巴洛克音樂的精彩詮釋

2012年2月22日晚，英國小提琴家丹尼爾·霍普與他的５位音樂伙伴一起在國家大劇院為中國音樂愛好者帶來了一場優雅別致、曼妙無比的巴洛克“空中旅行”音樂會。

此次音樂會稱之為“空中旅行”，丹尼爾·霍普介紹說：“‘空中旅行’可以被看做是一段音樂的旅程，其中有著許多巴洛克時期最美、最鮮活的音樂。它講述了這樣一個故事：１７、１８世紀的音樂家們在歐洲大陸漫游尋求音樂靈感并融會貫通，他們的音樂與表演令王公貴族與普通聽眾們著迷。”霍普認為，在音樂司職娛樂角色、戰爭手段的那個時代，巴洛克小提琴音樂有著與眾不同的能量：激進且有革新的意味。“我演奏時，就一直努力把這種能量找出來，讓大家看到這種音樂的多元性。”２００９年，霍普就曾與ＤＧ公司合作，發行了廣受贊譽的《巴洛克之旅》唱片，本場音樂會的靈感來源便是這張炙手可熱的唱片。精湛的琴藝、特別的個性、創意十足的想法和不同于當今一般古典演奏家的做派使得霍普的每一張唱片和音樂會都引領著２１世紀的古典音樂風潮。

本場音樂會中演奏的曲目經過精心的編選，包括９位作曲家的作品。其中，除了巴赫、亨德爾、勒克萊爾等大師的經典作品外，其余作品對于大部分中國觀眾來說極為陌生。這些曲目短小而富有表情，具有鮮明的巴洛克音樂特點。為了更好地讓觀眾理解作品的特色，在音樂家們演奏的間歇，霍普以他那幽默睿智的語言為觀眾上起了“大師課”，通過輕松愉快的方式講解作品，向觀眾傳遞他對巴洛克音樂作品的深刻理解。

音樂會開場曲目是西班牙作曲家迭戈·奧爾蒂斯（Ｄｉｅｇｏ Ｏｒｔｉｚ）的《里切卡特》（Ｒｉｃｅｒｃａｔａ Ｓｅｇｕｎｄａ）。確切地說，這是一首文藝復興晚期的作品，創作于西班牙菲利普二世掌權期間。霍普選取奧爾蒂斯的作品作為巴洛克風格音樂會的開場是經過深思熟慮的，這位西班牙作曲家同時也是一位音樂理論學家，他曾在意大利那不勒斯出版《即興創作的規則和一般觀點》。這部著作第一次介紹如何用弦樂器進行即興創作和將一段旋律進行加花。而在此后緊接的巴洛克時期的音樂實踐中，即興演奏占有突出的地位。如果那時的音樂家不能用“手指思想”，那么數字低音就不可能實現了。①作為開場曲的《里切卡特》巧妙地使用鼓來作為引子。被稱為“魔指”的邁克爾·梅茨勒獨自一人由舞臺一端緩步走來，拉開了音樂會的序幕。鼓聲由遠至近，由慢至快，充滿生命活力。隨著鼓點越來越激昂，弦樂器逐漸加入，音樂另人興奮驚奇。全曲節奏歡快，三拍子舞曲，充滿民謠特點，引領觀眾穿越時空，進入異彩紛呈的巴洛克時代。

音樂會的第二首曲目是德國作曲家亨德爾的《薩拉班德舞曲》（Ｓａｒａｂａｎｄａ）。正如霍普所說，這首作品與《里切卡特》的音樂風格大為不同，是一首慢而優美的舞曲。巴洛克時代的音樂家漫游歐洲，尋求藝術靈感，亨德爾也不例外。亨德爾的貢獻是發展了小提琴的旋律性和歌唱性。《薩拉班德舞曲》里彌漫著一種難以形容的悲傷，但感受上是悲而不傷，同時讓人感覺到其高貴和雋永，并夾雜著堅定的信仰和浪漫情懷。三拍子節奏，以強調第二拍為特點氣氛莊重。霍普深信，演奏這些作品時“應該把古樂器放在心里，而不是放在手上”。演奏中，大提琴一直沒有使用支架而是由演奏家喬納森·科恩用雙腿夾住琴的側板來完成演奏。音樂家們嘗試從傳統出發，讓巴洛克音樂在現代樂器上獲得更豐厚寬廣的音響效果。樂曲聲音通透深沉，富有磁性，主題旋律在第一小提琴，第二提琴以及大提琴上輪流呈現，旋律線條流暢如行云流水，再加上羽管鍵琴的襯托，雖結構簡單，卻使觀眾在視聽及心靈上都得到了享受。

接下來霍普們選取了三首由意大利作曲家兼琉特琴演奏家安德列亞·法爾科涅里（Ａｎｄｒｅａ Ｆａｌｃｏｎｉｅｒｉ）的作品：《美妙旋律》（Ｌａ Ｓｕａｖｅ Ｍｅｌｏｄｉａ）、《帕薩卡里亞》和《恰空舞曲》。這些作品均展現了他的節奏天賦和運用不同音樂形式的興趣。在提到這位大師時，霍普是這樣介紹的：“安德列亞·法爾科涅里不僅僅是聲名顯赫的音樂家、琉特琴演奏高手，同時還是一位調情高手。他游遍歐洲，與眾多女性墜入愛河，同時向她們借債無數。最終，這件事被這些女性的丈夫所知，并開始在歐洲范圍內對他展開搜尋。法爾科涅里不得不從一國輾轉到另一國，在旅途中他譜寫了無數動聽悠揚的曲子。《美妙旋律》創作于１６１０年，是法爾科涅里早期的杰作之一，或許他的靈感便來源于這些美麗的女性。”《帕薩卡里亞》舞曲里器樂聲滲透出來的那份高貴與從容，給人們帶來美好、豐富的體驗和感受。與其相比，《恰空舞曲》的結構與《帕薩卡里亞》舞曲相近，但又有所不同，是在保留其和聲功能框架的基礎上，對和聲的織體進行變奏。通過三首作品現場演奏的效果來看，《美妙旋律》感覺像是用大提琴和小提琴來代替人聲說話，強調了歌曲悲傷的感情，具有很強的戲劇性。《帕薩卡里亞》是小提琴在羽管鍵琴和大提琴的低音聲部上進行變奏，在莊嚴的重復和完整連貫的結構中蘊含著種種奇妙的變化。《恰空舞曲》中全曲復雜的聲部、大量的裝飾音使作品充滿了音樂層次感。有時兩個聲部，有時三個聲部甚至四個聲部同時進行或交替出現。在這些聲部進行中，橫向的聲部清晰、連貫，縱向的聲部在不協和與協和之間對比解決。

在欣賞完三首法爾科涅里風格各異的曲子之后，霍普又一次引領觀眾轉向德國，欣賞德國作曲家約翰·保羅·馮·韋斯特霍夫（Ｊｏｈａｎｎ Ｐａｕｌ Ｖｏｎ Ｗｅｓｔｈｏｆｆ）的四首曲子。如今，韋斯特霍夫幾乎已被人們遺忘在記憶深處，然而在１８世紀，他作為鼎鼎有名的小提琴演奏家及作曲家風靡整個歐洲，并曾作為宮廷教師為法國國王路易十四演奏。音樂會演出的四首作品各有特點，堪稱佳作。其中，《鐘》（Ｌｍｉｔａｚｉｏｎｅ Ｄｅｌｌｅ Ｃａｍｐａｎｅ）和《琉特琴》（Ｌｍｉｔａｚｉｏｎｅ Ｄｅｌ Ｌｉｕｔｏ）是兩首模仿曲。《鐘》是由小提琴和大提琴來完成。大提琴以不變的速度演奏單音來模仿鐘表的擺動，而小提琴則以８∶１的速度快速地在四條弦上穿梭，不斷變化著的和聲色彩，仿佛在描述這樣一幅景象：雖然時鐘的擺動一成不變，然而生命的進程及生活的色彩卻無時無刻不在發展和變化中。《琉特琴》是用小提琴與大琉特琴來共同完成的。演奏家弗尼手持外形與吉他相似的琉特琴演奏，而霍普也模仿琉特琴的演奏方式，站在弗尼身后橫抱小提琴撥奏，兩人一唱一和，配合巧妙。作品盡管創作于３００年前，現在聽起來依舊悠揚動聽。但這四首曲子中，我更喜歡的還是《威嚴之戰》（Ｌａ Ｇｕｅｒｒａ Ｃｏｓｉ Ｎｏｍｉｎａｔａ Ｄｉ Ｓｕａ Ｍａｅｓｔａ）和傳統民謠《綠袖子》（Ｇｒｅｅｎｓｌｅｅｖｅ）。說來也有意思，這兩首作品雖風格迥異，但都與國王有著某種聯系，這是否是霍普將兩首作品前后貫穿演奏的原因之一呢？《威嚴之戰》講的是作者游歷到法國，被路易十四國王召進皇宮，做起了宮廷小提琴師。路易十四不僅熱愛音樂舞蹈，同時還是偉大的戰士。他希望歌曲能表現出他在戰爭中的英勇無畏精神，于是韋斯特霍夫作了一首名為“忠于戰爭”的曲子獻給了國王。鼓聲響起，樂曲開始，在鼓進行曲似的節奏Ｓｏｌｏ（獨奏）后，小提琴以下半弓的快速跳弓演奏旋律進行配合，用以傳遞渲染危險的戰爭前線作戰的緊張氣氛。此曲短小精悍，不足兩分鐘，但很有氣勢，精彩無比。另一首《綠袖子》則完全是另外一番景象。曲子主題是一首感傷的英國民謠，旋律古典優雅。曲調纏綿低沉，魂牽夢繞，在小提琴與羽管鍵琴的配合下，旋律進行了多次變奏后交由大提琴演奏。霍普對音色的處理極為講就，運弓弓段非常靠近弓尖，弓速非常快，聲音若隱若現追求通透空靈的感覺，充滿了思念回憶的意境。

上半場最后一首作品《ｄ小調雙小提琴奏鳴曲》來自于意大利小提琴演奏家安東尼奧·維瓦爾迪，這是一首以“瘋狂”為主旋律的樂曲。霍普幽默地講解說，安東尼奧首次將這一曲目搬上舞臺演出時，演奏技藝精湛，給人無限遐想以及美感，在當時造成了極大的轟動，令無數樂迷為之傾倒，甚至一些女性在欣賞完這首曲子時暈厥過去。在過去的三個世紀中，無數作曲家也仿照安東尼奧的這首曲子自己創作，即便是２０世紀的音樂人亦是如此，但隨后的仿作均無法超越安東尼奧的高度。維瓦爾迪在科萊里《福利亞舞曲》的基礎上對主題進行了２０次變奏，每一次變奏都被賦予了明顯的提示。與此同時，在每段的連接上，也借鑒了科萊里《福利亞舞曲》的特點，小節線延長記號、速度的轉快或轉慢。兩把小提琴高妙的處理手法，大提琴和琉特琴的巧妙配合使曲目聽起來壯麗燦爛。全曲有很強的三拍子律動，聽起來簡潔卻又優美，六位演奏家對節奏、速度連續的由慢到快都把握得非常準確，聲音十分輝煌，速度快速強勁，長短時值的結合使音樂充滿生機，仿佛在傳達著勝利的情緒。伴奏的羽管鍵琴和大提琴則一點都沒讓觀眾感覺到畫蛇添足，實屬不易。最后穿插出來的鼓手也讓觀眾更加感受到了樂曲的律動，主奏和伴奏樂器之間的平衡掌握得恰到好處。

整場音樂會最具有即興演奏特點的曲目當屬讓－瑪里·勒克萊爾的《鈴鼓》（Ｔａｍｂｏｕｒｉｎ）。勒克萊爾被認為是法國小提琴學派的奠基人，也是法國三大著名小提琴演奏家之一。勒克萊爾吸收了意大利小提琴音樂的表現形式和演奏技術，并結合法國音樂高雅華麗的風格，創作出許多成功的巴洛克風格小提琴曲。《鈴鼓》是首超越“瘋狂”更為狂野的舞曲，也為打擊樂手最大限度展現自己“魔指”的才能提供了機會。演出中，首先是鼓手節奏感極強，華麗出彩的即興演奏。邁克爾·梅茨勒手持鈴鼓，時而單手時而雙手，時而敲擊時而搖擺鼓上的鈴兒，甚至在高潮段點結束時，不僅大力敲擊鼓面，更配合大力跺腳來增加氣氛。在主題進來前，邁克爾·梅茨勒將鈴鼓拋在地上快速旋轉，身體配合鈴鼓旋轉的速度上下起伏，就在鈴鼓越轉越快即將停止的剎那間，主題闖入，觀眾沸騰鼓掌。六位演奏家開始了載歌載舞、極富動感主題的演奏。不僅如此，在兩段主題出現的中間，即興演奏再次出現，小提琴運用弓毛貼近琴碼的方法制造出特殊的金屬音色彩，而這次“魔指”卻是用手配合旋律吹出長短不同風聲。最后，作品在大幅度的漸快中戛然而止，觀眾頓時歡呼雀躍。這時，我不禁想起了霍普暢銷世界的名著《我該幾時鼓掌？》中所說的，巴洛克時期的音樂會鮮活而富有感情，觀眾都是想在哪兒鼓掌就鼓掌，盡情地表達當時的感覺。“在詮釋與傳遞偉大作曲家樂思的過程中，與聆聽者間產生互動，豈不美哉。”演出前，霍普在接受媒體采訪時也曾期望國家大劇院的觀眾反應可以像巴洛克時期的聽眾一樣——活力四射，他們做到了。

音樂會中，還演奏了意大利作曲家馬爾科·烏切利尼（Ｍａｒｃｏ Ｕｃｃｅｌｌｉｎｉ）的《貝加莫》（Ａｒｉａ Ｓｏｐｒａ Ｌａ Ｂｅｒｇａｍａｓｃａ）中的詠嘆調和英國小提琴家兼作曲家尼古拉·馬泰斯（Ｎｉｃｄａ Ｍａｔｔｅｉｓ）的《蘇格蘭幽默園》（Ｇｒｏｎｎｄ ｏｆ ｔｅｒ ｔｈｅ Ｓｃｏｔｃｈ Ｈｕｍｏｕｒ）等曲目，這些作品動聽悅耳，令人有美不勝收之感。音樂會的最后一首曲目《詠嘆調》（Ａｉｒ）是德國作曲家Ｊ．Ｓ．巴赫的經典作品，也是本場“巴洛克之旅”音樂會的主標題。值得注意的是本場音樂會里巴赫的名字僅僅出現過一次，留在收尾壓軸處也充分體現出演奏家們對大師的敬意。這首詠嘆調選自４首組曲中的第３首，當這首不朽名作深情奏響時，音樂廳中所有的觀眾都沉浸在這片天籟之聲中，整個音樂會現場呈現一片透明的靜寂。

丹尼爾·霍普的“空中旅行”音樂會帶來許多的驚喜，讓我對巴洛克時期的小提琴音樂有了更深層次的認識。音樂會中，霍普對作品的演繹非常率真、投入，把自己的感情充分滲透到演奏里。他的演奏技術扎實，在演繹中掌握樂曲細微的情緒變化，對音色加以合理的把握和運用，樂句處理細膩。此外，與一般演奏家對巴洛克音樂作品強調嚴謹、規整的演奏、精準苛刻的節奏的理解不同，霍普的演奏除了技巧圓潤熟練之外，表演幽默風趣而又充滿朝氣，富有詩意、抒情、溫暖而有生活氣息，對于詮釋巴洛克時期“激進且有革新的意味”這一音樂精髓，還原典雅、精致、唯美的巴洛克音樂精神非常到位。演出無論在節奏、樂句、音樂的對比、裝飾音技法、音樂意境的塑造等方面都表現出霍普極高的領悟和感情。本場音樂會從選曲到編排，從解說到演繹都堪稱精良，對于中國觀眾認識歐洲巴洛克時期的音樂特色非常有益，畢竟眾所熟知的巴赫的風格也僅是這個時代末期的轉向標。

①張蓓荔、楊寶智《弦樂藝術史》，北京：高等教育出版社２００４年版。

周敏 首都師范大學音樂學院講師

王曼 首都師范大學音樂學院碩士研究生

（責任編輯 榮英濤）