與火共舞 尉澗松的瓷藝之道

朱煜宇

工藝，本是陶瓷藝術的傳承基本，在今天卻頗有匠氣之意，但這個基礎在優秀的陶瓷藝術家的創作中依然具有主體性。在日本創作、生活十五載的尉澗松，就是這樣一位有所堅持的藝術家。他在瓷藝的道路上堅持著對技藝的追尋，而瓷藝在創作、窯燒的過程中需要更為精湛的技藝來把控，尉澗松也因此圍繞著高溫窯變投入了巨大的精力、人力和財力，這個過程是漫長而痛苦的，但他從傳統的沿襲、追尋到開創雖步履艱辛卻—直堅定向前。這份堅持造就了他今天在瓷藝上的一片天地，他是目前極少數能夠熟練掌握高溫窯變瓷藝繪畫、燒制技術的領軍者之一。

火形與心性

對尉澗松而言，火是他藝術創作的生命力源泉，火本身就具有強烈的生命力并決定了作品的完成狀況。窯溫的控制在科技發展快速的今天較易掌控，但這只是完成瓷藝作品的一小步，而火在密閉空間中的走向、形態，則是需要經驗和探求、研究才能領悟的，這使得所有材料在同樣的溫度下可能產生不同的回應。尉澗松在高溫窯變上的成功就來源于他長期鉆研并親歷窯燒的過程，與燒窯工保持互動，真正去了解密閉空間中火的生命如何造就瓷藝。從操作的層面來講這是一種技藝，但從陶瓷作品最終形成的結果來看，卻是藝術家與火的對話。陶瓷的本質美，是在火的基礎上所形成的材質本身，火在窯燒時的走向都在成品瓷上留下特有的印記，包括釉色的效果、表現力和胎質肌理等。

“火”這個元素在尉澗松的瓷藝作品中表現于瓷器的器形與釉彩的精細、當代性上。他的作品器形并不拘泥于傳統風格，更多地試圖表現線條感以及藝術張力。比起火的剛硬、浩蕩的符號形象，尉澗松塑造了一個柔美的火舞者形象。無論是釉里紅的古典之美以及從色彩到畫面的流動性，還是富有線條感的瓷器整體形態，都把尉澗松內心對自然世界的柔美感悟完整地反映給觀看者。在1300℃以上的高溫燒煉中，他除了判斷所使用的礦物質顏料在不同溫度下的性能之外，也試著理解火在密閉空間中的動感與能量。

在與火的結合中，顏色釉不僅是對顏色本身的判斷，礦物質之間的沖突、融合，都會影響色釉的形成，因而掌控顏色在立體作品上的流動，也是尉澗松的色釉創作的立足點。釉色不是單純的裝飾，而是在與瓷器胎質結合后對瓷的肌理的凸顯。只有在高溫的洗禮下，釉色才能像地殼運動所產生的物理結果一樣而形成寶石般的藝術價值。無論是釉色還是紋理，尉澗松最強調的還是瓷器本身，因為釉色或紋理都需要依托這一基礎，這也是他從瓷器的造型設計和塑造都從_而終、親力親為的觀念出發點。如果不能自己動手做坯胎，那么作品的價值也就只限于繪畫技藝而已了。

細膩的視覺語言

除了技藝之外，陶藝家的創作總是無法離開自然給予的物質和精神冀求。將自然景色移情于作品之中一直是藝術創作的重要表現方式之一，在瓷藝中，釉藥的應用是對這種移情的使用，而由此出現的“如玉”、“冰裂”、“凝脂”等效果是對自然的具體表現。在尉澗松的作品里，這種自然之情是溫潤而細膩的。即使是單色釉，在他的作品中也能表現出如沐春風似的流暢感，具有高明度的中國紅色彩鮮明而突出，但因為動態感而軟化了紅色的強烈沖擊力，作品更具感官性。

事實上尉澗松是將自然抽象化而試圖敘述新的視覺語言他所追尋的瓷本身的美以及生活、自然的美，都融入在作品中，形成了“甜美”的視覺形象。可以想象，在瓷土、礦物顏料在火的洗禮下流動著它們各自的生命氣息，最后相互融合成為一個整體，在最佳的火的控制下，作品最后顯現的圖式畫面具有動態視覺效果，色彩鮮明而透亮，在干凈的瓷胎背景中勾勒出具象形象，最終傳遞給觀眾特定的符號信息而引起共鳴。因而對于瓷藝來講，釉彩無法離開瓷器本身來評判它，反之亦然。

在尉澗松的觀念里，陶瓷藝術的創新不是在于器型的破格或者色彩的開創，而是在傳統的扎實基礎上融入自己的創作體悟與個性。自然窯變能夠產生肌理的美，尉澗松所寄望的作品的美則是基于對自然的關懷。于是乎觀眾不是對他的作品的繪畫性進行審視，而是去感受由技藝而生的自然顯現。

慢搖生活享受

尉澗松對自然的體悟實質上是—種慢搖的生活態度。他無論在創作上還是生活中，都不緊不慢地一步步完成自我設定的目標，而不是急進地想要達到某一個成就。他跟隨著自己每一件作品的制作過程，與燒窯工配合、討論，力圖在可控制的范圍內做到最佳。他自己建窯燒制，盡管還在試驗中，但讓他有更集中的精力來提升技藝。比起快餐式的文化消費，尉澗松所堅持的親力親為的創作脈絡，不僅僅是慢工出細活，更是他的生活態度——氣定神閑而有力地認真生活。近年來尉澗松在東南亞地區受到瓷藝愛好者的追捧，從市場的層面上來講可能基于某個中介導向，但從生活的層面而言，則是比起產業化的文化缺失，東南亞閑適而溫潤的自然環境提供慢生活的人們更容易審視尉澗松瓷藝作品中釉彩及器形本身的材質流動和富有的氣象。從今天藝術消費缺乏耐心的現狀來看，這種慢生活的狀態恰恰是藝術家、消費者都需要汲取的生活能量。

尉澗松在日本十五年的生活、創作經歷為他的這種創作態度提供了養分，也讓他感到中國傳統文化的推廣與發展在世界范圍內比較而言是極為緩慢的。尉澗松的作品顏色是新穎的，瓷器造型是具有當代性的，但他對傳統的堅持卻是循著“無形財”（日本用語，即“非物質文化遺產”）的觀念，一天工作十小日寸，為一件滿意的作品而反復燒制數月，因而他的作品之間能找到創作思路的脈絡，而不是純粹的概念復制。

也正是在這種創作觀念影響下，尉澗松自己建窯并不斷試驗，也因此讓他難以與“高產”掛鉤，這需要藝術家的時間和精力的高度奉獻。2011年尉澗松在上海壹號美術館舉辦了首個個展，對他這樣一位1950年代的藝術家而言，不是為了展出而展出，而是把他個人這么多年創作的精華都集中在—起，也是藝術家對自己的—種頗為苛刻的認可。在尉澗松這里，瓷藝的路程是艱辛的，也是一個需要合作團隊共同努力的過程，只有當參與作品完成的所有人都對瓷藝有了深入的想法之后，才可能產出近乎完美的作品。

國家文化部藝術品評估委員會上海工作站主任陳海波：

高溫顏色釉是中國陶瓷歷史在當代發展的重要標志，而藝術家尉澗松在高溫釉色運用與繪畫筆墨結合上的出彩令人過目不忘，他也是如今畫家畫瓷版塊的代表人物。

尉澗松的成功來源于其對陶瓷材料、釉色效果堅持不斷的嘗試，以及對于陶瓷釉色與畫面的整合思考。尉澗松曾說：“中國寫意畫的發展過程是畫家逐漸摒棄單純描摹自然，筆墨結構沖破自然形象束縛，從繪形轉向寫神，最終達到形神兼備的過程。”而在他的陶瓷創作中，他不僅延續這一思想，引入人文思辨和傳統修養，用筆墨線條傳遞對中國傳統文化的理解，使瓷藝意象內涵化了。更通過點染或成片的釉色使用將東方傳統美學精髓恰當運用到現代藝術表達上，為我們帶來如借天工之手而呈現的絢爛、清美與靜沁。