淺談歐洲19世紀聲樂發展與教育研究

寧亞鵬

［摘?要］19世紀歐洲聲樂領域的蓬勃發展促使多元化聲樂學派形成，這些學派在意大利、法國、德國和比利時等地域內獨具特色，反映了不同文化對聲樂藝術的理解和追求，其共同目標為培養全面的音樂家，使學生不僅具備卓越的聲樂技巧，還深諳音樂理論，同時具備出色表達能力，其全面性的培養理念成為當時聲樂教育的一大特點，對今后聲樂發展與教育領域產生深遠影響。

［關鍵詞］歐洲；19世紀；聲樂發展；聲樂教育

［中圖分類號］J616

［文獻標識碼］A

［文章編號］1007-2233（2024）06-0099-03

19世紀是聲樂教育領域發展的重要時期，在此階段，聲樂教學方法經歷了顯著的演變和發展。傳統的聲樂教育強調發聲方法以及歌劇演唱技巧的培養，而隨著時間的推移，部分聲樂教師開始關注情感表達、音樂性和藝術性等綜合方面，更側重于音樂舞臺的訓練，如角色表演、情感傳達和舞臺表現等。

一、19世紀歐洲聲樂基本概況

（一）發展背景

19世紀初期，工業革命催生了城市化浪潮，音樂場館和演出機會的增加為聲樂家提供了更多的舞臺，且隨著社會結構的變動，中產階級的崛起，更多人有機會接受音樂教育和參與音樂活動，促進了聲樂的發展。同時，19世紀是浪漫主義時期，音樂成為表達情感和個性的重要手段，致使聲樂在歌劇、宗教音樂和藝術歌曲中得到廣泛應用，加之民族主義運動的興起，促使作曲家和聲樂家更加關注本國音樂傳統，并將其反映在聲樂作品中。此外，隨著音樂學院的興起，聲樂教育體系逐漸形成，可為學生提供系統化的培訓，促使聲樂技術不斷改進，包括發聲技巧、呼吸控制等方面，實現了19世紀聲樂教育的進步。

（二）時代特點

19世紀初期，意大利歌劇成為歐洲音樂舞臺的主導力量，朱塞佩·威爾第（Giuseppe?Verdi）等作曲家的作品深刻影響了聲樂領域，而隨著法國歌劇的興起，大禮堂演唱會成為重要的演出形式，為聲樂家提供了更大的展示平臺。除此以外，19世紀歐洲涌現眾多各具特色的聲樂大師，如吉爾伯特·路易斯（Gilbert?Lewis）、珍妮·琳德（Jenny?Lind）等，其表演和教學對聲樂的發展產生了深遠影響，創作出了豐富多彩的聲樂作品，包括歌劇、宗教音樂和藝術歌曲等，充分反映出當時社會和文化的多樣性。與此同時，聲樂教育在19世紀更加強調技術與藝術的平衡，即傳授正確的發聲技巧與傳達歌曲情感和表達藝術性同樣重要，在此階段聲樂學院和演出機會逐漸增多，也為學生提供更多展示和實踐機會，有助于培養其藝術修養和舞臺表現等綜合聲樂能力。

（三）樂派革新

19世紀是聲樂藝術發展的關鍵時期，期間出現了多種新興樂派和風格。首先是貝爾卡派，貝爾卡派強調旋律的美妙性、優雅的裝飾性以及完美的技巧展示，并更加注重發聲技巧，如平穩的呼吸、精確的音準和靈活的嗓音，其代表人物有瑪利亞·馬里布蘭（Maria?Malibran）等。其次是德意志派，強調情感深度、內在表達和文學解讀，傾向于更為深沉、哀愁和復雜的情感表達，理查德·瓦格納（Richard?wagner）是該樂派的主要代表人物，其作品《尼伯龍根的指環》充分體現這一風格。還有法國派，注重歌曲的優雅、細膩和清晰的發音，融合了法國的藝術歌曲傳統和歌劇演唱技巧，代表人物JeanBaptiste?Weckerlin在法國派中具有重要地位。而俄羅斯派強調聲樂的力量、熱情和震撼力，其表演風格具有獨特的東方韻味和民族特色，斯坦尼斯拉夫斯基（Stanislavski）是該派別的代表人物。最后是意大利詠史派，更加注重現實主義和生活的真實性，此派別的作品反映了社會問題和人物情感的深度，皮特羅·馬斯卡尼（Mascagni?Pietro）是該樂派的主要代表。

二、19世紀歐洲聲樂教育的主流學派及其特點

19世紀歐洲聲樂教育的多元化反映了當時對聲樂藝術的不同理解和追求，且在不同學派中，聲樂教育更加注重培養學生聲樂技巧、表達能力和音樂理論知識，盡管每個學派都有其獨特的教學方法和理念，但共同目標都是培養出具有優美聲音和出色表演技巧的歌唱家。首先，主流學派包括意大利學派，其特點為強調自然發聲、清晰的發聲和表達情感，意大利學派的聲樂教育注重發聲技巧，強調咽喉的自然狀態，充分重視聲音美感。其次，法國學派側重于發聲的輕盈、靈活性和流暢性，注重歌唱表達力，此學派教育強調發聲要輕松，注重發聲靈活性，追求聲音的純凈。另外，還有德國學派，聲樂教育主要以技術和樂理為基礎，注重聲樂與音樂的理論知識，其也強調音樂理論，注重聲音的控制和技術層面的訓練。最后，比利時學派以對聲音的精準掌握和藝術表達為目標，也充分注重聲音技術細節，強調對聲音精準掌握，追求高水平的藝術表達。

三、歌劇與藝術歌曲對19世紀歐洲聲樂發展的影響

（一）演唱風格的轉變

19世紀歐洲歌劇與藝術歌曲是聲樂藝術的兩個主要領域，其在演唱風格上的差異和相互影響對聲樂發展產生了深遠影響。一方面，歌劇演唱要求聲樂家在大型劇場中表演，要適應龐大的音樂和劇情，因此聲樂家需要發展更強大的音量和更廣泛的音域。同時歌劇強調戲劇性的表達，聲樂家需要通過聲音來傳遞角色的情感和心理狀態，促使聲樂家更加注重情感真實性和深度，掌握復雜的唱法技巧，包括高音、低音、顫音等，以此提高聲樂技術水平。另一方面，藝術歌曲通常在較小場景演出，要求聲樂家在更親密的環境中傳達情感，推動聲樂發展轉向更為細膩和抒情的演唱風格，且藝術歌曲常常側重于文學性，聲樂家需要通過對歌詞的理解和表達來傳達歌曲情感和意境，并有更多的空間展現個人聲音特色和表演風格，強調個性化表演。除此以外，歌劇中嵌入的藝術歌曲插曲也成為聲樂家展示個人技巧和表達情感的機會，使兩者在演唱風格上進行融合，演唱技巧相互滲透，促使聲樂家在不同領域提升自身技能水平。由此可見，19世紀歐洲歌劇與藝術歌曲的相互影響推動了聲樂演唱風格不斷演變，加之聲樂家在這兩個領域中產生豐富的舞臺經驗和技術水平，將共同為聲樂藝術的繁榮與發展作出巨大貢獻。

（二）演唱方法的突破

歌劇的演唱方法強調表演與音樂的完美結合，要求聲樂家通過聲音來傳遞角色的情感和劇情，推動聲樂家對戲劇性表達的深入探索和實踐，且在歌劇作品中，不同角色和劇情要求聲樂家使用多種唱法，如色彩豐富的音色、各種音程的技巧運用等。而藝術歌曲強調個人情感和內心表達，要求聲樂家通過歌詞和音樂來傳達更為細膩、真摯的情感，通常以文學作品為基礎，聲樂家需要深入理解歌詞內容，以更好地傳達歌曲的情感和意境。由于歌劇和藝術歌曲具有多樣性，聲樂家將不斷嘗試新的音樂表達方式，充分豐富當代聲樂的藝術語言。

（三）演唱體裁的發展

19世紀初，古典主義的聲樂風格仍然占主導地位，但隨著歌劇和藝術歌曲興起，音樂風格逐漸轉向浪漫主義，注重情感表達和個性化演唱，并提供了新的演唱體裁，如歌劇中的宣敘調、詠嘆調，以及藝術歌曲中的套曲、獨唱等，促進了聲樂訓練方法的革新，如呼吸控制、共鳴調整等技巧，使其得到更為系統和科學的培訓。與此同時，聲樂家在歌劇和藝術歌曲領域的實踐經驗相互影響，使聲樂技術和演唱方法得到廣泛和深入的發展，并在宮廷和市民中均進行廣泛傳播，充分反映當時社會文化的多樣性和變革，因此19世紀歐洲各國之間文化交流，特別是歌劇和藝術歌曲傳播，將充分促進聲樂演唱體裁的跨國交流和融合。

（四）演唱角色的定位

19世紀初聲樂表演中角色定位相對傳統，主要以合唱、宗教音樂和一些宮廷歌曲為主，缺乏戲劇性的表達，隨著歌劇的崛起，聲樂演唱中的角色定位發生了顯著變化，歌劇可通過戲劇性的故事情節，引入更加復雜和具體的角色，這要求聲樂家不僅需要具備出色的聲樂技巧，還需要表達角色的情感和性格，通過聲音傳遞角色的情感、矛盾和成長。與此同時，藝術歌曲的興起使聲樂演唱中的角色表達更加個性化，這類作品通常以文學作品為基礎，要求聲樂家通過音樂表達對文字情感的理解，鼓勵聲樂家在演繹時賦予角色更多個人色彩，使每次演唱都成為獨特的藝術創作。除此以外，不同類型歌劇和藝術歌曲的角色千差萬別，從英雄、悲劇角色到幽默、輕松的形象，呈現出了聲樂演唱中角色定位的多樣性，使聲樂家在演唱時有更多的自由度，且通過創意的演繹方式為角色賦予新的解讀，推動角色定位的發展和變革。由此可見，19世紀歐洲聲樂發展在一定程度上影響作品角色的塑造方式，開始強調個性和情感的表達，并隨著時間的推移，女性聲樂家開始扮演更加復雜和獨立的角色，突破傳統的女高音和女中音刻板形象，充分展現聲樂演唱中角色定位的性別平等觀念。

四、19世紀歐洲聲樂教育的具體模式

（一）模擬教學法

19世紀歐洲聲樂教育的模擬教學法是一種注重實踐和模擬演練的教學方法，旨在培養學生全面性與綜合性的聲樂技能和表演能力，這一教學法突破傳統教室訓練的局限，使學生更好地適應實際演出的要求，不僅注重聲音培養，更關注舞臺表現、情感表達和與伴奏的協同，通過模擬演出場景，學生能在更真實的環境中綜合運用各項聲樂技能，使學生在實踐中深化對聲樂原理的理解，提高其對音樂理論的應用能力，能更靈活地運用技巧，同時模擬教學法也注重個性化的指導，其可根據學生的特點和需求提供定制化培訓，充分挖掘學生潛力，培養個性化的藝術風格。在教學過程中，首先，應進行場景模擬，即教師和學生共同創建真實演出場景，包括舞臺布置、燈光效果等，使學生感受到真實演出的氛圍。例如，學生在模擬中扮演演唱者角色，感受演出時的情感表達和與觀眾的熱烈互動，都有助于培養學生在舞臺上自信而自然的表現力。其次，教師可通過觀察學生的表現，及時給予指導和建議，幫助其改進演唱技巧，這種及時性的反饋將幫助學生快速提升演唱能力，且在模擬演出過程中，學生還能認識到團隊協作的重要性。最后，學生在與伴奏、導演、舞臺工作人員等不同角色的合作過程中，也可培養其在群體中的協同能力。由此可見，模擬教學法不是停留在課堂內，而是提供實際演出機會，學生可參與學校或社區的演出活動，將技能真正應用于實踐中。模擬教學法使19世紀歐洲聲樂教育培養出眾多具備豐富演出經驗、技巧嫻熟且富有表現力的聲樂藝術家。

（二）教材教學法

教材教學法是一項重要的教學實踐，其致力于通過科學而系統的教材和教學方法，培養學生聲樂技能和音樂理論知識，并通過教材中的理論內容使學生能深入理解聲樂原理，同時教材編排采用逐步深入的方式，從基礎的發聲技巧和簡單的曲目開始，引導學生逐漸掌握更高級聲樂技能和復雜的音樂作品。首先，教學的初始階段注重基礎技能訓練，包括正確發聲、音域拓展、呼吸控制等，結合教材中的相關練習，有助于學生逐步建立堅實的聲樂基礎。其次，學生可通過教材學習各種不同風格和難度歌曲，使學生既理解作品的音樂結構，又培養其對不同音樂風格的感知能力。最后，教材設計系統的聲樂技巧訓練，涵蓋各種發聲技術、共鳴掌握、音準訓練，學生有計劃地練習即可逐漸提升聲樂水平，再融入音樂理論知識傳授，包括調式、和聲、音程等，使學生深入理解所學曲目的音樂內涵，并提升其對音樂的綜合理解能力。由此可見，19世紀歐洲聲樂教育更加注重選取和編排高質量的教材，不僅涵蓋聲樂技巧、音樂理論、歌曲解析等方面，還重點培養聲樂學生的綜合音樂素養。

（三）器官教學法

器官教學法是一種側重于聲樂器官解剖和功能訓練的教學方法，旨在通過深入理解聲帶、呼吸系統等器官運作，提高學生的聲樂技巧和表演能力。學生可通過系統的解剖學課程，深入了解聲帶、喉部、呼吸系統等與聲樂相關的器官結構和功能，并將生理學知識與實際的聲樂訓練相結合，了解聲帶振動、氣流控制等生理學原理，更好地理解聲音產生和調控過程，同時器官教學法強調呼吸系統在聲樂中的關鍵作用，學生可學習正確利用呼吸來支持聲音，提高音質和音量，培養穩定呼吸控制能力。一方面，聲樂教師在教學過程中，可使用聲樂器官模型，向學生展示器官結構，有助于學生直觀地理解聲音產生的生理過程，并要求學生進行聲樂器官的功能訓練，包括喉部柔韌性訓練、聲帶振動控制等，系統訓練將使其能逐漸掌握器官的精細操控技巧，并注重呼吸系統，包括深呼吸、吸氣控制、呼氣控制等，以提高呼吸系統的靈活性和穩定性。此外，學生可將生理學知識應用于聲樂訓練中，了解聲音的產生原理，從而有針對性地調整聲音的音質、音量和穩定性。另一方面，教師可實時觀察學生的聲樂表現，提供針對性的反饋和調整建議，及時糾正其不良的聲樂習慣，提高訓練效果，且針對每位學生的器官特點和聲樂能力提供個性化聲樂訓練計劃，解決個體差異帶來的負面影響。

結?語

綜上所述，歐洲19世紀聲樂的發展與教育研究呈現出豐富多彩的內容，各個學派的特點也構成當時聲樂藝術的獨特風貌，這一時期的聲樂教育對后來的聲樂發展產生了深遠的影響，為未來聲樂藝術進步與革新奠定了堅實的基礎。據此，本文以19世紀歐洲聲樂基本概況為出發點，闡述了19世紀歐洲聲樂教育的主流學派及其特點，以及歌劇與藝術歌曲對19世紀歐洲聲樂發展的影響，最后提出19世紀歐洲聲樂教育的具體模式，希望為今后我國聲樂教育的發展提供新思路。

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（責任編輯：王肖茜）