展訊

無名的恐怖（Untitled Horrors）

2013年5月4日至9月22日

阿思楚普費恩利現代藝術博物館（Astrup Fearnley Museum of Modern Art），挪威，奧斯陸

辛迪·舍曼（Cindy Sherman，一譯辛迪·雪曼）是當代美國乃至世界最有影響力的藝術家之一。她運用攝影進行創作，并在一個越來越以視覺為導向的文化潮流中重新定義攝影。她被歸為后現代藝術家一代。

舍曼的作品有著強烈的女性主義色彩，在這個喧囂浮躁的時代，她的照片是少有的對藝術的純粹的探討，且對既有的表現方法、身份認同等發起了挑戰。

舍曼的這些影像既殘酷又滑稽，既令人厭惡又充滿誘惑。它們是對我們幻想的投射，是對我們所熟悉的故事的重新闡述。她把自己打扮成電影明星和雜志封面女郎的樣子，如同奇遇記里的怪獸，荒誕而突兀。舍曼夸張地使用了面具、假發、假肢，營造出一種荒誕的效果，寓意隨著人造物品的盛行和垃圾的蔓延，人自身將逐漸退化。

展覽著重展出的是舍曼從上世紀70年代藝術生涯伊始到當下的作品，著重強調了舍曼作品的怪誕與反叛。這些特質在那些“舍曼式”的如同電影劇照、雜志封面般的肖像和她創造的那些冒險的、災難的、色情的、戰爭的和超現實的場景中得以充分體現，從中我們也能解讀出她在藝術創作方面的趨勢。

歲月留痕（Decade by Decade）

2013年6月22日至9月22日

惠斯馬瑟攝影博物館（Huis Marseille），荷蘭，阿姆斯特丹

沃克·伊文斯（Walker Evans，1903～1975）是20世紀杰出的攝影師，是攝影史上的領軍人物。他開創了一種個人的、藝術的風格，并由此為20世紀的紀實攝影奠定了基礎。伊文斯用“如詩文般微妙、又如外科手術般精確”的手法記錄了美國社會的日常生活。這種生動、直率的風格引來了無數模仿者。1928年，伊文斯帶著自己的“文學”情結決定投身攝影，他形容自己的工作是“詩意的紀實”，亦是對自己“背叛”了文學夢的遺憾與補償。展覽從伊文斯早期在紐約拍攝的作品開始，觀者一路看下來，能清晰感受到作者逐漸樹立起來的自信。

從20世紀30年代起，沃克·伊文斯開始拍攝美國鄉村的貧困情況，這些黑白影像成了攝影史上的標志性形象。他的照片在一定程度上影響了我們看美國的角度。伊文斯拍攝上班路上的工人、地鐵乘客、路邊廣告牌、教堂木屋和鄉村商店。他拍了半個世紀的美國街頭影像，也順帶記錄了人類歷史的經典瞬間。20世紀的攝影史有很重要的一頁屬于伊文斯。

在展覽中我們跟隨伊文斯的鏡頭來到早年的紐約，在那里他經常為他的藝術家和建筑師朋友拍攝肖像，過了些年，他的鏡頭從大蕭條中抽離，轉向充滿活力的紐約場景，迎接一個經濟繁榮的時代。展覽還囊括了一些從未公開發表的作品，包括他在大溪地島（1932年）和古巴（1933年）拍攝的照片等等。展覽中還有相當一部分照片顯示出伊文斯對印刷術、廣告與家居的強烈興趣，這部分照片還可看作伊文斯創作的波普藝術作品（Pop art，20世紀五六十年代由英國開始的藝術運動，以探討通俗文化與藝術的關聯為特征）。

展覽共展出沃克·伊文斯從1928年到1974年拍攝的200多張照片，是對其攝影生涯中各種類型作品的首次集中呈現。我們也得以借由該展覽探尋伊文斯的心路歷程、他在攝影風格上作出的嘗試，以及由此奠定的今天的新聞攝影理念。

我們生活的地方（The Place We Live）

2013年1月30日至9月29日

約瑟夫·阿爾伯博物館（Josef Albers Museum Quadrat Bottrop）德國博特羅普

羅伯特·亞當斯（Robert Adams，1937～）是當代與李·弗里德蘭德（Lee Friedlander）和羅伯特·弗蘭克（Robert Frank）齊名的美國攝影師。1975年，他曾參加過被攝影界稱作傳奇的 “新地志”（New Topographics，一譯新地形）展覽。本次展覽是對亞當斯全部作品的首次綜合展現，包含300多張照片和近40部出版物。

在20世紀美國攝影師當中，關注美國西部自然和人文景觀的亞當斯是一個異類。在亞當斯眼中，落基山與太平洋之間的這片平原就是他的地理坐標。他以平實、詳盡甚至有點像做分類目錄的視角，用大畫幅相機、黑白膠片拍攝下了美國科羅拉多、加利福尼亞和俄勒岡的城市與鄉村。去過亞當斯照片中拍攝的地方的人，都能辨認出我們的文明給地球帶來的創口。對自然資源無節制的開采、城市的無節制膨脹，不僅讓人類越來越無法棲身，還奪走了動物和植物的家園。世界變得越來越同一化—郊區的大房子、大商場、汽車旅館和它們的廣告—千篇一律，毫無美感。

盡管現實如此糟糕，在亞當斯的照片中還是能找到希望。在北美大陸廣袤的土地上，巍峨的山脈和百年的蒼翠依然健在，它們保留著早期西部拓荒者的記憶：這是一個自由的王國，每個踏入這片土地的人都能種瓜得瓜、種豆得豆。在亞當斯的照片中，自然資源不僅為生命延續提供能量，還在另一種維度下以一種恢弘的氣勢存在。

既有吶喊與焦躁，又有寧靜與片刻的和諧。亞當斯的照片精確地再現了人類對地球的征服，與所有藝術作品一樣，它的終極目標是：呈現生命之美。照片所表達的內容通過美學的形式得以呈現—一棵大樹、一只小鳥、一線曦光。照片呈現了凝固之美，照片還打開了一個心靈的空間。

戰爭與女人（FEMMES & GUERRES / ONE PERSON CRYING： Women and War）

2013年6月22日至2014年4月30日

奧拉杜爾村大屠殺紀念館（Centre de la Mémoire Oradour-sur Glane village martyr），法國

美國攝影師瑪麗莎·羅絲（Marissa Roth）拍攝這個專題已經有28個年頭。1984年她隨全家重游故地前南斯拉夫，那是她祖父的家鄉。在那里，她的祖父被匈牙利的法西斯黨人殺害；1988年，她為《洛杉磯時報》拍攝一組阿富汗女性難民的照片。這兩段經歷成為她拍攝這組專題的開端。1999年她跟隨一個醫療隊赴阿爾巴尼亞拍攝難民，這時她意識到，戰爭對女人的直接和深遠的影響將是她在照片中不斷再現的主題。28年間，帶著這個專題，羅絲走訪過許多國家。

“這個專題牽著我去直面這些歷經戰爭磨難的女人，她們忍受著常人無法想象的疼痛、絕望、分離，最關鍵的是，她們堅強地活了下來。我走遍世界尋找這些女人，為她們拍照片，采訪她們，記錄下她們的歷史，洞察戰爭在她們身上留下的痕跡。我以這些女人的角度直面戰爭，并發出我的、也是她們的聲音。在照片中沒有鮮血、沒有武器，照片只是描繪了戰后背景下的生活。”

整個展覽共展出90張黑白照片。此外，作為對戰爭進行控訴的證據，攝影師收集的一些檔案資料也一并展出。瑪麗莎·羅絲是自由攝影記者和紀實攝影師，曾為《紐約時報》、《時代周刊》、《新聞周刊》等諸多報刊工作，也是1993年普利策獎最佳本地新聞獎獲獎單位《洛杉磯時報》的獲獎團隊成員。