音樂創作的實用性方法與寫作技巧之鋼琴小品篇
——針對非專業音樂院校作曲專業方向學生

孫璐莎 （暨南大學藝術學院音樂系 510000）

音樂創作的實用性方法與寫作技巧之鋼琴小品篇
——針對非專業音樂院校作曲專業方向學生

孫璐莎 （暨南大學藝術學院音樂系 510000）

鋼琴小品創作是作曲及電子音樂專業方向學生必須經歷的過程，是管弦樂及影視配樂創作的根基。在進行鋼琴小品創作之前有單旋律寫作、織體寫作、和聲等等一系列的訓練，環環相扣，缺一不可。專業音樂院校從附中的高中部開始就有作曲學科，高中三年的最終創作目標就是鋼琴小品及歌曲配以鋼琴伴奏，歷經附中三年循序漸進、按部就班的寫作訓練，這些學生的大學志向往往還是專業音樂院校；而綜合類大學藝術學院的作曲及電子音樂專業方向的生源基本來自普通高中，這些學生的專業基礎非常薄弱，有些甚至從未學習過任何相關專業的課程，且要在大學四年中完成專業音樂院校學生花費八年時間完成的課程內容（專業音樂院校作曲專業附中三年+大學五年），對教師和學生都是艱難的挑戰。本文針對非專業音樂院校作曲方向學生存在的問題，對相關的實用性寫作技巧進行詮釋。

本文將從輔助練習、寫作思路兩大方向闡述創作鋼琴小品的技巧要點。

一、輔助練習

（一）視奏

非專業音樂院校作曲及電子音樂專業方向學生（以下簡稱學生）由于專業基礎薄弱，且在入學后才會接觸視唱練耳及和聲等相關專業基礎課程，因此對于音響缺乏想象能力，需要借助創作工具。鋼琴無疑是最好的創作工具。專業音樂院校學生大多從小學習鋼琴，而非前者大多鋼琴水平不高但有一定的基礎，無法駕輕就熟的運用創作工具。學生可以選擇與自己鋼琴程度相當的鋼琴曲進行大量視奏，不需要把一首樂曲彈奏的非常熟練，只要完整的彈完一首樂曲，就可以進行下一曲的視奏，旨意不在提高技術，而在于在識譜的過程當中增加彈奏鋼琴的手感，熟悉鋼琴小品的流暢性、律動性及結構感?！笆熳x唐詩三百首，不會作詩也會吟?！彼囆g作品也是一樣，視奏大量的鋼琴小品，既能夠加強音樂的內心聽覺能力，提高音響的想象能力，又能深入了解各種音樂表現手段在鋼琴小品中的靈活運用，可以更好的駕馭鋼琴這個創作工具。如果一個學生每天有一到兩個小時的時間練琴，對于作曲專業方向的學生來說，用這些時間進行大量的視奏要比用來提高鋼琴演奏技巧更加實際，一舉多得，是鋼琴小品創作最有效的輔助練習。

（二）分析

在藝術創作的學習過程中，分析是必不可少的環節，通過分析完整的作品，把“作曲四大件”（和聲、配器、曲式與作品分析、復調）的理論部分轉化為實踐。曲式與作品分析是一門獨立的課程，學生需要花費至少一年以上的時間來完成，且涵蓋的內容包括作曲四大件的全部，前提是完成四大件的學習，這對于學生來說是比較尷尬的境況。學生入學時幾乎是零起步，所有課程都要在大學里完成，四大件和鋼琴小品創作的學習幾乎是同步，因此按照正常的曲式與作品分析課程的要求，學生是達不到的。而這里我們所提及的分析，不是單純的曲式與作品分析，而是根據入學后學生的實際情況，運用學生比較容易掌握的手段來進行“另類”的實踐分析。

首先，如何選擇用來分析的作品？很多學生從未進行過鋼琴小品的分析和創作，但在他們音樂道路的成長過程中，或多或少的接觸過鋼琴小品，比如學習鋼琴時彈奏過一些曲目，聽過一些耳熟能詳的作品等等，這些經歷對于實際的鋼琴小品創作有利也有弊。利自不必多說，而弊是影響鋼琴小品創作的關鍵。學生彈過和聽過的作品大多是最簡易的鋼琴曲（練習曲的比例更大）或流行鋼琴曲，這些樂曲是為了提高鋼琴某方面的技巧或為了迎合鋼琴學習者的喜好而存在的，這對學生對鋼琴小品的理解是有負面影響的。學生腦海里對鋼琴小品的概念容易扭曲為朗朗上口的旋律配以簡單的分解和弦式織體，這是一個牢籠，很難跳躍出來，因此，在選擇鋼琴作品時，應避開古典時期以前的作品，適當選擇浪漫派（此類風格的鋼琴小品很容易讓學生誤解為流行鋼琴曲）后期、印象派及現代派部分作品如巴托克的《小宇宙》等有鮮明的個性化創作風格的鋼琴作品，選擇個性化的作品可以開闊學生創作的思維，幫助學生了解多元化鋼琴作品，從視覺和聽覺上打破教條式創作理念。

其次，如何分析所選鋼琴作品？把分析的重點從曲式與和聲轉換為和聲構成的最小單位——音程。按部就班的學習了四大件之后再從專業角度對音樂作品進行具體分析，這是所有專業音樂院校曲式與作品分析課程的模式，而對于非專業音樂院校學生來說，課程安排和時間上都不允許。學生開始進行鋼琴小品創作時，配器、復調及曲式分析課程都沒有開設，只有初級和聲的基礎，那么對于這些幾乎是零起步的學生來說，傳統的分析方法顯然是遙不可及的。如果我們把所選鋼琴作品的旋律、織體結構及和聲等表現手段全部以音程為單位化整為零來加以分析，將會事半功倍，學生掌握起來會更加得心應手。例如，巴托克的《小宇宙》第61首，旋律聲部橫向線條可簡化為純四度、五度和大二度音程，左手為增四度、小二度和純四度音程，而左右手同時撞擊迸發的縱向音程以三六度為主，左手的增四度有解決，由F#—G，主干音為純五度、四度和大二度，與右手是統一的。

二、寫作思路

（一）旋律

入校后，大部分學生在旋律寫作方面都顯現出能力，可以輕松的掌握旋律的流暢性和可聽性，因為學生基本都精于一樣樂器（很多學生電聲樂器比鋼琴更加熟練），且喜歡聽流行歌曲或曾經參與過電聲樂隊的排練和演出，流行歌曲充斥了學生幾乎全部的學習生活，可是對于鋼琴小品創作來說，光是解決旋律的流暢性和可聽性是不夠的，還有新的問題，那就是——鋼琴化。簡單的來說，鋼琴化旋律是指根據鋼琴的鍵盤構造和手指的靈活性而創作的適應于鋼琴演奏的旋律。對于學生來說，這點不難理解，卻很難做到。原因前面已經提及，學生對于歌曲的熟悉會為鋼琴小品創作增加一定的難度，從而導致鋼琴小品的創作像歌曲伴奏，或流行鋼琴曲。如何解決這個問題？

1.在視奏環節中已經提及，多視奏有鮮明個性的鋼琴作品，可以輔助學生打破創作思路的教條模式。

2.在一個樂句中，盡量避免三和弦完整出現。例如，一個樂句中已經出現了C和E兩個音，那么G最好不要出現。學生幾乎沒有和聲的基礎，但對于TSD三個和弦卻不陌生，甚至只會用這三個和弦，如果三和弦中的三個音全部出現在一個樂句中，那么這個樂句學生只能配這個三和弦，不敢嘗試其他的編配；相反，如果只出現其中兩個音，和聲的靈活性大大增加，織體中加入變音也不會聽起來怪怪的。

3.旋律線條的起伏設計要大膽，兩個樂句至少有一次超過八度的跨度。相關知識的缺乏會阻礙探索的腳步。學生在旋律的設計上容易被困住，經常出現一個完整樂段的旋律在一個八度內完成。鋼琴的音域非常寬廣，要充分利用鋼琴這一特色，使旋律更加豐富，深入人心。

4.不受半終止和完全終止的約束。雖然未學習曲式，但學生都會具有一定的結構感，尤其是對歌曲過于熟悉的學生，對半終止和完全終止有難以動搖的歸屬感，使學生的鋼琴小品創作陷入一個固定的很難打破的模式。因此，建議學生在進行鋼琴小品創作時，忽略對半終止和完全終止的期待，嘗試其他的結束樂段的方式。

5.旋律不要一氣呵成。也許很多學生會認為這個建議完全違背了音樂創作靈感的自然流露。的確，靈感的自然流露是一部作品的靈魂，但前提是要有深厚的專業基礎和豐富的創作經驗，而本文中面對的非專業音樂院校的學生是無法做到的。對于這些學生來說，一氣呵成的旋律只有一種可能——像歌曲，而本環節恰恰在討論鋼琴化的問題，因此，一氣呵成的旋律未必適合鋼琴演奏，甚至會使創作陷入窘境，導致這個作品最終只是一個歌曲伴奏，無法體現鋼琴這個樂器的特點。建議學生在寫鋼琴小品旋律時，以樂句或樂節為單位，運用音樂的整體表現手段例如反復、模進、衍展等，節約音樂素材的同時，可以更加適當的使主題得到發展，使作品的音樂素材得到統一。

6.設計旋律時鋼琴的演奏法也要一并考慮。一條平平無奇的旋律加入適當的演奏法，會變成個性鮮明的旋律。

7.主題節奏的設計切忌過于復雜。學生由于基礎薄弱，大多會在主題節奏設計上有過多的考慮，使節奏過于復雜而適得其反。在作品的發展中，節奏的變化是循序漸進的，張弛有度的主題節奏設計會為作品的發展留下空間。節奏如何可以設計的巧妙是一項需要大量瀏覽和研究的課題，本文篇幅有限，在這里只提及幾點設計節奏時需要注意的問題。

首先，三連音的應用。經過一些考前培訓班訓練的學生對三連音情有獨鐘，尤其在一條旋律趨向一個小高潮的時候，學生經常會用連續的三連音音階推向高潮，模式化寫作顯而易見。三連音的應用是需要一定技巧和“環境”的，要慎用連續出現的三連音，這種情況容易改變旋律的和聲節奏感，三連音只有在與平均時值節奏對置的情況下才能發揮它改變節奏穩定性且不會造成節奏混亂的作用，或橫向或縱向（三對二或三對四），如果連續使用三連音，一次也不要出現三組以上，且連續使用三連音后要出現平均時值的節奏；其次，前八分后十六分音符的音值組合的應用。在一拍中，前面是一個八分音符，后面是兩個十六音符（簡稱后十六）這樣一組節奏單位雖然是強調重拍的節奏，但是與三連音過于相像，因此要盡量避免與三連音連用，而其本身也要避免連續使用，后十六節奏律動好像走路一樣，容易造成左腳高右腳低的錯覺，使用后，也需要平均時值的節奏來平衡；再次，切分音的運用。增加節奏律動性最好的選擇就是切分音。切分音可以連續使用，需要注意的是，連續使用后造成的重拍移位需要回歸，如果旋律為切分節奏，那么織體部分就要避免與切分相同的節奏型，同樣，如果織體部分是切分節奏，旋律也要使用平衡強弱拍的節奏來與之對置，值得一提的是，盡量避免使用發生在一個單位拍中的十六分和八分音符構成的切分節奏，也就是我們所說的小切分。瀏覽過大量鋼琴小品后不難發現，在實際的鋼琴作品中，小切分是鳳毛麟角（個別作品用小切分作為發展動機），因為它的律動單位過短，沒有完全體現重拍移位這個切分節奏的特性。

（二）和聲

如果要求學生以傳統和聲的思維去構思鋼琴小品，運用和聲知識為他們所設計的主題配和聲是很難做到的，因為和聲這門課程還沒有完全掌握（這里不涉及復調內容）。前文提及，在分析作品時，可以把單位簡化成音程關系，那么在創作的過程中，我們也可以把和聲的構架拆解為音程。學生的和聲感覺大多來自流行歌曲，雖然無法正確的運用和聲功能，但對和聲色彩并不陌生，我們可以充分利用這一點，來輔助學生完成作品的和聲部分。

首先，在短期內，對音程色彩進行聽覺訓練，幫助學生提高音響想象力并可以熟練的運用；其次，當主題動機的旋律部分完成，需要和聲支持時，暫時摒棄TSD帶來的穩定性，考慮用音程去解決和聲問題，可以把和弦理解為音程疊加，例如，大小七和弦可以分解為五度加小三度；五度音程可以發展為純四度加大二度；增加空靈感可以用大三加大二；增加緊張度可以用小三度疊置等等。需要注意的是，如果織體部分在低音區，那么和弦最好省略三音，這點似乎與傳統和聲的規則不同，因為泛音的關系，低音區的音程關系要以開放排列的音程為主，而傳統和聲中的和弦省略音規則是省略五音，這點不難理解，縱向和聲的構成不單是織體部分，還有旋律部分也是和弦的構成音，因此和弦中由于需要開放排列而被省略的和弦音，可以在旋律聲部彌補。音程的選擇取決于旋律，簡單的說，除了開頭和結構分界點需要穩定的音程關系，結構內部的織體部分要避開旋律聲部重拍出現的音高，尤其當織體與旋律都為單音的時候，避免運用同音，這里所提到的同音包括不同八度內出現的同一音級，人類的音樂聽覺接受能力已經大大擴展，除了一個八度內的小二度和大七度仍然會有強烈的不協和的感覺，其他音程可以大膽使用。

（三）織體

織體的形態千變萬化，是音樂構成不可缺少的一部分，是由原始和聲轉化而成的可動的橫向思維線條。寫出有特點的織體形態是需要豐富的分析和創作經驗的。那么對于非專業學生來說，如何在短時間內完成呢？首先，織體寫作的基本要點是一定要掌握的，織體部分要與旋律部分形成節奏上的互補，當旋律的音符密集，音符時值短的時候，織體部分的節奏要以“松”為主，不能喧賓奪主；其次，織體的功用主要體現在編織音樂的整體外貌，因此不是越復雜越好，相反，動一點點腦筋設計出巧妙簡潔的織體形態會對推動音樂作品的發展有更大的意義，比如斯特拉文斯基的《春之祭》中，平均時值的固定低音通過改變重拍位置而形成嶄新的音響畫面，改變重拍位置絕對是平淡中求奇的最有效的創作手段之一；再次，善用休止符，學生經常會把每一個單位拍都寫滿音符，甚至經常用十六分音符作為織體形態的律動節奏，這樣做，不僅不會對音樂的音響有任何幫助，反而使作品陷入寸步難行的境地，而一個小小的休止符，既可以改變作品帶給聽者的習慣性律動，增加新鮮感，又可以為后續音樂提供一個可發展的音樂元素；然后，鋼琴不止是一個有音高的樂器，還可以作為色彩性打擊樂使用，換句話說，織體摒棄線條型運動而以節奏形態體現，忽略和聲功能性而強調色彩性，用以模仿打擊樂效果；最后，織體是多聲部線條的載體，即使是分解和弦作為織體形態也要考慮到隱藏的最低音和最高音的設計，使音樂更加立體，增加音樂線條。

結語

音樂創作是一個循序漸進的過程，有嚴謹的專業基礎和長時間的創作磨練才能完成，經歷了正規的旋律寫作、織體寫作及和聲的訓練等，完成鋼琴小品不是難事，而非專業音樂院校的學生缺少了高中三年專業訓練的寶貴時間，丟失了很多訓練的環節，而需要達到的目標卻和專業音樂院校的學生一樣，這就需要充分利用他們的長處。非專業音樂院校的學生長處就在于他們的音樂“忠誠”于內心感受，不受學院派教學模式的限制，他們的創作心態純凈，不為取悅他人的喜好而做作，而比起專業音樂院校學生的一味求新的創作態度更加能夠展現他們音樂的靈魂。為了讓這些學生的音樂表達能力在有限條件下減少受基礎匱乏的影響，本文提出了一系列的實用性寫作技巧，旨在幫助學生更好地挖掘內心的音樂感受，創作出更好的鋼琴作品。