數字藝術：藝術傳統的轉折和延續

文/昃躍峰（江南大學 數字媒體學院）

數字藝術：藝術傳統的轉折和延續

文/昃躍峰（江南大學 數字媒體學院）

DOl編碼：10.3969/J.lSSN.1674-4187.2016.05.004

一、導論：數字藝術的由來

自本世紀初開始，隨著數字科技對人類社會的影響不斷擴大，數字科技對藝術領域的滲透也越來越深入和廣泛。數字科技與藝術的結合不但推動眾多傳統藝術的革新，而催生出眾多全新藝術形式和表現技術手段。在過去的10多年中，數字媒體藝術經歷了快速成長和擴張。數字藝術對藝術的滲透在國際學術界引起震動，尤其是在藝術創作理論、美學領域以及和藝術研究密切相關的媒體傳播學、社會學、哲學、語言學、認知學、心理學等。數字藝術打破了之前所有的藝術傳統，這迫使各個學科的研究者們必須要重新審視已經建立的藝術理論，并以新的研究角度重新理解和定義藝術。在此背景下，本篇論文試圖以科技文化的角度解讀數字藝術和藝術傳統之間的關系。

首先我們需要明確一下“數字藝術”這個概念。數字藝術是指運用數字技術和數字媒體進行審美對象創作的藝術活動，是此類藝術行為的統稱。數字藝術作品樣式眾多，包括數字視頻、多媒體裝置、互動裝置、虛擬現實、電腦繪圖、2D動畫、3D動畫、網絡互動作品、電影數字特效、數字音效和音樂等等。廣義上講，一切使用信息科技創作完成的藝術作品、審美認知對象或者文化娛樂產品都可以歸為數字藝術作品范疇。據此，電子游戲、網絡游戲等使用交互媒體的大眾娛樂產品也可以被歸為數字藝術作品。數字藝術其實定義了一個藝術和科技高度融合的多學科交叉創作研究領域，涵蓋了藝術、應用藝術設計、大眾文化娛樂、信息科技、認知科學、神經元科學、科技哲學、社會學、語言學、審美學、心理學等眾多的文化活動領域和科學活動領域。

數字藝術在歷史上有過很多不同的叫法。數字藝術的出現要追溯到上世紀60年代，也就是電腦誕生的年代。當時，第一批使用電腦進行圖像創作的英美藝術家們將他們的作品命名為“電腦藝術（Computer Art）”。隨后，“電腦藝術”又被稱之為“信息技術藝術（Informatique Art）”。“Informatique”是一個新生專有名詞，用于統稱自動信息處理工程所涉及的所有科研門類。這個名詞最初是由法國信息工程師提出，用于替代其原有英文表述“computer science”，之后“Informatique”被現代英文吸收，成為一個專有的英文科學詞匯。在歐洲一些非英語國家，尤其是在法國和德國地區，人們更多的使用“Informatique Art”來代替“Computer Art”。此外 “電子藝術（Electronic art）”在上世90年代之前也經常被使用。“Electronic Art”這種叫法比較模糊，涵蓋的范圍也比較廣，幾乎所有使用電子設備的藝術創作都可以歸為其中，例如視頻拍攝，電視藝術等。自上世紀90年代開始，信息科技經歷了更新換代。隨著新一代信息模擬技術和網絡科技的快速發展，使用信息科技進行的藝術創作也相應出現了技術和形式上的革新。在這之后，“電腦藝術”、“信息科學藝術”、“電子藝術”等概念不再被經常使用，取而代之出現了“網絡藝術（Net Art/Web Art）”、“虛擬藝術（virtuel art）”、“交互藝術（interactif art）”等一批新的藝術學科名稱，這些新的名稱從不同側面強調了新一代數字藝術創作的技術特點或者作品的審美特性。

以上這些對數字藝術不同的表述方式都具有各自的合理性，但是它們也都有不同的局限性和片面性。直到近些年來，人們開始越來越多的使用“數字藝術（Digital Art）”來統稱各種使用信息科技的藝術創作。“數字藝術”這種表述方式不僅體現了這門藝術各個分支所共有的創作特點，而且體現了這門藝術和信息科技的歷史發展聯系。之前的“電腦藝術”和“信息科技藝術”更多的強調了此類藝術創作的技術特點，而“數字藝術”這個概念則體現了這門藝術的社會文化屬性，因為“數字化”正是當前人類社會變革的主要特點之一，當然信息科技是這場變革的主要推動者。這就是說，“數字藝術”這個概念所代表的不僅僅是一種藝術創作模式，而更應該是建立于藝術創作和信息科技之間的動態發展聯系。那么，“藝術”和“科技”這兩種人類基本創作活動之間的關系則成為我們研究和理解數字藝術的一個關鍵切入點。

如果說數字藝術的最主要特點之一是藝術和科技的融合，那么這種融合并不是信息科技出現以后才有的。在西方社會中，藝術創作和科技進步長久以來一直保持著相當密切的聯系，而且這種聯系具有歷史延續性。自14世紀開始的文藝復興起，歐洲的社會文化擺脫了宗教的束縛，進入到以“人性”為核心的社會文化發展方向。同時，科學和技術發展成為推動西方近現代文化進步的主要動力，科技也成為影響西方近現代藝術發展的主要因素之一。我們可以發現，很多西方近現代畫家同時也是解剖學家、幾何學家、數學家、視覺科學家、建筑學家、材料學家、心理學家。他們不僅創作藝術作品而且也參與科學研究或者應用技術的發明，同時他們也會把自己掌握的科學知識或者技術手段應用到自己的藝術創作中。可以講，科學性和技術性是西方現代藝術傳統最顯著的特點之一。在西方文化體系中，藝術和科技間的交流結合不是一種短期的文化現象，而是成為一種傳統，或者說一條貫穿西方近現代藝術發展的主線。

與西方藝術傳統相比，東方藝術傳統（在本篇研究中，“東方藝術”特指受中國儒家思想影響較深的東亞地區的藝術傳統）體現除了完全不同的發展特點。在20世紀之前很長的一段歷史時期內，東方傳統藝術創作主要是受宗教思想和文人哲學的影響，它的發展幾乎和科技進步沒有直接關系。直到在20世紀初，亞洲社會先后進入工業化進程以后，現代科技文明才開始在東方社會中逐漸興起，而這之后發展起來的東方現代藝術才開始與科技進步出現一定程度的共鳴，當然，東方現代藝術的發展離不開西方現代藝術的影響。盡管東方傳統藝術在20世紀之前的發展幾乎和科技沒有關系，但也不能說是完全脫離社會技術進步的，兩者之間還是存在一定聯系，只是這種聯系比較有限，也遠沒有形成一種文化傳統。以中國傳統繪畫為例，藝術表現風格和繪畫技巧在歷史上的幾次較大轉變其實和造紙技術的進步有著密切關系。

本篇論文將主要針對數字藝術和藝術傳統之間的關系，希望能夠系統地闡述數字藝術對藝術傳統的延續和革新。這里所講的“藝術傳統”是指與科技發展緊密聯系的西方藝術傳統，其范圍應該包括自14世紀開始的西方現代藝術（moderne），19世紀開始的西方前衛藝術（avant-garde），以及20世紀中葉開始興起的后現代藝術（post-moderne）。對中國本土藝術而言，數字藝術，以及其他種類的新媒體藝術和后現代藝術，其實都屬于外來藝術：它們都是最早誕生于20世紀歐美現代科技文化發展過程中，隨后，自80年代開始被逐步引進到中國。雖然這些新興藝術在中國社會的發展經歷了本土化過程，但是它們所體現的藝術傳統卻是西方自14世紀以來形成的藝術傳統。鑒于此，我們對數字藝術和藝術傳統關系的探討將以西方近現代藝術為主要研究范圍。

二、西方中世紀藝術和技術的關系

如果我們希望探討數字藝術和藝術傳統的關系，我們不妨先從藝術這個概念本身講起。從詞源學的角度講，今天我們所使用的“藝術”這個概念其實是來自于西方，是對英文名詞“art”根據其核心意涵進行的中文翻譯。中國傳統文化并沒有“藝術”這個概念。在我國傳統封建文化中，我們今天所講的“藝術”其實指以“詩”、“書”、“畫”、“樂”為主的文人活動，更為準確的說是古代文人以表達內在情感和精神個性為主要訴求而進行的一種自我表現活動。這就是說，中國傳統文人藝術更多的是在強調 “藝術”中的“藝”，而不是“術”；我們今天所講的藝術創作在中國文人文化中更多的是被認為是創作者個人才能、心情和內在思想的主觀表現過程，創造能夠愉悅他人的審美作品并不是中國文人藝術的目的。中國傳統文人藝術并不是沒有創作技術，而是沒有像西方傳統藝術那樣對創作技術和表現技巧進行了系統歸納。與東方傳統文化相反，西方對藝術的定義強調“技術性”。“art”一詞來自于古拉丁語的“ars”，“ars”就是指“技術”以及“使用技術制造物品的才干和能力”。“ars”同時也是希臘語“technê”的來源，“technê”也就是今天英文“technique”。這也就是說“art”一詞的最初含義就是“技術”。直至今日，英文字典對“art”一詞的第一層定義依然是技術。

在西方文明發展史上，“藝術”這一概念大致經歷過兩次重大轉折。第一次轉折發生在14-16世紀的歐洲文藝復興運動。在文藝復興之前，歐洲的社會文化屬于宗教文明范疇，包括古希臘神話文明和歐洲中世紀基督教文化。在歐洲傳統宗教文化中，創造能力被認為是超自然的能力，是上帝（或者神明）所特有的，人類是不具有創造能力的，因為人類本身（包括人類的肉體和智力）就是上帝的創造物，人類的生存方式和行為能力都是上帝設計的。這種神學創作論是歐洲中世紀思想家所普遍堅持的。在對“創造”諸多神學解釋中，12世紀意大利著名哲學家和神學家圣·托馬斯（Saint Thomas）的論述比較具有總結性和代表性。法國當代藝術理論家Roger Pouviet 對圣·托馬斯的論述總結如下：

“圣·托馬斯認為，人類的創造只是對已經存在的現實，或者是對在上帝精神中形成的構思和模型的具體實例化。現實世界中存在的事物是上帝思想的現實化。每種事物的行為（存在方式）體現了上帝在創造這種事物和維持其存在時所進行的活動。上帝的活動決定了事物的存在和消失。所有現實事物和上帝的聯系是固有的依存關系。”

根據這種神學創造理論，人類的創作活動并不是是真正的“創造”，而是上帝的思想的表現；或者說人類的創作活動是解讀和揭示神明所設計的各種存在形式、各種秩序和各種運行法則，并將上帝的“設計思想”總結為可被普通人理解的思想模型（哲學思想、數學概念、宗教故事等）或者語言符號，也就是古希臘語中的“logo”。在這種神學論統治下的歐洲傳統宗教社會認為只有哲學和數學才算是人類創造活動，而藝術并不屬于創作活動；藝術在當時被定義為一種造型技術，具有一定的功能獨特性，有別于其他人類生產所使用的技術，其功能不是生產制作生活用品，而是再現神的形象、神的活動（宗教故事）以及神所建立的“美”，使之具象化為可見的圖像或者物體（“美”在當時被認為是一種和諧的秩序，這種秩序當然也是神的設計）。在歐洲中世紀的宗教社會中，從事藝術活動的人（主要是繪畫和雕塑）被稱之“artifex，現代英文中的“artiste（藝術家）”和“artisan（工藝匠人）”都源于“artifex”一詞。“artifex”在當時是指使用藝術技巧制作生產作品的匠人，并沒有被賦予創作者的身份，也不被認為具有獨立的審美創造能力和理性創造能力。因為根據歐洲中世紀的神學世界觀，“artifex”所進行的藝術品生產活動、所制作完成的作品、所表現的形象或者場景以及他們作品所展現出的“美”都被認為是來自于神的“設計”。

三、西方現代藝術和科學聯系

14世紀到16世紀的文藝復興開啟了以“人性”為核心意識形態的歐洲現代文化（moderne）。隨之，歐洲思想界對藝術的定義也出現了巨大轉折：之前以神學論為基礎的中世紀藝術理論受到質疑和否定，歐洲現代思想對藝術的理解回歸到人性的范疇。由于當時科學的發展還無法系統解釋藝術創作所涉及的各種精神現象，尤其是無法解釋屬于潛意識活動和情感機制的精神現象（例如創作沖動、創作靈感、預感、審美愉悅、藝術想象等等），藝術創造在當時依然帶有相當強的神秘色彩，“藝術創作力”被歸結為一種特殊人類靈魂所具有的內在精神力量，而作為這種特別精神能力的持有者的藝術家則被稱之為 “天才（genius）”。在14世紀初至19世紀中這段時期的歐洲現代藝術理論基本上都是以“天賦論”為主要導向的。所謂“天才”，就是假設藝術家具有“特殊的心靈能力”，這使得他們能夠感受并抓取到一些“神秘力量”，并能夠將“神秘力量”轉化能夠引起他人審美愉悅的某種結構或者某種組織形式；在這里，藝術家被賦予一種絕對而且神秘的天賦，這種天賦超越普通的人類智慧，不可以被解釋，也不能被學習，可以和“神的智慧”進行類比。“天賦論”最主要的思想基礎來自于以康德為代表的歐洲古典哲學和先驗心理學的影響，而康德本人也正是“天賦論”的主要倡導者 。“天賦論”其實并沒有完全否定宗教學，但是“天賦論”的提出并不是為了繼續鼓吹“神”的存在，而是企圖通過調和笛卡爾的“純理性主義”和培根的“經驗主義”，為當時無法科學解析的“人類靈魂”尋求合理解釋的一種哲學解決方案。天賦論的出發點已不再是對“神”的關注，而是對“人性”的關注，企圖在哲學和精神學層面上解釋人類靈魂以及人類的智慧創作行為和自然創造之間的本質區別。

以“天賦論”為導向的歐洲現代藝術理論實際上是把藝術家的創作能力分為兩個方面來進行解讀，用現在詞匯來概括這兩個方面就是“審美創造能力”和“技術操作能力”：“審美創造能力”被認為來自于天賦，是天生的，不能夠通過后天學習取得的；“技術操作能力”就是指制作工藝和手段，創作工具和器材的使用，材質媒介的特性，圖像構成技巧，圖像構成中幾何學原則等等可以被學習、被積累和被社會傳播的知識技能和實踐經驗。這種“兩分法”體現了歐洲現代思想中“純理性主義”和“經驗主義”的對立，以及康德學派對這種對立哲學提出的融合方案。不可否認，以“天賦論”為導向的現代藝術哲學并沒有從根本上解決人類靈魂和藝術之間關系的問題，在此框架內所有企圖解釋人類智慧、藝術創作行為和藝術作品之間的因果關系的思想嘗試都會陷入矛盾。但是，和之前的中世紀藝術哲學相比，歐洲現代藝術理論所提出的觀點是全新的，具有革命性的。現代藝術理論肯定了藝術創作的根源是人類精神本能，是“人性”的表現，是人類區別于其他生物和區別于自然現象的主要標志之一，藝術創作的“獨立性”在倫理層面上得到肯定。自此，藝術、哲學和科學這三種人類基本的創造活動可以被放在同一范疇內進行解讀，這個范疇就是“人類智慧”，也就是人類所具有感知世界、理解世界、表現世界和改變世界的能力，這種能力是先天智力和后天經驗積累共同決定的。

在經過文藝復興運動之后，“藝術”和“科學”開始各自形成較為系統的學科劃分，明確了各自領域的活動范圍、社會職能、創造基礎、實踐方法。“藝術”和“科學”開始取得了各自的現代含義。這使得“藝術”和“科學”之間的聯系開始變得清晰，有序，具有組織性。我們所熟知的現代寫實繪畫所使用的“焦點透視法”是非常典型的例子。“焦點透視法”是意大利著名藝術家、建筑學家、哲學家 Leon Battista Alberti （萊昂·巴蒂斯塔·阿爾伯蒂） ，通過總結歐洲畫家在之前10多年中所做的繪畫改革嘗試，提煉出的一套科學化的繪畫方法。阿爾伯蒂在他的著作《論繪畫》（De peintura，1934）中對這種“焦點透視法”做了系統闡述，這之后“焦點透視法”開始統治歐洲繪畫創作，直到19世紀末出現的“立體主義”繪畫。《De peintura》這本書也就成為了是現代寫實繪畫的奠基之作。現代的藝術工作者，甚至是普通民眾，對“焦點透視法”本身并不陌生，所以就不再對這種技術本身做詳解解釋。在這里，我們更關注的是“焦點透視法”所體現的藝術和科學間的關系。“焦點透視法”，就像法國現代社會藝術家Pierre Francastel （皮埃爾·弗朗卡斯戴爾）曾經強調過的，是幾何學（在畫面上確定“視覺金字塔”投射區域和定義透視消失點的幾何學原則）和視覺撲捉技術（視覺分割取景框、對焦儀器等等）的綜合產物。這種繪畫表現技術，無論在理論層面還是在實踐應用層面，都要借助數學和視覺科學的知識。

法國科技藝術理論家Edmond Couchot認為焦點透視技術的出現對歐洲平面造型方法帶來兩個重大變化。第一個改變關于圖像創作所涉及的“投影系統”。這里所說的“投影”就是指畫家通過人工的方式將真實世界的三維物體在二維平面上進行復制再現的過程。照相機就是一個機械化的“投影系統”。Couchot認為西方寫實繪畫在邏輯上符合“投影系統”的運作原理，“但是在透視技術出現以后，寫實繪畫所進行的投影過程必須要服從一個明確定義的構成中心，這個中心就是在觀察時眼睛的位置”。對于第二個重大變化，Couchot認為焦點透視技術在繪畫中的應用使得圖像創作出現了一定程度的“自動化特性（automatisatisme）”，這個特質是之前所有圖像創作手段所沒有過的。所謂“自動化”，也就是說在圖像創作過程中，某種設備或者某種工具的使用在一定程度上代替了人類智慧的信息處理能力和主觀判斷力。Couchot解釋說：

“根據阿爾伯蒂，一幅繪畫作品是一系列被明確劃分等級的工序的結果。（繪畫）最基礎的工序在于明確定義各個描繪對象在畫面中形成的面積（幾何外形，位置和大小比例）。通過使用視覺分割取景框（進行觀察），畫家可以非常清晰地的抓取—測量—所要描繪對象的外形，然后在畫面上進行復制。在這種操作中，畫家的手、眼睛和所使用的取景框就構成了一種最簡單但是高效的圖像生成機器，這種機器使相當重要的一部分繪畫過程（構圖過程）實現了自動化。 ”

當然，繪畫絕不是將所見現實進行簡單的視覺分割，再在畫面上對各個部分進行機械地復制。畫面的各個局部需要合理安排，建立有機的相互聯系，進而構成一個和諧的、具有審美趣味的整體，這就是阿爾伯蒂說的“historia”，可以翻譯為“故事性”或者“戲劇性”。阿爾伯蒂這里所講的“故事性”并不僅僅是繪畫作品所講述的故事或者戲劇化場景，它是對一幅繪畫作品所有審美價值的統稱，也就是繪畫作品能夠激發觀眾審美愉悅的各種因素，包括理性審美方面和視覺審美層面。在阿爾伯蒂的論述中，一幅繪畫作品整體結構的協調性，畫面內形成的視覺沖突，畫面中各個物體共同形成的視覺節奏（色彩節奏、虛實關系等）以及繪畫筆觸形成的視覺秩序都屬于“historia”。阿爾伯蒂認為一幅畫面之所以能夠吸引觀眾眼球，取悅觀眾心靈，首先是因為這幅作品具有的視覺美觀和繪畫節奏。阿爾伯蒂認為實現“故事性”才是畫家最重要的工作，也才是真正體現藝術才能的工作。

這里需要做一個簡單說明，文藝復興之后的歐洲現代繪畫屬于寫實主義，其主要的創作目標是以人工的方式忠實再現真實世界，使真實世界的某個局部人工轉化為具有審美價值的平面圖像。我們可以將西方現代藝術理念總結為“再現論”，而阿爾伯蒂所建立的焦點透視繪畫技術是“再現論”在繪畫表現手段方面的具體表現。Edmond Couchot認為焦點透視技術實際上將（寫實主義）繪畫過程拆分為雙重工序來理解：“機械化作業”和“非機械化作業”。根據阿爾伯蒂的理論，寫實繪畫的第一步是使用觀察工具框定出視覺范圍（取景），并對選取的視覺區域進行坐標劃分，而后根據坐標劃分對視覺對象的每個局部進行觀察，并描摹記錄下其外形（circonscription）。這種描摹記錄理論上是絕對客觀的，有系統化的操作流程和明確的參考依據，比較類似于嚴謹的科學試驗方法，而不是強調個體主觀性的藝術實踐，所以Couchot認為這一層面的繪畫工作屬于“機械化操作，僅涉及標準自動化流程工序”。盡管是機械地記錄復制工作，但畫家仍然需要在整體范圍內考慮每個局部的安排，也就是說會涉及部分的整合工作，不過這里的整合工作“主要是根據幾何學計算建立畫面整體布局的大框架和結構線”，其參考依據依然是嚴謹的數學計算。根據阿爾伯蒂，寫實繪畫的第二步是設計作品的整體和諧性和繪畫戲劇性（historia），這部分的工作以畫家個人的審美感覺和主觀判斷為主，沒有絕對的評判標準，所以Couchot定義這一部分的繪畫工作為“非機械化作業”，Couchot強調“這部分的繪畫工作真正賦予了一副繪畫作品應有的（審美）價值和意義 ”。實現繪畫作品的“historia”需要畫家能夠在美的多樣性存中發現、抓取并表達美，能夠根據需要選擇美的樣式或者重組這些樣式，簡而言之需要畫家具有審美感知力和審美創造力。在歐洲現代藝術理論中，審美創造能力來自于天賦，但是這些理論并不否認個人后天發展，尤其是個人說的綜合知識水平，對審美創造能力個體差異性（尤其是審美判斷力和審美表現技術）的影響。Couchot總結說“審美能力的水平同時取決于個人成長歷史和人類文明發展，需要高水平的綜合藝術知識（文學，詩學等等）和高水平的科學知識（特別是數學和幾何學） ”。我們不難發現阿爾伯蒂對繪畫過程的論述是符合歐洲現代藝術哲學對藝術創作能力進行的 “二元”區分（見前文）。“焦點透視”并不僅僅是一套造型技術或者工藝，它同時也是一套科學方法。而這套科學方法對歐洲現代寫實主義繪畫的發展具有決定性意義。

在經歷了歐洲文藝復興之后，西方藝術，尤其是造型藝術，開始和科學建立起復雜、多樣而且直接的聯系。某種程度上講，藝術和科學在14世紀到18世紀期間的歐洲社會中的關系是一種“共生”關系。上文所分析的焦點透視技術只是些復雜聯系中的一部分。除此之外，我們可以發現西方造型藝術和解剖學、建筑結構學、植物學、機械學、材料學、化學等自然科學都有著相當程度的關聯。比如說，西方寫實主義繪畫對人體的表現就是以解剖學為基礎的。再比如說，色彩無疑是在西方繪畫體系最為重要的表現語言之一，為了能夠表現更真實地再現自然界中的顏色和創造更豐富的視覺效果，西方畫家一直在追求顏色表現系統的創新，這種創新不僅僅是藝術實踐范圍內嘗試新的顏色混合方式，也同時包括了對光線，對視覺原理的科學研究。

在14世紀到18世紀期間，歐洲的畫家常常也是機械師、建筑師、幾何學家、數學家、解剖學家、植物學家、動物學家……無論在知識層面，還是在實驗層面，又或者在應用層面，藝術和科學開始出現相當深度的交叉協作。一方面藝術創作需要使用科學創造的知識和技術，而另一方面藝術所提供的造型能力在當時也極大地支持了科學研究的進行。比如說，解剖學家在研究人體是同樣需要使用素描、色彩等造型技術來記錄人體研究結果并形成圖像，而“蠟制解剖模型”的出現使得藝術（雕塑）和科學（解剖學）的關聯達到前所未有的緊密程度。在18世紀末，藝術和科學之間的聯系開始引起歐洲社會和學者的廣泛關注，并真正成為一個社會研究項目。在這里需要做一個簡單說明，前文中所提到的“科學”和現今學術系統說講的“科學”并不是一個概念，前者包括了“應用技術”的意涵，這是因為在14世紀至18世紀末這段時間內科學和技術之間還沒有出現明確的劃分。這兩類知識體系—科學知識和技術知識—在當時保持著高度統一的思想根源和社會功能。

四、前衛藝術和科學、技術的聯系

在19世紀的西方社會，科學經歷了新的“進化”，科學逐漸脫離應用技術，成為獨立的研究系統，并出現了明確的學科劃分。這也使得藝術和科學的關系，以及藝術和技術的關系，出現深層次的變化。我們先從藝術和技術之間的聯系講起。

在19世紀西方社會文化變革中，蒸汽機的發明無疑扮演了核心角色。蒸汽機，作為具有革命性的熱能動力系統，對西方現代藝術產生過強烈影響，但是這種影響是間接的。蒸汽動力系統的出現并沒有直接改變藝術表現手段和藝術作品形態，畢竟無論是畫家還是雕塑家都不可能使用蒸汽機來制作藝術作品。但是，蒸汽機所體現的能量運動方式，以及它在當時引發第一次工業革命和社會生產變革，卻深刻影響了藝術家的思想以及藝術家對形態的理解和審美選擇。比如說，法國浪漫主義繪畫其實就曾深受蒸汽機的影響。我們對浪漫主義的了解更多的是對古典主義的批判，強調逃離城市回歸自然的人文追求，強調情感先于理性的藝術理念以及對表現主義繪畫的影響，但是浪漫主義繪畫表現語言卻是來源于熱能動力系統的啟發。從早期的英國畫家特納到后期的法國畫家德羅克洛瓦，浪漫主義畫家主張通過使用對比強烈色彩形成畫面內部的沖突和對話，也喜歡在自己的畫面中表現一些自然界中具有流動感的形體（比如云的運動，光線的漫射效果），而這些繪畫表現方式來自于畫家對熱能引擎的運作原理的理解：也就是能量自動轉化為可見物質的運動，以及能量在兩個對立互補系統間的循環傳遞。Edmond Couchot 評論說“浪漫主義繪畫是循環流動的藝術，是交替運動的藝術，是不同種類物體融合的藝術，是情感流動的藝術 ”。

在19世紀的歐洲，剛剛開始獨立發展的科學也同樣對藝術創作產生了巨大的影響。和19世紀的歐洲造型藝術聯系最為明顯的一類科學理論是對色彩的光學研究，也是我們所普遍熟知的。例如，剛剛我們所提到的浪漫主義畫家特納（或者透納）就是歌德所提出反牛頓光學色彩理論的追隨者，特納在1843年創作的一幅名為《光與色》的繪畫作品就是對歌德所著《顏色論》的實踐。德羅克洛瓦，以及之后的印象主義和后印象主義繪畫，則是深受布魯瓦（Bourgeois）、謝夫勒（Chevreul）、布朗克（Blanc）、海爾莫勒茲（Helmholtz）、查理·亨瑞（Charles Henry） 等科學家的光學色譜理論的影響。這其中查理·亨瑞就是著名的“環形色譜”創造者，而其本人也是審美學家，他在1885年所著的的《科學審美概論》（l’Introduction à l’esthétique scientifique）對19世紀之后的歐洲圖像藝術的發展影響極深。我們可以認為浪漫主義繪畫、印象主義繪畫和后印象主義繪畫和19世紀歐洲的光學色彩研究有著高度的相互發展滲透。這些光學色彩理論為19世紀的歐洲畫家所進行的色彩表現語言革新提供了重要理論依據和啟發；反之，畫家在藝術實踐的過程中以自己的方式驗證這些科學理論或者提出新的科學研究問題。

如果說光學色彩理論和繪畫藝術有著一定的直接聯系，很多看似和藝術毫無關聯的現代科學理論也同樣對19世紀的歐洲繪畫產生過巨大影響。這其中，達爾文的進化論對歐洲現代繪畫的影響尤為突出和甚遠。達爾文關于生物起源和人類進化的科學論述在當時極大地撼動了宗教人類學在歐洲統治地位，之后成為人類學和生物學新的理論基礎。19世紀法國著名美學教授依波利特·丹納（Hyppolite Taine）對達爾文的理論十分關注，特納在任職巴黎高等藝術學院校長期間系統整理和收錄了達爾文的所有論文，并推薦給其學生進行閱讀和學習。著名的象征主義畫家奧迪隆·雷東（Odilon Redon）在巴黎藝術學院學習期間就曾經在當地植物學家阿勒芒·克拉沃德（Armand Clavaud）的幫助下系統的學習了達爾文的科學著作。雷東在1883年創作的題為《起源》（les origines）的系列石版畫就是對達爾文進化論進行的藝術“翻譯”。雷東將這部作品命名為《起源》就是在隱喻達爾文的著作《物種的起源》。在這個些列版畫作品中，雷東繪制了一個虛幻的“生物起源之海”，在其中共同生活著很多不可思議的雜交生物、正在融合的不同物種、真實的動物和神話動物。透過雷東的藝術實踐，達爾文的進化論的影響力廣泛滲透到19世紀末的歐洲象征主義繪畫，并深刻影響了高更、博納爾和那比畫派等歐洲后印象注意畫家。

19世紀末的歐洲藝術見證了立體主義興起，至此，統治歐洲繪畫長達四個半世紀的阿爾伯蒂圖像創作體系在歐洲現代繪畫中的統治地位徹底瓦解，畫家開始摒棄以視覺為中心的觀察方法，主張通過繪畫實踐探討其他感知世界的渠道，例如觸摸。這使得歐洲藝術家又從新回歸對數學和幾何學的關注。立體主義畫家阿爾伯特.格萊茲的創作深受非歐幾里德幾何學影響。梅特林格（Jean Metziger）、馬歇爾·杜尚（Marcel Duchamp）等則是研讀過著名數學家、天體物理學家亨利.歐萊特（Henri Poincaré）的著作《科學和假設》。在當時，很多藝術家對愛因斯坦提出的相對論和“第四空間”理論也表現出濃厚興趣。杜尚受相對論啟發創作完成了著名的繪畫裝置作品《大玻璃》，而拉瑞奧諾夫在第四空間理論的影響下創立了輻射主義畫派（rayonnisme）。除了數學和物理，心理學、精神分析學、潛意識科學等人類靈魂科學也同樣對19世紀末和20世紀初的歐洲藝術產生過巨大影響。以達利為代表的超現實主義繪畫的主要理論基礎就是出自于弗洛伊德的著作《夢的解析》。達利通過表現看似真實但又荒誕的物體來探討人類潛意識活動方式和個人精神本體的構成。

19世紀末到20世紀初這段時間是歐洲藝術從“現代”向“后現代”的過渡期，在這個過程中出現了眾多的藝術流派和藝術運動，我們將這一時期的歐洲藝術統稱為“先鋒藝術”。無論在思想層面上還是在藝術表現層面上，各個先鋒藝術流派之間都存在著差異，有時甚至是對立，但是先鋒藝術有兩個共通的特點：一是對傳統藝術的質疑、反叛或者逃離，二是對科學的借鑒。簡而言之，所有先鋒藝術都曾借鑒引用一種或者多種科學理論，也都從不同的科學理論中得到過啟發。而這個特點在之后的西方藝術發展中得以延續。比如在20世紀60年代出現的歐普藝術（op art）和機動藝術（Kinetic art）都屬于以精確計算為基礎的視覺創作藝術，此類藝術創作的理論基礎則是來自于視覺科學和感知心理學。

同樣在60年代，一門新興科學引起了藝術界的極大關注，這門新興科學就是對之后人類社會發展影響極深的“控制論”（Cybernetics）。嚴格來講，“控制論”是由系統控制學、信息通訊學、信息工程學（計算機科學）、腦科學、數學邏輯、認知學、神經生物學、統計學、行為科學、語言學等眾多科學技術相互滲透形成的交叉學科研究運動。這門科學最早誕生于上世紀40年代末，之后在60年代快速發展。電腦、人工智能、網絡等自動信息處理系統其實都是這個科研領域的技術成果。控制論主要創建人之一的諾爾貝特·維納（Norbert Wiener）在他的著作《控制論 》一書的副標題中明確指出，控制論是“研究生物和機器中控制和通訊的科學”。它的主要目標是研究生物系統、機械系統以及其他各種不同基質的復雜系統（比如社會系統）中的信息通訊和自動化控制的過程，研究探索這些系統共同具有的信息交換（communication）、反饋調節（feedback）、自組織（auto-organisation）、自動適應（auto-adaptation）的結構原理，以及這些系統共同具有的自我成長、自我行為改善、自我穩定維持的運行機制，進而總結一套可以用于描述各種復雜系統研究的抽象概念模型、運行原理和方法。“控制論”以及它所衍生出的“信息論”和“自動論”為日后認知科技的發展，以及諸多自動信息處理系統和自動化工具的出現，尤其是電腦，人工智能和互聯網的誕生奠定了重要的理論基礎。可以講，“控制論”是對20世紀科技發展影響最深的科學理論之一。“控制論”同樣對20世紀60年誕生的前衛藝術影響巨大。相當數量的后現代藝術家和理論家都明確引用控制論作為他們藝術實踐的理論參考。法國著名前衛藝術家和新媒體藝術家Nicolas Sch?ffer就是基于控制論提供的科學知識創作完成了一系列能夠自動調控的空間作品和新媒體雕塑作品（或者說新媒體裝置作品），這其中Sch?ffer在1959年創作的大型空間裝置《控制塔》（Cybernetic Tower）被認為是最早使用控制論完成的藝術作品。南韓著名影像藝術家、電視裝置藝術開創者、白南準（Nam June Paik）創作了著名的電視裝置作品《電視之禪》（TV Bouddha）就是對信息反饋理論的藝術詮釋。除了前衛藝術家，西方后現代美學思想也深受控制論的影響。法國斯特拉斯堡大學的教授，技術科學和語言學雙料博士亞伯拉罕·莫萊斯（Abraham Moles）創建的信息論美學就是非常典型的例子，莫萊斯在其代表著作《信息論與審美感知》（La théorie de l’information et la perception esthétique ）系統闡述了藝術作品作品審美信息的傳播原理，審美信息的種類，審美信息的原創性、可理解性和普遍性之間的辯證關系，以及抽象語義信息和感官審美信息之間的差異。莫萊斯的理論為日后認知美學、情感轉移理、神經系統美學、社會美學、藝術符號學的發展提供十分重要的理論基礎。之后，意大利著名哲學家和符號學家安伯托·艾克（Umberto Eco）通過發展延伸莫萊斯的信息論審美學創立了對后現代藝術影響極深的“開放性作品”理論（The Open Work ）。

五、數字科技與藝術的關系

通過前面的分析，我們不難發現西方藝術的發展與科學和技術的進步一直保持著思想上和形式上的密切聯系。這種相互滲透性的發展聯系使得“科技性”成為西方造型藝術（特別是在圖像創作領域）最重要的一個文化特性，而與科學（技術）的結合也成為西方造型藝術的一種傳統，我們可以將這種傳統稱之為“藝術科學化（或者科技化）”。當然，這種藝術傳統并不是一成不變的，每次歐洲社會的變革也都會引發這種藝術傳統的革新，過程中藝術和科技之間發展出結合模式、并取代原有的結合模式。如果說數字藝術是信息科技和藝術創作相互滲透形成的交叉學科創作領域，那數字藝術本身就是對西方藝術傳統的體現和繼承。但是，數字科技本身的革命性使得他和藝術之間形成聯系是全新的、具有革命性。

從19世紀到20世紀中葉這段期間，藝術與科學的聯系和藝術與技術的聯系是兩種不同的關系。Edmond Couchot認為藝術與科學在這段時間里的關系是以“實例化”（metaphore）的方式形成的。簡而言之就是說科學提供給藝術一系列解釋世界本質的抽象概念和理論模型，而藝術家將這些科學知識轉化為，或者說“翻譯”為可感知的圖像或者藝術效果；這樣科學知識所闡述的思想被轉移到藝術作品中，并以另一種形式呈現給觀眾；藝術作品則成為詮釋某種科學理論的“實例”。在這種關系中，科學為藝術提供創作觀念、對現實和現象的解析、對世界本質的假設，藝術從中得到啟發并以此為基礎進行新的想象和構思。藝術家的某些創作預感可以在科學知識中找到肯定，而科學知識也可以激發藝術想像。

藝術和技術的聯系是建立在認知方式層面上的。技術（包括應用設備、工具和操作流程），就如同Couchot強調的，“除了是改變、創造和塑造世界的手段，也是感知和回應世界的方式”。技術是一種建立于人類和自然世界之間的認知行為連接，由人類創造，反之又改變和塑造了人類認識世界和回應世界的能力。“技術不會提出抽象的觀念或者思想，它直接作用于人類對外部事物的感知 ”。藝術和技術的聯系可以再分為兩個層面。一個層面是直接聯系，也就是技術的進步為藝術家提供了新的造型手段和工具，比如照相、掃描儀、攝像機以及電腦，數字模擬技術等等。另一種聯系是間接性的，這種間接聯系主要體現在技術對社會認知習慣的改變和塑造。藝術家，作為社會群體中的一員，其觀察世界和理解世界的方法必然必然會植根于整個社會的認知習慣。這就是說藝術作品所體現的對世界的觀察和思考在認知方式上必然和某種技術有著一定聯系。比如說，英國著名新媒體藝術家羅伊·阿斯科特（Roy Ascott）所創作的網絡交互藝術項目《文之機理》 （La Plissure du Texte）和《蓋亞的多面性：橫跨全球的數字路徑》（A spects of Gaia ： Digital Pathways across the whole Earth）都集中體現了互聯網條件下的遠程信息通訊的特定、以及互聯網技術所塑造的新的社會感知習慣（閱讀習慣，接觸、選擇和收集信息的習慣，創造和擴散信息的習慣）。在這個作品中，互聯網技術不僅是一種藝術創作手段和工具，它同時也是一個作者試圖在作品中討論研究的感知方式。

在20世紀過程中，科學和技術之間的界限開始變得模糊，兩者開始出現越來越多的融合，幾乎每個領域的科學研究都會帶來一定的應用技術成果，反之應用技術的進步為科學研究帶來新的實驗設備、新的觀測設備或者信息處理工具。所以，在“后現代”范圍內，人們更多的把“科學”和“技術”合稱為“科技”（technosciences），比如說生物科技，基因科技，納米科技，等等。“科學“和”技術”結合在數字媒體科技中得到延伸和深化。隨著數字科技對藝術領域的大舉“入侵”，藝術與科學（以及藝術與技術）原有的結合方式被徹底打亂。

從技術層面上講，數字圖像（或者數字音效）首先是一組存儲于電腦內部的數據模型，這組數據模型通過輸出界面（屏幕、打印機、投影設備等等）的輸出結果才是我們可感知的影像或者聲音。創作一個數字圖像就是在創建一組數據模型，創作過程則依賴于一些列的程序編寫操作（通過使用制圖軟件或者直接編寫計算機可識別的程式化語言）。然而，編程中所使用的信息模擬程式就已經是對現實世界的形式化表達，在本質上和科學概念、科學理論和科學模型是一樣的。我們使用電腦繪制一個圓環和直接在紙面上手工繪制一個圓形是截然不同的兩種過程。數字系統可以識別或者生成的圓形首先必須是已經被概念化表達為數學公式的圓形，而不是我們視覺可見的圓形。通過計算機可以識別的語言將這個數學公式輸入電腦，在信息系統內部構建一個計算程式；而后電腦依據這個計算程式對輸入的參數進行計算，得到一個數據模型；最后才是將數據模型在屏幕上輸出為一個圓形的圖像。這就是說數字藝術創作并不是通過直接操作現實物體實現的，而是通過數字系統的“信息模擬功能”實現的。數字藝術作品將不再是對科學知識的“實例化”，其本身就包含了科學對現實世界的概念化表達。使用數字系統進行的藝術作品創作需要藝術家能夠使用抽象數據模型的邏輯來構思和制作感知現象。

數字科技徹底推翻了藝術和科學知識的所有傳統聯系，科學知識不再僅僅是藝術表現的對象，它們化身數據模型直接“入侵”了藝術作品的各個層面，從創作過程到審美接受過程、從藝術作品的制作工具到藝術品的存儲載體再到藝術品的傳播媒體。一件數字藝術作其本身也是科學研究的結晶，在數字藝術作品中科學占的比重要正在不斷擴大，科學已經成為數字藝術作品能夠存在必不可少的基礎。在最近今年，隨著遺傳算法，人工神經網絡等一系列新的信息技術的成熟和應用，數字系統構建的人工智能正在無限接近人類的自然智慧。當這些新的數字技術被引進到藝術領域中的時候，人類智慧在藝術作品形成過程中所扮演的“造物者”的角色似乎正在被沖淡。西方很多藝術家，比如澳大利亞的McCormack在過去的幾年中就已經開始嘗試使用遺傳算法、自主進化算法等新的編程方法來構建人工智能圖像創作系統。這種系統生成的每幅圖像都有自己的獨特性，但是這個系統生成的所有圖像之間又存在著審美延續性，或者我們可以說這個系統，就像藝術家一樣，在經過創作實踐的訓練后，開始形成自己的藝術風格。在這里，藝術創作似乎不再是由創作者主觀控制和驅動的發展過程，而是被帶入到一個由科學構建的自動循環增長過程中。這一點也正是數字藝術和之前所有藝術形式最根本的不同。

數字科技對藝術創作帶來的另一個重要改變是它重新定義了藝術的技術性。西方前衛藝術最顯著的一個特點就是“去技術性”，或者說試圖否定和疏遠傳統西方造型藝術所體現的特殊技術性，也就是在美術范圍所歸納的一系列造型技術分類（素描、油畫、水彩、雕塑、版畫、插畫等等）。19世紀末到20世紀上半葉期間，前衛藝術家們通過探索和使用新的創作媒體試圖突破傳統表現媒體和傳統造型技術的限制，弱化甚至取消藝手工制作在藝術創作中的角色，從而使藝術得到解放，使歐洲傳統藝術一度缺失的思想性回歸藝術創作。在20世紀初期，喬治·波拉克（Georges Braque） 以及畢加索等人就開始使用日常生活用品，例如報紙、布條、麻繩等，代替傳統的顏料，在畫布上進行拼貼創作。在這種觀念的倡導下，各地藝術家們開始大量使用日常用品進行藝術嘗試。邁克爾·拉什描述說“任何物品都可以被用在某地某人的藝術作品中，被解釋成一個主題或者一個名詞”。此時，藝術家所關注的不是如何制作一件可以激發觀眾感官審美愉悅的作品，而是如何“找到表達個人藝術觀點最好的方式”。這種觀點所主張的就是以全新的方法將藝術家想置于藝術事業的絕對中心，從而使藝術家擺脫畫布或者其他傳統藝術媒介的限制，獲得極大的創作自由。“藝術家可以自由選擇任何的表現手段（包括任何材質和任何技術）來表達任何的觀點，這個觀點可以關于藝術歷史，或者關于日常生活，或者關于自我 ”。這種觀點在現代藝術之父杜尚開創的Readymade中得到集中體現和理論化提升。這種“去技術性”的前衛藝術發展潮流一方面導致了大量現成品和工業產品涌入藝術作品，藝術創作媒介得以快速多樣性，藝術的可能性得以無限擴大；而一方面導致藝術創作和日常生活之間的界限變得模糊和不確定，藝術創作開始不再因為對專業造型能力的要求而被特殊化。任何人（包括沒有接受造型技術訓練的大眾）都有可能根據自己的意愿，使用任何種類的材料，任何種類的工具，總之任何種類

創意與設計 | 創意設計與美學 Creative Designand Aesthetics031的技術，參與藝術并探索表達自己的主張和思想方式。在這種藝術發展潮流中，技術性已不再是定義藝術作品價值的必要條件；反之，藝術家通過作品創作所進行的個性化思考和創新性實驗成為定義藝術作品的主要因素。美國視頻藝術評論家Gene Youngblood在當時就曾說過“所有藝術都應該是實驗性質的，反之就不是藝術”。這種藝術觀念發展的一個極致就是流行于60年代的觀念藝術。照相機、攝像機、掃描儀等新的成像設備和圖像抓取技術的誕生似乎更是加劇了前衛藝術長流對傳統造型藝術技術性的否定。比如說，照相機的出現就以機械的方法極大的簡化了技術再現世界的過程；非專業藝術工作者也可以使用照相機抓取現實世界的圖像，而不需要學習非常復雜的寫實繪畫技術。

前衛藝術所堅持的藝術觀念似乎在數字媒體藝術中得到了邏輯上的延續。我們剛剛解釋過數字藝術作品無論在創作層面過程中還是在傳播層面過程中都是基于數字系統的“信息模擬功能”。在數字環境下，不論藝術家所使用的工具、技術、色彩、材質，或者藝術家所操控的光線、時間和空間，又或者藝術家所處理的感知現象 （視覺效果、聽覺效果、運動效果），這些藝術操作對象和藝術創作素材在本質上都已經不再是基于物質的現實存在，而是一些列構建于電腦系統內部的數據模型（包括數據計算程式）。這些數據模型——通過信息模擬現實世界中存在的或者可能存在的物體、現象和發展過程——為藝術家構建了一個包含無數創作素材的的虛擬創作平臺；已經存在的各種作品形式、各種傳統藝術媒體、各種表現手段、各種創作工具同樣也可以以“信息模擬”的方式納入這個虛擬世界，成為無屬性差別的創作素材。在這個虛擬平臺上，藝術家被允許根據個人的創作目標自由地選擇需要的數據模型，進行改變或者重組。而藝術家使用的數據模型，則脫離了其原有功能（對現實存在的形式化表達），成為藝術處理的對象，并以Ready-made的方式呈現在藝術作品中。從這個角度來看，我們可以認為數字藝術從邏輯上和前衛藝術的創作觀念有一定的共同性。然而，使用和操控數據模型導致藝術出現了一種新的而且非常高度的技術：一種數字科技所獨有的技術性。為了掌握這種新的技術性，藝術家需要努力的去學習程序編寫以及數字系統的運行邏輯。當然很多數字藝術家選擇使用圖像或者聲音創作軟件進行藝術創作探索，即便如此，藝術家依然需要了解數字系統模擬各種物體或者現象的原理。

總結

在本篇論文中，我們對西方藝術在幾個主要歷史時期內和科技之間的聯系做了簡要分析。通過這些分析，作者希望解決的一個主要問題就是如何理解數字藝術和傳統藝術之間的關系。使讀者能夠理解為何數字科技和藝術的結合是對西方藝術傳統的延續，同時希望向讀者明確數字科技又為藝術帶來了那些變革。區別于所有傳統的造型技術，也區別于之前所有的藝術作品社會化的方式（復制、保存、傳播、展示），數字科技在從新定義科技在藝術中角色的同時，又以其特有的方式接納吸收了傳統的造型技術、傳統表現方式、傳統藝術語言、傳統藝術媒介。數字科技同時成為引發藝術革命的因素和延續藝術傳統的因素。而這種對立，也只是數字藝術家所面對的挑戰。數字科技在引發藝術創作改變的同時，也對藝術研究提出了很多值得思考的問題。本篇論文，更多的是以文化傳統的角度嘗試解讀和定義數字藝術的特點。除此以外，數字藝術留給我們思考的空間是巨大的。比如說，當應用于藝術創作的數字系統越來越人工智能化以后，人工智能在很大程度上完成了人類智慧在作品生成過程中工作，這時我們應該如何去定義作品的創作者？而我們有應該如何理解數字藝術所體現的“后人類”生活模式？對于后兩個問題，本文作者將會在之后的文章中做出探討。

（責任編輯：張同標）

［1］ Roger Pouviet.Conception cognitive de l’art et création artistique.Mario Borillo， Jean-Pierre Coulette.Cognition et création， Exploration Cognitives des processus de conceptions［C］. Paris，Mardaga， 2002 ：280

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［4］ Edmond Couchot. La technologie dans l’art-De la photographie à la réalité virtuelle. N?mes. éditions Jacqueline Chambon. 1998：23

［5］ Edmond Couchot. La technologie dans l’art-De la photographie à la réalité virtuelle. N?mes. éditions Jacqueline Chambon.1998：24

［6］ Edmond Couchot. L’art numérique， comment la technologie vient au monde de l’art ［M］. Paris， Flammartion， 2003 ： 30

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Digital Art ：Art Tradition's Transition And Continuation

西方藝術傳統最大的特點之一就是藝術和科學之間的融合，本篇文章是一份針對數字藝術和西方藝術傳統間之間關系而展現的學術思考。通常來說，我們認為數字藝術是后現代藝術的一個領域，它的形式是來自于信息科技和藝術創作之間的融合，但它的出現卻是醞釀于20世紀初開始的西方前衛藝術運動。再此前提下，本篇論文對數字藝術的探討將會以西方藝術傳統的歷史發展為主要思考范圍。作者會嘗試解答為何數字藝術可以被認為是西方藝術傳統的延續，這里藝術傳統是指造型技術和審美表達向科學技術借鑒的傳統。而后，作者還會嘗試解答為何數字藝術是完全不同于之前所有的藝術，無論在造型手段方面還是在和科學知識聯系的方面。總之，本篇文章是同通過分析西方4個主要歷史時期中藝術創作的特點來向讀者闡明為何數字藝術同時是藝術傳統的繼承和轉折。

This article is a reflection on digital art in its relationships with the western artistic tradition—the tradition based on the complex articulations between the arts and the sciences. The digital art is an art technological characterized by the post-modernity，and it emerge in the western cultural revolution of the 20th century in which contemporary technologies have played a central role. Next to this concept， the analysis set up in this article will be limited in the perspective of the historical change of western artistic tradition. The author will show why digital art could be thought as a continuity of western plastic arts who were strongly characterized by their technicity and by their refrence to siences. The author will show otherwise how the digital art has introduced a radical break with all the old plastic arts both at the level of the technical representation and at the level of the reports to scientific knowledge. In short， the author will attempt to explain why the digital technologies used by contemporary artistic creations would be the factors of continuity and rupture.

信息科技；數字藝術；藝術科學化；西方藝術傳統；繼承和轉折；信息模擬和藝術

Information technology；art digital；scientific art；western artistic tradition； computer simulation and figurative art

昃躍峰，江南大學數字媒體學院副教授、博士，研究方向：西方后現代科技文化背景下的藝術發展和作品形式、數字媒體藝術在創作方法及表現方式和審美模式上的革新等。