參透樂曲的靈魂 彈出鮮活的自我

在音樂教育普及的當今社會，鋼琴正作為大眾樂器，越來越進入到普通家庭中，進而促使鋼琴演奏教學日趨專業、系統化。可是，如火如荼的“學琴熱”，一擁而上的“忙考級”，使得鋼琴演奏成為—種公式化的學習模式。面對這一問題，我總結出了一些演奏鋼琴音樂的步驟。

一、眼觀——從樂譜中讀出樂曲的情感

都說眼睛是心靈的窗戶，當我們準備彈奏一首樂曲時，首先看到的就是這首音樂作品的曲名和樂譜上那上上下下的音符。此時，我們對音符在鋼琴上彈奏的聲音是陌生的，更不用說抓住樂曲的情感。怎樣在觸鍵之前就牢牢抓住樂曲的中心，需做好以下幾項準備：

1.譜面記號需看清，音樂術語要知曉

鋼琴是西洋樂器，因此，在鋼琴音樂作品中，樂譜第一行的左上角，往往會標注英語、意大利語等等歐洲詞匯的表情術語。可是，大多數練琴的人總會忽略音樂術語，直接從第一個音符開始彈奏，尤其是琴童，他們對外國的詞匯并不熟悉，所以在練琴時，眼睛總是掠過除五線譜外的所有東西，久而久之，鋼琴演奏就成了一種機械運動，所有樂曲只是單純的音符變化，毫無美感，更別說彈出作品的風格，演繹自己的個性了。

在樂譜上的音樂術語中，如Largo(廣板)、allegretto(小快板)等等，這些從幼兒初級教程《拜厄》中就頻頻出現的速度標記，是習琴之人必須知道的。就算對它的讀音不是很準確，但當我們拿到樂譜，眼睛看到的時候，能很快知道它的中文意思，這是對全曲風格的把握，最起碼是對樂曲速度的基本認識。進一步學琴后，樂曲難度加大，音樂術語不斷變化，有的可能會出現從沒見過的詞匯，如Assez doux，mais d’une sonorite large(音色寬廣并要非常柔美)，面對這一類比較難解釋的詞組，就更不能一掃而過了，抓住其中熟悉的詞拼湊，或是借助工具書都是可行的。了解了意思，對譜面內容的第一印象就有了，算是和樂曲打了聲招呼。音樂術語是整首樂曲的敲門磚，千萬別把它遺忘忽略了。

2.連線樂句是呼吸，看音想畫很重要

樂譜中總會出現不少的連音線，也有的會在一些練習曲左手伴奏部分的開頭寫下連奏的音樂術語。當我們看見這些長短不一的弧線時，可別把它單純地看成連音線了。連音線構成的小樂句，其實是樂曲中的呼吸。就如同一篇文章的逗號、頓號，試想一下，沒有抑揚頓挫的文章，是不能感動讀者，成為一篇美文的。同樣，音樂沒有了呼吸就談不上美感，也就更難體現樂曲的風格。音符是構成樂譜的字符，音符不但要彈，也要去看。看音符的走向，和聲的變化，能把主旋律唱出來，簡稱視唱。視唱的時候最好是能把樂段連成故事，串成圖畫，這樣一來，樂曲就有了它獨一的故事。這一點，從幼兒練琴就可以很系統培養。比如幼兒鋼琴手指練習的“天天練練”，用樂譜 上不同走向的音符，以簡筆畫的形式表達， 讓人一眼就可以看到樂譜內容，也更有利于手指練習的模仿彈奏。

二、感受——在彈奏中體會作品的靈魂

音樂的內容，也就是音樂作品中情感的表達，是隨音符流露出來的。感受音樂，是我們演奏音樂作品時必須完成的事情。文章的靈魂流露于字里行間，樂曲的靈魂就在于音符之中。

1.鋼琴演奏的技巧訓練

要想讓彈奏出的鋼琴作品優美動聽又獨具一格，嫻熟的演奏技巧是完美演繹鋼琴作品的關鍵。關于鋼琴技巧的訓練方法有很多種，大多數學習鋼琴的人，第一課上的內容除了認識中央C的do，就是怎樣使手自然落鍵的吊臂練習。只有使每個手指都能在琴鍵上站穩了，才能讓手指自由輕巧地在琴鍵上跑動。

首先，身體部位的協調，是演奏鋼琴音質的關鍵。彈奏鋼琴時，身體要自然“放下”，手腕與手臂處于垂下的狀態，而掌關節切勿松懈塌陷。掌關節是控制琴鍵的關鍵，鋼琴聲音細致的變化都需要掌關節的控制來完成。其次，手指跑動要靈活獨立、規范地訓練。指尖觸鍵，無論強弱，都要集中，在做手指跑動練習時，力量要均衡，有顆粒性。再次，慢練是調節快速演奏的好方法。有時一首樂曲不但篇幅長而且速度快，長期快速練習，不但會手臂僵硬，指尖聲音也不清晰。因此，慢練可以很好緩解“壓力”，慢練之后再重新快速演奏，聲音就變得清晰干凈了。最后，技巧練習的時間要保證。

2.鋼琴演奏的聽覺訓練

音樂是一門聽覺的藝術，任何一首音樂作品的優劣都是通過聽覺來鑒別的。很多學習鋼琴的人在彈奏樂曲的過程中，很少去仔細“聽”樂曲 ，這里說的“聽”并不只是聽音符彈得對與錯，或者是音的高低，我們要學會聽的，是用心去聽，去體會旋律的走向，音的深淺。

我們又將如何用聽覺尋找音樂作品的靈魂呢?首先，要聽出旋律的線條，樂句呼吸。其次，左右手的聲部要分開練習，以便更好地聽辨旋律。鋼琴作品中，除了大量的主調音樂外，還有許多的復調音樂。如果此時不分手練習的話，耳朵是很難分辨出不同旋律的。樂曲聽起來就是破碎的，不完整的。用單獨演奏的方法，先把每條旋律分辨清楚，合奏時就比較好處理聲部與聲部之間的關系。作曲家門德爾松曾經說過：“在真正的音樂中，充滿了一千種心靈的感受，比言語好得多。”用心去感受音樂，才能在演奏中體會作品的靈魂。

三、理解——在歷史背景中尋找作曲家的心境

不同的時代特點塑造了作曲家的個性，這種個性在作品中體現，也就形成了作品的風格。在《傅雷家書》中，傅雷對其子傅聰說：“你的確和莫扎特起了共鳴，你的脈搏跟他脈搏一致了，你的心跳和他同一節奏了，你活在他身上，他也活在你身上，所以你才會這樣欣賞他，理解他。”可見，要很好地演奏出音樂作品，必須要與作曲家產生共鳴。

1.區分樂派，了解時代背景

鋼琴藝術在歐洲音樂當中舉足輕重，從巴洛克時期開始，還經歷了古典時期、浪漫主義時期到20世紀之后近現代，有著300多年的歷史。由于作曲家處于不同的時代，其音樂風格都有著時代的烙印，因此也形成了不同的樂派。在巴洛克時期的鋼琴藝術中，由于受到鋼琴本身的限制，所表現出的音響效果極具特色。樂曲風格如英國紳士，中規中矩，穩步前進。直到古典時期，鋼琴開始得到改進，音域更寬廣，表現力也更強。古典時期的作品要求彈奏時聲音清晰，手指具有顆粒性，音與音之間不含糊。到近現代派的鋼琴藝術就極具創新風格，還形成了新的印象主義樂派。這時的鋼琴作品充滿了想象的空間，具有朦朧氣質，這就需要演奏者把握樂曲的空間性。

2.把握作品情緒，了解作者心境

鋼琴作品所處時代的風格，是這一時期作品風格的大趨勢，要更深地了解作品風格，還需了解作曲家當時的創作心境。比如，被譽為鋼琴詩人的肖邦，他的祖國波蘭當時正在遭到野蠻瓜分，因此，他的音樂作品充滿了民族情感，《c小調革命練習曲》《波羅乃茲舞曲》都是他民族意識的表現。因此，在彈奏他的作品時，既要注意浪漫主義時期作品的特點，又要表現他作品獨有的一種愛國情愫。對作曲家創作背景的了解，是對作曲家心境的感受，也是對作品風格的把握。

四、發揮——在深入了解后，彰顯自己的個性

文學家林語堂在談對藝術作品的理解時，就曾感言：“在藝術作品中，最富有意義的部分即技巧以外的個性。”因此，深入地詮釋音樂，就應該把自己的個性融入作品的風格，從而形成獨有的演奏“風格感”。

1.共性中的個性

每首音樂作品在創作時，就已經形成了它所蘊含的風格。我們彈奏的鋼琴作品，從300年前巴洛克時期的音樂作品開始，每個時期的作品風格都是那個時期音樂作品的共性。可從創作出一首鋼琴作品開始，就被無數的演奏者練習、演奏過，而一些經典曲目也會被不同的演奏家演奏，甚至發行了唱片。這也就是所說的，不同版本的演奏。尤其是當對所演奏的曲目非常熟悉時，就會發現，幾位鋼琴演奏家在彈奏同一作品時，處理方式完全不同，卻仍可出色表達作曲家的創作意圖。

同為20世紀之后的鋼琴家，魯賓斯坦和霍洛維茲，都擅長演奏浪漫主義時期的樂曲，可是演奏出的作品風格、演奏個性卻大不相同。比如同樣演奏《肖邦第一敘事曲》，出生于蘇聯的霍洛維茲用他特有的觸鍵方式，厚實直接地進入樂曲，在音樂表達中又不失變化的層次，把敘事曲中平穩的情感宣泄了出來。而與作曲家肖邦同籍的魯賓斯坦則不同，他在進入作品時并不是直接進入，而是更加委婉，把情緒揉進樂曲中，有一種歐洲紳士的高貴典雅。

2.發掘演奏的個性

優秀的鋼琴演奏家之所以受到樂迷的歡迎，是因為在他演奏時彰顯的個性，也就是其音樂魅力。趙曉生在《鋼琴演奏之道》中說：“從第一個音符開始，就顯示出他獨特的個性和巨大的創造力。”可是，許多人在練習一首鋼琴作品時，會把彈好樂曲的標準定義為：能彈得與聽到的樂曲唱片相近，就彈好了樂曲。可是，這種演奏鋼琴音樂的標準是不正確的。音樂是感性的，模仿的音樂作品不是藝術。音樂的魅力，就在于演奏者的個性表達。演奏時的個性表達，可以使鋼琴音樂的魅力發揮到極致。◆(作者單位：江西師范大學音樂學院)

責任編輯：方 玉