玩點花樣，找點樂

如何平衡創作自由和商業表現，似乎是時裝設計師面前一道永恒的難題。但年輕一代已經不想再囿于陳規，從花樣百出的秀場不難看出，他們正憑借一己之力，讓品牌和自身的未來先聲奪人。

從米蘭到巴黎，再到上海，2025春夏時裝系列的發布日程可以用“奇觀閃現”來形容。靜奢的氛圍被一個個看似細微卻令人驚喜的設計所打破：Miuccia Prada與Raf Simons把60年代的科幻奇遇投射在異型的帽飾、太陽眼鏡和破碎鏡面般的連衣裙上；在BottegaVeneta秀場，Matthieu Blazy讓看秀嘉賓們齊齊落座于動物造型的懶人沙發上LouisVuitton干脆用無數傳奇硬箱堆疊起了一座可升降的伸展臺，供模特在眾人面前閑庭信步。

如果說享譽國際的知名品牌想在秀場上玩點花樣尚在情理之中，那么一眾年輕設計師品牌在秀場上的盡情撒歡兒便著實出乎大多數人的意料。Hodakova的創始人兼創意總監，來自瑞典的Ellen Hodakova Larsson將解構和非傳統材質結合得天衣無縫，她這樣形容自己的創作方法：‘讓通常作為邊角料的物件成為現在時裝創作中充滿吸引力的主角。”廢棄的墨鏡鏡片變成了模特身上的鎧甲，一分為二的皮質長筒靴重新拼合為抹胸上衣，而更為引人注目的，是Hodakova秀場上兩套基于油畫作品改造成的連衣裙，模特像是從畫作中跳脫出來的超現實人物，披掛著畫框，搖搖晃晃地走過略顯狹窄的秀道，前排的嘉賓們也得以與裙擺，即畫框的邊緣，來一次親密接觸。

無獨有偶，時尚新秀Duran Lantink的2025春夏系列也令在場嘉賓的目光閃爍出久違的光芒。他對廓形的玩味讓人聯想起川久保玲在上世紀90年代的標志性作品，于緊身輪廓中加入襯墊，改變身體輪廓的同時塑造出點到為止的荒誕色彩，在純凈素雅的秀場展現出了非凡的戲劇張力。巧合的是，Larsson與Lantink這兩位在本季巴黎時裝周上一舉打破時尚界的靜奢沉寂的青年設計師，同時獲得了最新一屆LVMH Prize評審團的青睞。Larsson拿下了年度青年時裝設計師大獎，Lantink則榮獲Karl Lagerfeld特別獎。在VOGUERunway總監Nicole Phelps看來，他們能夠突出重圍的原因，或許正是“在超現實主義方面的天賦”和“年輕品牌的獨特創造力。”

當我們橫向審視LVMH Prize歷年來的獲勝者，更能夠發現Larsson與Lantink的創新力之于當下的重要性。相比上一屆得獎者、擁有完善供應鏈與成熟商業體系的Setchu而言，Hodakova與Duran Lantink的作品足夠離經叛道，但某種程度上來說并不能滿足LVMH對品牌商業潛力和規模化發展的期待，之所以他們成為了最終贏家，或許正說明了無論從經濟基礎還是上層建筑的角度看，整個時尚行業都迫切地需要新鮮血液，以此攪動固有的格局，重新將創意視為衡量作品價值的首要因素。

這并不是行業體系內一廂情愿的“造星”運動，回看過去一年來靜奢之風在街頭的繁榮盛行，與其相距不遠的明星紅毯則呈現出更為張揚肆意的造型趨勢，當那些秀場中的概念性設計被明星藝人穿上紅毯，大眾壓抑已久的對時尚的熱情也瞬間找到了釋放的出口。在不久前于深圳舉辦的VOGUE Forces of Fashion時尚之力盛典上，米卡身披“一卷布料”的造型引爆了社交媒體的討論熱度，這件極具行為藝術感的設計來自Eden Tan的圣馬丁畢業作品，而這一創作理念也讓他在同屆134位畢業生中一舉奪魁，為他奠定了之后走向更大舞臺的可能。

毫無疑問，上述這些初出茅廬的設計師及其個人品牌，肩負了在當下時尚行業輸出創意新動能的重任。而我們也不禁會問，為什么這些剛剛起步，在資源和財力上不慎明朗的個體會有如此大的勇氣和魄力？這多少折射了當下行業內的尷尬與無奈，體量龐大的品牌和時裝屋或許難以承擔顛覆性的創意所帶來的巨大的試錯風險，可能稍有不慎就會偏離既定的發展軌道，這對于集團化運作的商業巨擘來說充滿了太多不確定性，因而選擇了更為保守謹慎的做法。但對于初出茅廬的設計師而言，沒有盈虧包袱的輕裝上陣反倒成為了他們的優勢。想象—下四十年前Johri Galliano的“LesIncroyables”畢業秀和Alexander MCQueen1992年以開膛手杰克為靈感的系列，彼時是螺螄殼里做成的道場，如今卻早已是時裝愛好者心目中毋庸置疑的神作。所以，年輕設計師們的“青澀”和“魯莽”，從另一個角度來看并非缺點，反而能夠幫助他們抓住機會去表現“我是誰”，讓更多人看見。

本季再次登上倫敦時裝周的中國設計師品牌Buerlangrna就是一個非常典型的例子。從2021年創立品牌開始，設計師袁奇奇的目標就是“做自己，做獨一無二的自己”，他絲毫沒有設計師人設的桎梏，在創作之外拍段子視頻，在網上打PK，去主持直播間，做游戲主播……這都是他不同側面的投射，而其品牌帶給人的直觀感受也是無拘無束地“發瘋”，那些毫無節制和邊際的大廓形禮服讓人應接不暇，“我覺得大廓形就是要做出能讓人一眼看到，感到“哇塞”的效果。”袁奇奇坦言，那些在視覺上突破地心引力和線條法則的設計，都是自己非常感性和直接的情緒反映，“最開始做這些設計，只是想要看起來驚艷。我覺得這些浮夸的東西其實是很酷的，即便大家覺得沒有內涵，但對我來說也是一種幸福。”

袁奇奇不懼怕外界的聲音，因為他并不把自己視作所謂的“圈內人”。非科班出身的他將自己形容為“沙漠中盲目的蜥蜴”，“很多系統性的制衣技術以及知識，是在我不間斷的‘不服氣’當中吸收來的。我相信我有天賦，我愿意學，我年輕有熱情有大把的時間，我相信沒什么是我自己做不成的。”就在這樣邊學邊做的過程中，從第一個系列發展至今，屬于Buerlangrna的世界逐漸在秀場成形。而最新的2025春夏系列，他結合了滿族的傳統服飾元素，有特色的面具，也包含帶有民族特色的提花和折紙藝術的概念。他說，這些帶有中國特色的符號，其實是他越成長越萌生的一份對于家的情結。“我不知不覺地想把傳統文化融入進來，這不是我故意的，是非常自然的”，甚至很多時候與傳統文化相關的習慣，已經在他的生活中扮演了重要的角色，“我每天早上都要喝一壺竹葉青，我家里的花瓶逐漸從巴洛克變成了晚清風格，這都是文化潛移默化地在影響著我的審美。很多人覺得我們很西化，其實不然，我想我們會越來越東方的。”

當然，如今的Buerlangma既是袁奇奇心目中坦率直白的“驚艷”設計，也在他的不斷沉淀和歷練中縫合進了更多內涵和他想說的話，融入了關于自我身份與中式意象的回歸，蘊含著更多值得挖掘和品味的細節。比如2025春夏系列中各種螺絲釘造型的運用，引自劍橋校園數學橋的典故，傳遞出再也無法重返時尚黃金時代的感性表達。也許這就是戲劇化的秀場與設計所自帶的一種敘事潛力，越是豐富、縝密的環節和要素設計，就越能層層深入地為設計師的想法與觀點“伏線”，為大眾的闡釋和理解留下充足的空間。去年早些時候由Galliano打造的MaisonMargiela Artisanal大秀即是如此，而來自紐約的男裝品牌KidSuper在表達上也有異曲同工之處。

顧名思義，“KidSuper”在風格上保留著一種純真，“我們最初的想法是將原始的、年輕的能量轉化為真實的創作。”歷數過季的秀場，從定格動畫，到在現場表演的戲劇短劇，KidSuper的呈現方式完全不受T臺的局限，“對我來說，時裝秀就像一個游樂場。這是你真正講述自己的故事，并在更深層次上與人們建立聯系的地方。雖然造價不菲，但一場精彩演出所能帶來的影響力是值得的，我們要創造的是一個讓人永生難忘的時刻。”

在2025春夏男裝發布會上，KidSuper創始人兼創意總監Colm Dillane就一如既往地以離經叛道的秀場設計承載他內心表達的沖動。Dillane邀請太陽馬戲團參與現場表演，并將模特裝飾成一個個提線木偶，在一種看得見卻摸不到的力量的控制之下在舞臺上行進，“這是一種突破界限的方式，讓這場秀感覺更像是一場表演，而不僅僅是一場走秀。誰真正在幕后操縱？”Dillane將問題拋給了在座的賓客，也自然引發了人們對于當下時尚行業發展本質的思考：我們究竟追逐的是什么，又是誰控制了我們的思考力和判斷力？相信每個人都會給出自己不同的答案。

在運營KidSuper的同時，Colm Dillane還身兼藝術家、音樂人等多重角色，還在2023年受邀成為Louis Vuitton男裝系列的客座創意總監。提到當時的合作，Dillane坦言自己的最大的收獲，來自于走進那座高速運轉的龐大機器時所感受到的創造力與商業的平衡，“我明白了保持創意的靈活性，以及與他人密切合作對于產出高品質創意來說是非常重要的。”

誠然，旺盛的創造力是成就品牌的一個方面，而如何與商業環境共存也是擺在每個獨立設計師面前必須要面對的問題，特別是近期Phillip Lim的離場，以及Phoebe Philo個人品牌后繼乏力的現實，都讓設計師如何“守住品牌”這個問題越發突出。對于已經創立了近十年的KidSuper，Dillane并沒有急于將品牌的規模做大，基于對長遠發展大局的考量，他將KidSuper保持在一個小而美的體量，以便充分表達他的創意本心，把商業體系中嚴苛殘酷的負面影響壓到最低。對于年輕一代的設計師，他給出的最重要的建議是“忠于自己特立獨行之處，同時加強自己的協作和適應能力”。即便目睹了過去十年間時尚行業的戲劇性變化，他依然認為“創意就是一切，它才是讓一個品牌脫穎而出的關鍵”，“在KidSuper，我們只不過是努力確保把創意推向最前沿，保持自己的真實性，當然，也要對整體大局有清醒的認知。”

而這也與袁奇奇對Buerlangma的期待不謀而合。實際上，早在品牌創立的第二季開始，他就決定放棄成衣系列的開發，他不想將秀場中的極致之作簡化為某種商業世界中通行的爆款單品，轉而選擇了另一個新興賽道一一為藝人演唱會造型提供定制服務，“出于品牌良性運作的考慮，從2023年開始我們接到了大量的藝人定制邀約，目前這條道路走得很穩定、很踏實，也讓我對品牌的發展更加安心。我想，這條路會一直走下去。”袁奇奇也不排斥未來更多其他的可能性，他沒有對品牌的未來做太多明確的規劃，“目前品牌的發展也沒有太大的體量，所以不存在牽一發而動全身的情況，還是有試錯空間的，如果早就限定了具體路線，反而會斷送很多契機。”

在敢于嘗試新方向的話題上，當下依然走在創新第一線的設計師周翔宇顯然更有發言權。無論是早年間走上倫敦時裝周的T臺，將科幻概念與超現實設定書寫在服裝的表達中，還是近幾季提出的Xander Zhou Pro和“科技高定”的概念，其背后動機都是希望能夠在現有的男裝市場尋找到新的思維方式。比如新一季的發布活動，周翔宇就沒有選擇傳統的秀場形式，而是在上海Systern舉辦了一場特別的狂歡，以科幻短片放映和充滿電影氛圍感的派對構建起新系列主題“異時志異”的氛圍，“這種形式可以讓我在活動現場與朋友來賓最近距離地接觸，以及一起感受現場的氛圍。基于新系列設計的特殊性，我們提前拍攝了這個系列的型錄，包括一部科幻短片。我們覺得從內容上，這樣的呈現方式可以最大程度表現這個系列的不同維度。我們為什么要被那么多固定形式所束縛，或者非要按照一種傳統的時尚模式去工作？”

在周翔宇看來，目前品牌所完成的XanderZhou Pro系列，是最適合于多元表達，完全獨立于成衣且能夠為成衣系列提供靈感的創作。“我之所以做Pro這個系列，就是希望它可以在商業上不用受限，可以完全表達我們每一季的創作思考。所以，在這個系列里，我不想思考商業與創意的平衡。”而站在商業模式的角度考量，周翔宇更愿意將自己的品牌定義為一個“創意設計公司”，“除了售賣Xander Zhou的成衣系列，接定制工作案，以及品牌跨界合作之外，我們也會為很多品牌提供品牌規劃以及產品設計等服務。”他的工作本質上更趨于創意總監的角色，“很多人覺得我們的設計天馬行空，或者只擅長創作，但是事實說明，我們以往為商業品牌打造的設計產品在銷售上有過非常多成功的商業案例。這類型的合作也讓我們有更多的自由去做我們想做的創作。”

“我覺得設計是一件非常個人化的事情，至少現階段的我是這么想的。如果一個設計的出發點要考慮那么多商業因素，它一定會失去可以吸引人的閃光點，變成一個‘討好型’的設計品。”本質上而言，周翔宇接受以商業導向促成的合作，但內心依舊保有一份對創意純粹的熱愛，他找到了二者之間的區隔和界限，在不同狀態中跳轉，也越發珍視創意的純粹表達，當下它可能是以Pro的形式，但也僅僅是作為一個開始。“現在的環境，包括身邊的人都用‘求穩’來勸說創意人，或者以‘穩’作為一種市場成功的標準。但是，當你可以有機會突破的時候，為什么不試試呢？想想最開始吸引我們做時裝設計的動機是什么吧。”