時尚和藝術談場戀愛

時尚愛上了藝術

2006年圣誕節期間，路易威登全球360家專賣店的櫥窗同時亮起了一只金色的眼睛瞳孔。這只“瞳孔”是丹麥著名藝術家奧拉維爾·埃利亞松（Olafur Eliasson）專為路易威登設計的燈飾作品“眼看你”（Eye See You）。晚上，燈里打出接近陽光的金黃單色光，過于強烈的光亮讓周圍所有的景物呈現出黑白照片的觀感，走近去看它，你的眼睛也因為它而變得魔幻詭異。他的另一件作品“你看著我”（You See Me）也在紐約第五大道的路易威登專賣店同步開始永久性展出。2005年10月，巴黎香榭麗舍大街路易威登旗艦店重新開張，埃利亞松為其創作了作品“無知無覺”（Votre Perte des Sens）。

埃利亞松僅僅是路易威登熱心贊助的藝術家之一，在香榭麗舍旗艦店的7樓，更是一家美術館，開業以來已舉辦若干次主題藝術展，展出了多位藝術家的作品。它樓下的6層店面，也裝飾得像畫廊，工作人員小心翼翼地站在不遠的角落里，掛著警衛的表情，似乎在無聲地提醒顧客：你看到的可是有文化價值的東西。

時尚和藝術，原本是社交圈里暗自較勁的兩個名人，若是在雞尾酒宴會上不期而遇，誰也不會屈尊上前跟對方打招呼，只當對方是透明。在英格麗·斯西（Ingrid Sischy）看來，沒什么奇怪的，“在談論視覺語言的時候，大家從來都會把時尚自動摘出去。老話說了：時尚是藝術的敵人”。斯西曾把三宅一生的頭像放在她任主編的《Artforum》雜志封面上，藝術家們出離憤怒，斯西回憶說，大家簡直都瘋了。藝術和時尚彼此心存傲慢與偏見，在設計師眼里藝術家過于放蕩不羈，而藝術家則不屑一顧設計師們的精致、矯揉。偶爾，對立關系會有緩和，比如伊夫·圣·洛朗從畫家蒙德里安的作品中汲取靈感，推出了震驚世界的“蒙德里安”系列。但這樣的成功例子屈指可數。

英格麗·斯西曾任《訪問》、《名利場》主編，一心想把時尚和藝術撮合在一起。1996年，她和古根海姆博物館當代藝術館資深策展師杰曼諾·西朗特（Germano Celant）、盧吉·塞特姆布里尼（Luigi Settembrini）聯手策劃了佛羅倫薩雙年展。在主展廳中央，時裝作品和藝術作品并肩而立，繆西亞·普拉達挨著英國“壞小子”藝術家達米恩·赫斯特，阿齊丁·阿萊亞身邊的是導演、畫家朱利安·蕭貝爾，吉阿尼·范思哲緊鄰波普藝術大師羅伊·利希滕施泰因（Roy Lichtenstein）。這個展覽將藝術和時尚聯合在一起，似乎宣告說設計師和藝術家是平等的，具有里程碑式的意義。實際情況是，展覽中的一些搭配是設計師和藝術家私下里協商好的，有一些配對則互相掐得不亦樂乎，還有一些伴侶在展覽完后就不認識了對方，各走各的陽關道。有評論家說，這個展覽真是自命不凡，自說自話，愚蠢到頂了。相比之下，時尚業更重視這種聯手合作，歡呼時尚與藝術跨界合作的新時代就要來了。模仿美術館來布置店堂，就是時尚界向藝術圈表達崇敬的最高方式。

于是，思泰拉·麥卡特尼鉆進老爸家的地下室翻箱倒柜，找出著名水彩畫家蓋瑞·休謨（Gary Hume）的作品，請他設計了一批限量版T恤衫。維維安·韋斯特伍德直接把馬蒂斯的名作印在了自己的服裝上。路易威登的舉動特別引人注目。早在2001年，路易威登的設計總監馬克·雅各布斯就委托英國插圖畫家朱莉·弗爾霍文（Julie Verhoeven）設計2002春夏手袋系列，稱贊她的設計天馬行空，非常奇異。接著又找到日本藝術家村上隆，推出了櫻花系列手袋，獲得極大成功，成為時尚和藝術跨界合作的最成功范例。亞歷山大·麥克奎恩請來電影導演約翰·馬布里為其新裝秀制作影片。

雙贏的跨界合作

麥卡特尼曾經邀請水彩畫家大衛·拉姆弗萊（David Remfry）為其時裝畫廣告，她贊揚藝術家的觀點使得時尚產品更加人性化。很重要的一點她沒有說出來，時尚加入了藝術元素，流行的時間就超過了一兩個季節，有了收藏價值。時間一久，成為古董裝、古董包，在拍賣會上是能拍出好價錢的。

進入21世紀，藝術圈集體放低了身段，似乎拋棄了成見，渴望與時尚業對話、交叉，希望擰成一股繩共同受益。美術館熱情洋溢地獻出店堂，展覽時尚設計作品。藝術家們紛紛在各大品牌提供的新畫布——皮草、棉布、絲綢上實現藝術理想。

藝術家越界時尚設計，切實改變了現實處境。裝置藝術家杰西卡·奧登（Jessica Ogden）說:“靠藝術作品我真沒法活下去，所以我就得不斷地把我的藝術感覺注入到時尚業中去。”話音剛落，她就開始了和法國大品牌APC的合作。畢業于圣馬丁藝術學院的插圖畫家唐雅·凌（Tanya Ling）也有一個時裝系列，和她的繪畫作品一樣出名，她丈夫稱之“具有美術館的雅致風尚”。弗爾霍文和路易威登的合作讓她在時尚界一炮成功，意大利時裝品牌Gibo立刻請她設計2003春夏成衣系列。雖然她總說畫畫是主要興趣，但還為約翰·加利阿諾和馬丁·斯特伯恩工作過。

弗爾霍文認為，時尚應該經過藝術砂紙的打磨，設計師、藝術家，都是創作者，跨界對他們是個好事，能為創作發現新的視點。同時，“這樣兩個領域里的人都不能舒舒服服地睡大覺、不求上進，也不能再自以為是”。

藝術圈和時尚界溝通和爭論的中心問題是：藝術家該做什么，設計師又該做什么？各自如何看待自己的創作？二者之間有沒有相似之處？差別又在哪里？

“從此以后，我不再問自己‘藝術是什么’這樣的問題了”，紐約現代美術館建筑和設計館館長說。他的館內僅有一件展品是衣服，西班牙設計大師馬瑞阿諾·佛坦尼（Mariano Fortuny）的作品。他認為答案很簡單，有些事情時尚能做得到，藝術卻做不到。“藝術和時尚最大的區別是功能”，策展人克萊爾·韋爾考克斯一針見血地指出。她曾于2003年在倫敦維多利亞和阿爾伯特美術館擔任吉阿尼·范思哲設計回顧展的主管。“設計是項手工藝，功能是針對人體的，它和藝術的目的不同。”她強調，時尚必須具有實用性，否則就是廢物。

弗爾霍文也說，藝術和設計雖然是對立面卻關系親密。“藝術創作完全是自我放任的行為，你不用考慮別人的想法。但時尚設計完全不同，由著性子來就太可怕了。如果把藝術那一套不由分說放在時裝上，服裝業就要抓狂了。”

不可能平等的關系

2003年，比利時設計師拉芙·西蒙（Raf Simons）在佛羅倫薩舉辦了一個攝影展，名字干脆叫做《熱情歡呼吧：時尚引誘了藝術》。

從這里，可以看出，在時尚和藝術的關系中，時尚占上風。時尚圈更自戀，除了自己誰都不愛。1998年阿瑪尼曾說他的作品“完全能夠和20世紀最有影響的藝術作品并肩”。時尚集團都是大財團，對藝術更多的是出錢贊助。可可·夏奈爾曾贊助多位藝術家，阿瑪尼這種在時尚界呼風喚雨的大佬是藝術品的主要收藏者，范思哲大量收藏了安迪·沃霍爾和利希滕施泰因的作品。Hugo Boss集團于1996年以自己的品牌冠名設立一個藝術獎項，向德國古根海姆博物館提供贊助，每年獎勵一位成就卓越的當代藝術家，獎金5萬美元。錢不多，但Hugo Boss獎是重要的當代藝術獎項，獲獎藝術家從此在藝術品交易市場上有了影響力。

湯姆·福德接受《i－D》雜志采訪時，慷慨贊美歐普藝術家阿爾斯沃茨·凱利（Ellsworth Kelly）:“創作出它們太難了，我不知道我有沒有精力做這樣的事。”故作謙虛的口氣中掩飾不住優越感。多娜·卡倫也從蒙德里安的繪畫中汲取靈感，有一次在巴黎，勉強被她的最新一任丈夫拉去參觀畢加索美術館。在美術館里，卡倫走馬觀花地在每間屋子穿行。一會兒，她丈夫聽到妻子從另一間展廳里傳來的驚呼，跑過去看見卡倫正對著一面赤裸的綠色墻壁大呼小叫，說，多么美麗的顏色，可以用在下一季的女式內衣。如果你問她，時尚是藝術嗎？她一定會用英超球隊利物浦俱樂部前主教練的話回答:“有人說足球事關生死，我說足球比生死還重要。”她這種自命不凡的態度代表了相當一部分時尚業人士的看法。一些藝術家們不甘示弱地反唇相譏：就算時尚整體地藝術化，設計師全部藝術家化，它也不是藝術。