淺議受眾音樂欣賞層次

瞿懿

在錄音技術尚未發明的年代，音樂的傳播尚處在當面或當眾演奏或演唱的階段，音樂欣賞具有小眾化特征。而隨著錄音技術、記錄介質和播放設備的發明、創造、生產和逐漸普及，尤其是音樂作品可以通過廣播電視等大眾傳媒傳播后，情況就發生了根本性的改變，欣賞音樂呈現出了大眾化的特征——不再存有所謂的底層世俗和宮廷、貴族的趣味和氣息，而是為大眾所共享。這也必然會牽引出對音樂傳播者和受眾的音樂欣賞層次的探究。

感官的欣賞

所謂感官的欣賞，說白了就是好聽不好聽。每個人都希望聽好聽的音樂，這是客觀需求。

就能力而言，聽好聽的音樂，對每個人的能力要求最低，甚或可以這么判斷：每個人對是否好聽的理解是不一樣的，有人覺得好聽的音樂，其他人可能覺得并不好聽。

當然，創作者希望自己創作的音樂被所有人覺得好聽，但事實上極少有人能做到這一點，只是有個別創作者的作品被世俗所廣泛接受而已。

對絕大多數人而言，音樂好聽就行了。

感官的欣賞，對作為受體的人，就欣賞能力而言沒有特殊的要求，感官愉悅即可。這是普羅大眾的音樂欣賞體驗，聞樂而樂，率性而為。不必有絲毫的愧疚感，順其自然就好，開心滿足則罷。

情感的欣賞

情感欣賞的需求則迥然而異，并對作為受體的人的情感體驗能力和音樂欣賞能力提出了更高要求。能在音樂中感知、體察情感信息并與之形成交互共鳴，這與其教育背景、文化程度、知識修養等，既有關系，也沒關系。用攝影做個比喻：攝影，無非主題、技術、構圖。

主題，隨著人年齡的增長和閱歷的增加，自然與青澀年代不同，但也不盡然，有人很早就開竅了，而大多數人一生懵懂，一輩子低水平重復。技術，要盡全力去學，是體現主題的保障，可以極大地拓展和豐富藝術表現的手段。很多人很有攝影的感覺，可惜不夠勤奮，不肯鉆研和磨練技術，到頭來就像絕大多數作曲家一樣，自己寫的作品，只能由演奏家去演奏，若能像肖邦、李斯特一樣，既是作曲家又是演奏家該多好。

相較于感官的欣賞，情感的欣賞則更多地體現出專注性特征。

聽音場景的固定

一般而言，聽音場景為汽車、居家、音樂廳、劇場、廣場、體育館、影院等。汽車雖然處于移動狀態，但聽音場景是固定的。居家、音樂廳、劇場、廣場、體育館、影院等自不待言。

聽音意愿的主動

具有、具備情感的欣賞需求和能力的人，主動選擇音樂作品和聽音場景的居多。就作品而言，情感的欣賞人群固然有在某個不特定場景偶然聽到能引發情感共鳴的作品的機會，但大多數情況下，是主動選擇音樂作品并預設具體聽音場景，以滿足聽音需求。

聽音人群的特定

基于需求和能力的判斷，情感的欣賞被框定和縮減為一個特定人群，雖然與感官的欣賞人群在某個時域有交叉，但整體而言，其集合明顯小于感官的欣賞人群。

情感的欣賞人群，對世俗和藝術的領悟力、感知力、洞察力、判斷力明顯要高于、強于感官的欣賞人群，在對音樂的主動需求和欣賞能力上被感官的欣賞人群所涵蓋，并且明顯高一個等級。

理性的欣賞

具備音樂理性欣賞能力的人，包括具備專業音樂理論知識和技能素養，以及雖不具備這些知識和技能素養，但具備深厚文化藝術修養的人。

這主要是指音樂創作者、表現者、教育者，比如作詞、作曲、編曲、配器、演唱、演奏、指揮、錄音、混音者，以及音樂理論研究者、教學者等。如果僅從音樂創作的角度而言，它甚至不夠被框定為一個人群。

那理性的欣賞，有別于并高于前兩個層次的特征具體體現在哪里呢？

擺脫單旋律的束縛

音樂是隨著時間軸而流動的，這表明其一部分特征是橫向運動，也即我們平時常說的旋律。歷史上中國民樂曲的顯著特征就是單旋律，很少有和聲，更不要提科學、系統的和聲了，通常在作橫向運動，類似于坐標系當中的橫坐標。

當代民樂隊演奏的民樂曲，無論是老曲新編還是全新創作，基本上是作曲家運用西洋作曲技法作曲、編配，捏合起各種“個性特征鮮明”的民樂器，甚至為了補強歷來沒有低音的中國民樂，把低音提琴都派上演奏根音的用場，但整個樂隊依然發出不團結的、亂哄哄的聲音。不能否認作曲家的努力和貢獻，更不是否定民樂，但客觀現實是，現在影視作品的配樂，大多不會選擇民樂隊來演奏，而是用西洋樂隊，當然當中興許會穿插一兩件民樂器來演奏單旋律，以強調和凸顯“色彩”。

作曲家、音樂制作人彭程先生說：“我聽音樂，既聽旋律，也聽和聲。聽和聲時，仿佛一組組色塊在流淌，流露出不同的情緒。如果是歌曲的話，這些和聲色塊，都是契合著歌詞的情緒的，或陰郁，或明朗，或感傷，或歡快，體現出作曲者的構思、修養、藝術價值取向?！?/p>

音樂的和聲，營造的是情感和性格氛圍，無論其進行、功能、色彩，都是音樂極其重要的組成部分，相比旋律，其重要性不遑多讓。其實，情感的欣賞人群，感知到了和聲的存在，借此產生了情感的共鳴，只是不知道和聲是如何鋪排和運用的罷了。

這就是大多數中國人的通病和痼疾——只聽旋律，不知和聲！

中國人不主動聽和聲，也不會聽和聲，更不知道和聲為何物。這和我們民族音樂的承繼有直接的關聯。

立體地審視音樂

音樂是由各聲部組成的，不單是光有旋律那么簡單。舉個例子，很多人去卡拉OK唱歌，無論是業余的還是專業的，都會對非原版的伴奏非常不適應和不喜歡，往往前奏一出來或唱到一半，就會把歌曲掐斷，改選原版伴奏繼續唱。

這是什么原因呢？就是因為習慣了熟悉的伴奏版本，不愿意也不屑于嘗試其他版本，這是典型的原版依賴癥。這證明，人們不光喜歡所選唱歌曲的旋律，也習慣原版的伴奏，更證明，人們是在立體地審視音樂本身，盡管絕大多數人是無意識的。

對具備理性的欣賞能力的音樂工作者而言，他們在聽音樂時，除了旋律、和聲以外，更會分析如何配器，鑒別選用的音色，研究復調怎么進行，辨別根音走向，深究音色和音色撞擊出的新音色，揣摩創作者整體鋪排的構思，以及為什么確立這種音樂風格，等等。

這種立體思維，就不僅僅是鉆在旋律是否好聽、歌詞能否引發共鳴的人所具備的了。這種立體思維的好處是，能統領和駕馭音樂的神髓，宏觀地、全方位地、多維度地審視音樂本身，理性地借鑒和吸納其創作手法和養料，繼而為我所用。

對非音樂專業但同樣具備理性的欣賞能力的人來說，不懂和聲、對位、復調、配器等未見得是一件痛苦的事。相反，他們能調集自己的生活經歷和人生閱歷，統括自身的專業特長，融會貫通，在同一個高度感知和生發音樂欣賞的理性光芒。

具備音樂創作和欣賞的大局觀

音樂，無論恢宏、委婉、蒼涼、凄清，都是聽時的感覺。而創作的時候，想要達到聽時的效果，必須通過運用和聲、復調、對位、曲式等技法進行艱深、復雜的計算。

感性是結果，理性是過程。說穿了，沒有大局觀和技術支撐的音樂，都是空中樓閣，搖搖欲墜。而沒有靈魂的音樂，用再高超的技法寫就，也味同嚼蠟。

在創作前和創作過程中預判并牢牢把控結果，這就是音樂創作的大局觀。而理性的欣賞，同樣需要具備大局觀——預想音樂創作技法運用的可能，預判音樂情緒發展的脈絡，鎖定情感共鳴發生的交點，升華靈魂震顫發生的體驗。所以，音樂理性欣賞的大局觀，并非由音樂創作者獨有，而是由具備這種大局觀能力的人共享，這對音樂創作和欣賞而言彌足珍貴。

我想用這段話，來總結這個層次的人群——音樂，有時可以纏綿悱惻，而有時可以金剛裂石。不管哪一種，震撼了心靈，就是了。藝術的最高境界不在美與否，而是溝通，這需要兩個人攀過由書籍和生活壘砌的高山，探出頭來，互相問一聲：“原來是你??？！”