芭蕾基訓對舞蹈演員的重要性

■陳潔

芭蕾這門藝術至今已有數百年的歷史追本溯源，大體可分為古希臘舞蹈,古羅馬的擬劇表演、意大利的職業喜劇，中世紀雜耍者的藝術、法國和意大利宮廷舞會上的舞蹈及歐洲各國的民族民間舞蹈。希臘是古代世界的文明中心，音樂、戲劇、建筑、雕塑和舞蹈各種藝術形式都很發達，可以說沒有古代希臘羅馬的高度發達的文化，很難會有后世芭蕾藝術的誕生。

俄國芭蕾吸收了意大利，法蘭西和丹麥三大學派的精華，在本國民族藝術的基礎上結合了俄羅斯演員的形體特點，創立了俄羅斯芭蕾教學體系，它作為世界舞蹈藝術的精華，其典范性、科學性和體系化的水平是首屈一指的。其中“切凱第”教學法和“布農維爾”教學法分別是俄羅斯和丹麥在芭蕾訓練中的兩大體系。“切凱第”教學法的主要特色是對芭蕾主要動作進行分類，系統的整理，對每一個動作的性格和規格要點作出了比較細致的講解，并根據上述體系和教材進行統一的芭蕾教師資格考試，直到現在“切凱第”體系對英國乃至世界古典芭蕾有著巨大的影響。丹麥的“布農維爾“教學體系一直重視古典芭蕾的傳統，珍惜和保存了其劇目和風格。

我們今天所接觸到的芭蕾基訓是以俄派為主的俄羅斯芭蕾教學體系，它吸取了其他各國芭蕾舞的精華，是以人體解剖學為基礎的，依照人體結構形成并遵循科學規律的一套較為完善的訓練體系。同時根據人體自身特點再加以優化改進，因人而異，凸顯了動作的個性和規格要點。是一套科學的、系統的、規范的及其完備的訓練方式方法。它以“開、繃、直、立”四字方針為其技術原則，以典雅、和諧、流暢作為其運動審美原則，從而建立了一種既是理想主義的又充滿幻想色彩的超現實的身體形態。以“豪華、浮飾、繁瑣、夸張”為主體的獨特表演形式奠定了芭蕾的基礎性，使初學者和舞蹈演員對于形體和氣質美感的把握有了一個較為直觀的初步感受。其目地是通過系統的訓練掌握要領與難點，逐漸形成具有個性鮮明的特點且規范、豐富的舞蹈語匯，使之達到更為理想的效果。

1.芭蕾基訓能夠修飾舞蹈演員的身體形態、塑造內在氣質

作為一名舞蹈演員，首先展現在觀眾眼前的就是形體美，所以芭蕾的以“立”為主，獨特的高貴，挺拔的形態無疑是舞蹈演員首先需要具備的形態美：芭蕾的基本形態是從站立開始的，它不等同于自然站立的身體形態：以膝蓋為節點，小腿要堅定有力的延伸至腳下，讓腳趾放松，充分接觸地面，不倒腳、不弓腳心，大腿肌肉要向上延伸拉長，臀部夾緊，不頂胯，以頸椎、腰椎、尾椎為直立點收緊腹部，肋骨向內包裹，雙肩打開，肩胛骨夾緊下沉，脖子拉長，下顎上揚，眼睛平視前方。兩胯與雙肩四點要擺正，這些基本形態的站姿訓練能夠提升演員外在的形態美。通過一段時間的基本站姿訓練，身體肌肉有了初步的記憶也形成了一種習慣，適當的融入舞蹈語匯能夠鍛煉舞蹈演員肢體的協調性和靈活性，長期以往，芭蕾高貴、典雅、柔美的氣質就由內而外的散發出來了。

2.系統、規范的訓練模式有利于提高舞蹈演員的肌肉控制能力和精湛的技藝

重心和肌肉的控制能力是保證一名舞蹈演員動作完成質量的重中之重，只有把這兩大問題科學、系統的解決好，才能打好堅實的基礎提高技藝水平。“開、繃、直、立”是芭蕾最基本的技術原則，“輕、高、快、穩”則是它更進一步的要求。“開”就是要求肩部雙頰、胯關節、膝關節、腳踝向外打開，經過系統的訓練使肌肉呈扁平狀，增加內側肌肉的力量。不正當的訓練會使腿部外側肌肉增大，變成難看的“馬褲腿”。“繃”是指離地就要繃腳，腳背的顯現使腿的線條顯得筆直修長。“直”是指站立時脊椎尾椎需與地面保持垂直，就是我們常說的“身體的中心軸”要立直。不能有塌腰，摳胸等體態的出現。“立”做任何動作時要想著身體的直立感，始終保持向上挺拔的姿態，只有規范了這些要領，舞蹈演員才算完成了第一階段的訓練。舞臺下要有扎實的基本功，舞臺上才能完成較為復雜的動作和技術技巧。“輕”指完成動作時必須做到輕盈飄逸，特別是跳躍性的動作，落地要輕，要控制，沒有聲音，“高”是指在跳躍中肌肉具備出色的爆發力，擺脫地球的引力。“快”特指頻率，在瞬間動作的變換，速度要快、要靈活。“穩”指動作完成的穩定性，無論旋轉或是跳躍，落地的瞬間都要站穩。如果反之便會前功盡棄。舞臺上精彩的瞬間都對身體和肌肉的控制能力有非常高要求的。而這些又是依附于最為基礎的把上把下的單一動作來完成好的。千萬不要小看這些簡單的動作。就拿p l i e來說，它是為旋轉和跳躍做準備的，簡單的一個動作卻有很多復雜的要求，要注意身體的直立，肌肉的拉伸過程，胯關節、膝關節及腳踝的外開，以及頭、手、腿部相互之間的協調性，其實越是簡單的動作越是基礎的基礎。沒有好的p l i e就沒有好的旋轉和跳躍。

精湛的技藝是靠身體與肌肉的控制能力保證的，芭蕾舞中的雙人舞技法，為舞蹈作品增添了亮點的同時，對舞蹈演員的素質能力也提出了更高的要求。例如：托舉在作品中并不少見，對力量和氣息的運用尤為重要。輕柔、飄逸的托舉如果沒有身體和肌肉超強的控制能力就無法完成，反之變得笨拙。我們可以看到，在時下流行的現代舞元素中，不乏力量氣息的掌控與運用，很多都是以芭蕾為基礎，從中借鑒和提取的。

3.芭蕾舞與古典舞的精華與弊病

我們中國的古典舞也借鑒和吸取了芭蕾訓練中的精華，再融入一些京劇中身段的韻法就形成了一套古典舞特有的訓練體系。我們不得不承認芭蕾所起的作用是不容忽視的。而對于我們中國的舞蹈演員來說，無論是芭蕾還是古典，從客觀上講都是利弊相通的。芭蕾對腳下的規范性和基礎性是任何舞種都無法比擬和超越的。其弊端在于過分的挺拔束縛了上身的自由，很容易造成僵硬化格式。而我們中國的古典舞眾所周知是由中國的戲曲衍變發展過來的，由于中國的戲曲表演都是穿著長長的戲服，注重上身的韻律卻忽視了腳下捉襟見肘的尷尬，所以中國的古典舞對氣息的運用能夠解脫上半身的呆板、木訥，不注重下半身的規范性和伸展卻是造成舞蹈演員肌肉塊狀、粗壯的弊病之一。

長期的實踐證明，經過芭蕾專業訓練的舞蹈演員在舞臺上不僅形態舒展修長，對于動作的完成質量干凈利落，腳下規范，上身挺拔優美，肌肉的控制力較好，能夠擺脫地球引力，有能力完成好控制、旋轉、跳躍等各種復雜的技術技巧。

4.芭蕾基訓提升舞蹈演員對音樂的感知度

“音樂是舞蹈的靈魂”，通過節奏和節拍限定舞蹈動作的時值和速度。芭蕾舞中所用的音樂大多是鋼琴和交響樂，節奏、旋律、力度、音色和動作的輕重緩急，強弱快慢都是相輔相成的。不同的動作有不同的節奏劃分，比如小踢腿練習：有重拍在里的，也有重拍在外的，有一拍做一個動作的，也有一拍做二個動作的，對于初學者來說，對音樂的理解，對節拍的把握首先就是一個難點，在表現舞蹈作品時，音樂節奏的掌控更突顯出動作的張弛有度和自身情感的抒發，提升了舞蹈作品的表現力，音樂與舞蹈動作的相融合，更加符合視覺與聽覺一體化的審美原則。

綜上所述，芭蕾是一個系統、規范、科學的訓練體系，對于業余舞者來說，對內在氣質，外在形態都起到了提升和管控作用，對于專業的舞蹈演員來講，肌肉的素質能力和身體的控制力以及音樂的分析能力都能得到全面的訓練。豐富內心情感，表達自我感受，音樂與舞蹈的相互融合，符合視覺與聽覺一體化的審美原則。