空間的藝術

王夢云

由當代著名建筑師RENZO PIANO設計的惠特尼藝術博物館新館是紐約下城的一個全新地標。在博物館正式啟用前，我們獲得了一次難得的機會在里面拍攝一組時裝片。在這明亮的空間內，線條流暢、輪廓簡約的服飾體現著人、時裝與環境的密切關系，也反映了近期時尚與建筑設計越發與時俱進的趨勢。

如果說服裝與建筑有什么本質上的共同點，那就是它們都以自己不同的方法守護著人們，將其包圍起來抵制外界的侵害。“有時墻壁蘊含著一種接近暴力的力量，”日本建筑師安藤忠雄曾寫道，“它們有權去劃分、改造空間，并且創造全新的地域。”同樣，服裝也劃分著身體與外界之間的界限，有時讓你可以窺見身體，有時又防止你看到里面到底是怎么。如同時尚評論人Judith Thurman所說，“我們所穿的一切都能被視為一種移動的遮蔽處。”服飾與建筑的外在呈現則讓其成為了彰顯身份與地位的重要工具。

然而在這兩個行業中，往往是建筑設計占領制高點——奠定設計理論，提供風格上的哲學。我們常常看到靈感來自建筑的時裝設計。卻很少耳聞受服飾影響的建筑，在某種程度上這來自于兩個行業本質的區別。“建筑比文字永恒，”上世紀60年代，建筑師Philip Johnson這樣說道，“文化都是以遺留下來的建筑而被人記住，沒有什么比建筑物更重要。”反觀時裝，其生命往往是短暫的，看重的是不斷的淘汰與更新。可以說時裝喜歡搭上建筑說事兒，無非就是想沾沾它高大上的設計哲學，以提升創作地位——想想那些建筑感較強的時裝設計，通常都是概念性勝過舒適度或實穿性。1982年，策展人susan Sidlouskas在美國麻省理工大學籌備一個名為“Intimote Architecture（私密的建筑）”的服飾展覽時，曾在美國版《Vogue》雜志的采訪中說道，所謂的建筑感服裝給人的印象就是“它有自己的建筑結構，就算沒有人體來支撐也可以亭亭玉立”。Hussein Chalovan2000年秋冬系列中運用木頭制作的可穿在身上的“茶幾”裙，以及Issey Mivake那件如盔甲般硬挺的“籠子”上衣，是這種服飾兩個顯著的例子。這些前衛設計，其輪廓已經完全忽略了女性身體自然的弧度，它們以挺括的設計將身體束縛起來，換句話說，這樣的衣服是否有人穿著早已不重要了。

如今，這種不考慮穿著者感受的服飾似乎已經過時，即便借鑒建筑設計靈感也要充分考慮舒適度。去年，Korl Lagerfeld受現代主義巨匠Le Corbusier的啟發設計的Chanel 2014年秋冬高定系列，運用了許多他的建筑特點——粗獷的材料（Loqerfeld革命性地將水泥帶進了高級定制沙龍）和摒棄任何裝飾的表面設計。然而與Le Corbusier龐大、簡潔、冷漠的建筑風格不同，Logerfeld看似嚴謹、硬挺的設計卻非常輕盈，能讓穿著者行動自如。Nicolas Ghesquiere是另一位深愛建筑設計的時裝設計師，他常常在自己的Instoaram上展示一些奇特的建筑物，尤其對上世紀中葉的現代主義建筑有著特別的偏好。即將上演的Louis Vuitton 2016年早春系列選址加州的棕櫚泉——上世紀中葉現代主義建筑的圣地，并不讓人意外。然而Ghesquiere從建筑設計中汲取的靈感從不表現在夸張、概念性的形狀上，而是將建筑簡潔、實用的精神注入他的系列的精髓中。你完全可以想象穿著他的衣服的女性居住在那些線條優美但裝飾毫不浮夸的現代主義建筑中。而他在入主Louis Vuitton時就曾宣布，以前掌舵BaIenciaqo時期那種“stotement”的設計已過時，他要專注于為有血有肉的女性打造實際的衣櫥，要“超越那種喧嘩”。

更為親民、人性化的建筑也是建筑設計這幾十年來的發展趨勢。“一座完全透明的建筑，”1977年，因與當時的伙伴Richord Roclers一同建造巴黎蓬皮杜藝術中心而一舉成名的Renzo Piano解釋道，“一個烏托邦的反派博物館。”他隨后一系列馳名的博物館建筑：從美國休斯敦的MeNl Collection（1987年）到瑞士的Beyeler Foundation（1997年），都堅持著這一原則。透明的空間將迎來更多的觀眾，打破了博物館以往孤傲的形象。“我對透明性的執著通常會被誤解為對于建筑‘空間的不靈敏，”他曾說道，‘按我們的行話。說你缺乏對空間的敏銳度是最卑鄙的辱罵……但我對空間的詮釋不會讓人有窒息的感覺，建筑空間就是一個小宇宙，一種內在的景觀。”今年年初Piono完成了另一個地標性的美術館項目——惠特尼藝術博物館位于紐約下城的新址。“展覽的區域從里面延伸到外面的露臺。這樣會創造城市與藝術空間之間的密切聯系。”建筑中那些開闊的露臺和大量運用玻璃墻面的設計細節則延續了內與外的一種交流。“一個博物館是為公民建設的重要空間，所以它理應是透明的，易接近的。”

服裝與建筑設計的另一個共同點也在于它們都是將二維的設計稿轉變成三維的作品，因此都專注于空間的創造。（Piano與Mox Mara品牌合作，以惠特尼博物館的結構為靈感打造的“Whitney”包，巧妙地體現了兩個行業之間的交疊。）在時裝界，日本設計師一向在這方面做得最為出色。傳統的西方設計是以盡置減少身體與服飾之間的距離為目標，因此裁剪最佳的服飾永遠是最修身的，然而上世紀80年代，第一批前衛的日本設計師的出現令這種關于空間的看法得以改觀。以和服為出發點。他們的制衣方法往往是將面料直接包裹在人身上，靠身體（而不是剪裁）去創造立體的設計。西方人當時覺得那些看似無形的服飾沒法兒展現女性身材的優美，但在日本人的審美中，衣服與身體之間多余的空間并非空虛，而是蘊含著某種靈氣，他們稱之為“間”（英文“Mo”）。‘我們日本人習慣于享受缺少的感受，（相比事物本身）更享受它的回憶。”設計師山本耀司回顧道。2006年，洛杉磯的LACMA藝術博物館舉辦了“Skin+Bones（皮囊與骨骼）”——一個對比時裝與建筑設計的展覽，日本設計師的作品在當中則占了多數。

最近另一種跨界合作方式也越發普遍，那就是某位“Starchitect”（明星建筑師）會受邀為時裝品牌打造獨特的店鋪設計，增強網絡購物無法帶來的購物體驗。在中國兩個顯著的例子是去年Hermes的“Maison Hermes”在上海一棟別致的洋樓里開幕，以及今年Louis Vuitton在北京開設的中國區第二家“Moison”旗艦店。“Moison”這個詞選得也別有深意，它在法語中是高級時裝屋的尊稱，同時也是“房子”或“家”的意思，寓意品牌將客人們帶入一個如同家—樣溫暖的環境。12年前，瑞士建筑組合Herzoq&deMeuron（北京的鳥巢為其代表作之一）在東京南青山地區為Prada品牌設計了一個地標性的旗艦店，成為明星建筑師與時裝品牌合作的一大里程碑。今年他們回到同一個地方，在街對面修建全新的Miu Miu旗艦店Jacques Herzoq表示，他們同樣希望這家店鋪“會抗拒時尚即時性的審美”。與Prodo透明的店面不同，Miu Miu店有著鋼鐵幕墻，環讓你看到里面，就像一個你要去開啟的盒子……（我們希望它）更像一個私人住宅，講究的是小而私密。”

而在當今品牌與明星設計師合作的眾多例子（如Valentino與David Chipperfield，Tod's與伊東禮雄）中，恐怕沒有比21世紀最有名的建筑師Frank Gehry為最大的奢侈品集團LVMH在巴黎建造的Fondation Louis Vuitton藝術博物館更有各了。去年博物館的開幕同樣是時裝與建筑行業里的一大盛事。看似船帆般的外觀合計，體現了Gehry以魚為靈感、有波動線條的代表性建筑風格，而有趣的是，建筑師早期最先設計的魚形建筑是1985年為意大利時裝品牌GFT的展覽而制造的一個木頭魚型雕塑，這足以體現他與時尚界的深厚淵源。本月在米蘭即將開啟的Fondazione Prada博物館則是Prada女士與另一位明星建筑師Rem Koolhaas（北京央視大樓是他代表作之一）的合作，想必也會相當震撼。顯然，當下沒有哪個行業比時裝界更積極地與前衛建筑師們臺作，這或許是因為時尚界過于在乎外表，但換種思路想想。由真正懂得品牌審美的建筑師打造的建筑會將品牌的設計精髓延伸到里面的空間，創造一種獨特的內在景觀。由此可見時裝與建筑之間的交流不再停留在浮華的外在或夸張的輪廓上，而是共同推進著兩個行業對于個人身份與環境的探索。