進他的藝術世界，才能更深刻地體會其魅力所在，期待他不可知的未來，更報以深深的祝福……