在鋼琴教學中對放松和音樂感的把握

摘 要: 放松和音樂感是鋼琴學習中比較重要的兩大課題，也是教學過程中最難把握的基本要素。本文作者結合自己平時鋼琴學習中的體驗及總結眾多鋼琴家的經驗，從放松和培養音樂感兩方面作詳盡論述，并針對如何放松和更好地培養音樂感提出幾點看法。

關鍵詞: 鋼琴教學 放松 觸鍵 音樂感

陶行知“教習做合一”的實踐學說具有極其鮮明的辯證性、普適性和現代價值。作為一種教學思想、教學理念、教學原則，一直為我所遵循。

一、放松

(一)放松及其重要性

何謂放松?演奏者的手指落鍵，便有放松的感覺。手指在琴鍵上，指尖部位的肌肉及手臂應處于彈性狀態，而非死壓琴鍵。指尖恰到好處地把琴鍵保持在鍵盤“底部”，彈出的音色就優美。尼古拉耶夫對演奏者手的狀態作出這樣的描述:“手不應該像木棒那樣僵硬，也不能像爛布那樣松軟，它應該像彈簧那樣有彈性。”

放松的最高體現是自然。從肩關節到手腕都完全放松，觸鍵時指尖支撐住臂部的重量，腕和肘能靈活自如地向任何方向移動，肩、腕、肘和整個手臂輕松自如，彈出的曲子輕而不虛、實而有力，就能在快速彈奏時做到均勻、靈活、清晰。所以，鋼琴演奏中的放松，是運動中的放松，是積極的放松，是松而不懈。這是掌握鋼琴彈奏技術的重要前提。

(二)體會放松

放松與緊張，要松中有緊、緊中有松，松緊適度。如何讓學生體會放松?一是手臂放松:坐在鋼琴前，將一只手慢慢抬高，高過頭頂后，再像物體自然落下將一個手指穩落在琴鍵上，奏出聲音。每個手指照此試練一遍。二是手腕放松:手指抬高擊鍵后，按住琴鍵并保持放松狀態，然后慢慢抬高手腕，抬到手指不能按住琴鍵的高度，再慢慢放平手腕，并把手腕放在盡可能低的位置。這樣由高到低，重復多次。最后在高位置上以平穩的動作用手腕將整只手“帶離”琴鍵。在手臂、手腕同步練習中，手指得到放松。

(三)練習放松的方法

1.協調整體動作

上座時上身挺直，稍收腹挺胸，做到自然、舒暢。先向學生講清楚肩關節放松要領。要求:能使手臂在鍵盤上自如地左右移動，避免因肩關節僵硬而引起聳肩和背、頸部的酸痛。再讓學生通過遠距離跳動練習放松手臂，同時采用長音值的樂曲感受鍵盤的溶深度，讓學生體會力量如何從肩部流向指尖到琴鍵。

(1)輕手臂式的放松

當要求聲音明亮輕快和迅速變動時，將手臂從鍵盤上收回，用肩和胸、背部的大肌肉作適當收縮，使落在指尖的力由重到輕，適度減小。整個手臂由于有肩關節強大的肌肉群塊控制，變得很輕，而且手臂肌肉沒有緊張感，同時學生也可以掌握將手臂式放松的要領。

(2)重手臂式的放松

當要求聲音有力結實，速度也不快時，首先是手臂放松，讓手臂整個放松下來。要找這樣的感覺，可讓學生把手臂自然地放在大腿上，不要突起，淡化前臂肌肉感覺，將手握成半圓形，手指有牢靠感，指端稍有把住腿的感覺，會感到整個手有一種堅實的內聚力。其次是腕關節放松。可做一些連音和跳音的對比練習，使學生感受腕部力量，切忌在腕關節上盲目用力，以免音色變得難聽。最后是指尖和掌關節。要高抬指練習，但動作不要過分，指尖觸鍵力量要集中，但不強求力度。

2.教學策略

(1)“以心聆聽”消除學生的緊張狀態

“以心靈聽”音樂是消除學生緊張狀態的關鍵。

法國鋼琴家齊格勒總結成功的鋼琴演奏時說:“許多富于才能的人所學習的鋼琴奏法秘訣，絕對不是只靠手指的練習;而是借著‘以心聆聽’自己彈出的聲音，具備符合調節演奏效果的能力。”她的教學理念是靠聽覺:“唯有用耳朵去調整，動作才能達到完美的境界。”

齊格勒的主張非常正確。動作的放松，首先在于心態、神情，強調肢體，但不能忘記了聲音、音樂本身。若全然放棄依靠耳朵“以心聆聽”去調整肢體，便很難奏效。

(2)慢練

初步體會放松。快速彈奏只會使學生失去應有的感覺，而只有“慢”才奏效。在慢練中，能品味、感覺要領，體悟其妙處，學生可以揣摩手臂、手腕、手掌的動作，使每一關節直至指尖，展現最佳功能。同時，慢練可加強手指觸鍵的穩定性。

(3)注意樂句呼吸的運用

良好的樂句呼吸有利于演奏者全身肌肉的放松和兩臂下沉觸鍵。演奏快速樂段，往往會使呼吸節奏不規律，導致演奏者手指受牽制，出現彈錯音、節奏不穩的現象。

我在教學中有意識地找出樂曲的適當氣口，可以兩小節或四小節呼吸一次，以保持均勻、從容而有節奏地呼吸和樂曲節奏的穩定、準確、聲音平均。

二、音樂感

音樂感是人對藝術的美感體驗。彈出的曲子如果沒有音樂感，就意味著演奏沒有靈魂。鋼琴演奏雖不能像唱歌那樣，直接通過自然聲音抒情達意，但是，可以通過手指觸鍵的力度和節奏，借助鋼琴奏出的旋律來表現人的思想感情。

每個人的音樂感不一樣，有的學生天生音樂感就好，彈奏的樂曲很耐聽，各種音樂情緒表現得也很自然。有的學生音樂感較差，彈出的東西就像一杯白開水，清淡無味。

音樂感可以通過后天培養。首先，要有一個良好的音樂環境，多聽一些錄音帶、激光唱片和鋼琴音樂會或交響樂，置身于音樂中感受。其次，要多表演，展示自己，取長補短，勤能補拙。

音樂分為標題音樂和非標題音樂。前者具有明確具體的曲名，說明該曲所表達的主要內容、情緒或意境;后者只說明了樂曲的形式、類別。

1.標題音樂

標題音樂提供了想象和理解音樂的具體范圍。像《湯普森現代鋼琴教程》、《布格繆勒鋼琴進階二十五曲》中多有明確具體的標題，在彈奏中能使人產生生動的音樂聯想。

布格繆勒的鋼琴作品一百號有很多有趣的例子，如第三首《牧歌》，右手平穩優美連綿起伏的旋律，像是柔和的牧笛在吹奏，配上左手輕輕的和弦伴奏，一幅美麗的田園景色展現面前。第九首《行獵》則是一幅狩獵圖。左手和弦的推行，好似幾只號角同時吹響，宣布打獵的開始，右手跳進重復音，使人如聞馬蹄聲，表現了獵手們奔馳追逐的情景。再如，格里格的《仙女的舞蹈》，音樂形象鮮明，猶如一幕芭蕾舞場景，穿著白色紗裙的仙女，敏捷輕盈地起舞，和弦的跳音，指尖非常精細，聲音非常集中，觸鍵輕巧，像是穿著芭蕾舞鞋，用腳尖跳舞一樣……只要有了明確具體的想象，找到恰當的觸鍵感覺與聲音，就能準確地表現樂曲內蘊的思想感情。

2.非標題音樂

非標題音樂純粹是對音樂的感受與表達，較難理解。首先依賴于對音樂語言的感受。同時，也要從樂曲本身所標明的音樂表情、速度、力度標記，以及樂曲采用的織體、和聲、手法等方面理解。如鋼琴基礎教材中一些初級的《小奏鳴曲》、《回旋曲》、《變奏曲》等，音樂情緒并不復雜，只要掌握一般的規律，仔細查明各種表情、力度、速度記號，并把它們都做出來，就可以表達出樂曲的意境了。如《小奏鳴曲》，結構一般是“快—慢—塊”式的三格樂章。第一樂章是快板或小快板，主題往往比較歡快，有精神，也可能優美、流暢而明快。如有副題，與主題做些對比，就會柔和優美;第二樂章是慢板或行板，旋律優美歌唱的，或寧靜沉思帶敘述性的;第三樂章則是生動活潑的小快板或快板，具有舞蹈性特點。以上為多見情況。

(1)樂句與呼吸

音樂的進行先有樂句。樂句由長短高低不同的音組成。有的樂句，特別是連奏的樂句往往由連線來劃分。但有的樂句不全是連奏，有斷有連，或是跳音，這就得靠感覺。處理樂句，要注意句頭、句尾及高點。一般來說，句頭要清楚，句尾要收斂、軟柔。對句尾的處理能顯示音樂感。除非是漸強的樂句，或在譜上表明要強結束的樂句。句尾常以漸弱結束為宜，可使樂句委婉、動聽、不生硬、突兀。

樂句與樂句之間必須有呼吸。鋼琴不像管樂或弦樂要換氣或換弓，鋼琴的“呼吸”由手腕的提起和下落來體現。

(2)層次感和立體感

層次感和立體感，畫畫用色彩的明暗對比體現，而音樂則用旋律的起伏和節奏的快慢表現，就像水面上的小舟與影子、水面的關系那樣。聲音的好壞也如此，只彈一個音讓人很難辨對錯，只有在對比中才行，就像錄像機的均衡器，這個高點，那個低點把襯托的東西壓低，每次變化都會發出不同的聲音，這個均衡器猶如人的耳朵和雙手。比如，在彈奏貝多芬的《悲愴》第二樂章時，要在突出四指、五指的旋律音的基礎上，讓其他手指各司其職。如果光是旋律音，就體現不出鋼琴特有的層次感和立體感了。良好的音樂感能體現出完美的音樂表現力，放松則是音樂與技術相結合的關鍵。在鋼琴教學中如果把握好這兩點，用腦、用心、用耳、用感情，使理性和感性相配合，主觀愿望和客觀效果相結合，就能有好的音樂表現力并取得成功。

參考文獻:

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