《萊謝蒂茨基鋼琴技巧基礎原則》中的音樂表演要點分析研究

陳雅馨

萊謝蒂茨基是最著名的鋼琴教育家之一，教導了包括安娜·葉西波娃、伊格納西·帕德雷夫斯基和阿圖爾·施納貝爾等一批鋼琴家，他的學生瑪麗·普倫特納根據自己十二年跟隨萊謝蒂茨基的學習經歷記錄了《萊謝蒂茨基鋼琴技巧基礎原則》，真實和完整地介紹了他在鋼琴教學上的一些理念，其中包括了一些基本原理以及訓練符合現代鋼琴演奏要求的技術的實用方法[1]。共分為兩部分，第一部分為技術要點，第二部分為音樂表演要點，第二部分一共包含六個章節，分別是：對于巴赫和亨德爾作品中技術和演奏的研究；節奏；踏板；旋律的處理及其規則；如何練琴以及音樂素養的加強。本文將對后三個章節一一進行分析。

一、旋律及其規則

在鋼琴上彈出“歌唱性”的旋律會比在其他樂器上更難一些，因為鋼琴的音持續時間比較短，而且不像其他的弦樂和管樂器可以在一個音上做漸強處理。所以想在鋼琴上塑造旋律就必須要從樂曲的框架著手，樂句、段落、章節的清晰構建以及音色觸鍵的處理都很重要，另外還要注意伴奏聲部的協調，需要配合主旋律的起伏。想要對旋律進行藝術的詮釋不僅需要技術熟練的手指，精準掌握不同的觸鍵方法，還需要良好的節奏感和踏板的準確使用。萊謝蒂茨基總結了幾點可以正確表達音樂旋律的規則：

（一）彈奏上行的旋律時需做漸強處理，最高音為最突出的重音，反之彈奏下行旋律時做漸弱處理。

（二）兩個音符中，音高更高的音需更強。

（三）兩個音符中，時值更長的音需更強。

（四）重音的處理一般取決于拍號，大多主要的重音通常在第一拍和第三拍，3拍子時重音在第一拍，六拍子時重音在第一和第四拍等等。

（五）當遇到有重復的音符或樂句，彈奏第二遍時不能使用和第一遍完全相同的觸鍵以及處理。在聲音的表達和層次的處理上應該要么逐漸遞進或者慢慢減弱，在很多情況下，速度以及力度的處理都可以有變化。這樣才會給重復的旋律注入活力以及新的色彩，避免聽眾覺得枯燥乏味。

當然，以上說的只是相對普遍的情況，在一部分作品中會有不同的情況。例如第2點中說的更高的音更強，但是當左手的低音是和弦的主音時，盡管它音高更低，但也需著重強調。還有些作曲家喜歡在弱拍的音符上加重音，比如貝多芬的奏鳴曲中就經常出現，所以具體的處理方式還需結合上下文具體分析。畢竟在學習和演奏作品時，遵從作曲家的意愿是最重要的準則之一。

二、如何練琴

這一章節是作者認為非常值得研究學習的一部分，練琴對于每一個鋼琴學習者以及演奏家都至關重要，貫穿了大家從接觸鋼琴的第一天直至最后一天，但大部分的鋼琴學生其實并不真正“會練琴”，只是一遍遍從頭到尾重復，效率并不高，包括作者本人也覺得至今并沒有很好的掌握練琴的方式方法，所以對于正確練琴方法的研究很有價值。

首先，一個人能夠獲取多少的知識并不光取決于花費時間的多少，而取決于真正有效的學習時間有多少，是否充分地利用了每一刻。單純機械重復的練習不僅會對身體造成傷害，疲憊不堪不說，不科學或者過度的練習甚至還會容易引發腱鞘炎，也會對學習者的心理造成傷害，一些有天賦的學生會因為取得的成果與付出的時間精力不匹配而形成落差感，從而放棄學習。毫無意義地進行重復百遍的練習，無休無止、毫無目的、不科學地演奏曲目和練習曲是不應該的，因為這只會導致身心、肌肉和智力的緊張感。所以，在練習時如何保持專注，以及學會用正確的方法來練習主要部分才是大家真正應該掌握的。

在練習過程中，為了防止注意力的放松，可以縮短練習時間并且分幾個時間段練習。首先要對近期的練習有一個大致的規劃，然后對練習時間進行明確的分配，規律性的練習一般能夠取得最好的成果。如果不是以成為演奏家為目標，一般一天合理地進行四個小時到五個小時的有效練習就可以達到非常良好的效果了。

練琴時，首先，第一部分當然是技術訓練，可以先從五指練習以及所有大小調音階開始，嘗試使用不同的力度以及速度，完成這些之后可以再做琶音、和弦、顫音、八度等練習。和弦是最好的訓練手指拉伸的練習之一，確實，和弦的彈奏需要手指以及關節的伸展，尤其像七和弦或者九和弦。書中有大量帶有保持音的分解和弦練習，萊謝蒂茨基建議需用強有力的觸鍵完成所有的練習，彈奏時需要借助手腕的力量，在每一下彈奏之后手指都應當貼回琴鍵，且在彈奏過程中手腕應放松并伴隨音樂起伏。手腕作為手與手臂之間的連接部位，只有做到放松、游刃有余，才能將手臂的力量毫無阻礙地傳遞到手指,也就是使用萊謝蒂茨基提倡的“重量演奏法”。練習時，應先從“p”開始，再慢慢加強到“mp””mf”“f”。且為了提高演奏和弦時每個音的均勻度，可以練習和弦的琶音，尤其要注意2、3、4指。在琶音的練習中有兩個難點很重要，一是如何做到“legato”，另一個是轉指。琶音中的轉指比音階中的轉指更難，因為距離和跨度更大。所以書中建議先練習轉指部分，把1、3指和1、4指的轉換從慢到快、從弱到強進行訓練。在連貫性的訓練上，書中建議可以把琶音“上行”和“下行”分開練習，每次練習三個八度。為使琶音更連貫，“準備”工作尤為重要。以C大調琶音為例，C、E、G三個音為一組，上行時，在彈完第一組的E時，大拇指就應做好準備從下方穿行，以便彈完G之后能第一時間找到第二組的C。下行同理，3指也應在每一組的E彈完之后提前為下一組的G做準備。對于技術部分的練習要按照適當的順序進行，循序漸進，一般每天一小時左右，合理的進行時間分配，完成所有的技術部分可能需要幾天或者一周，在完成所有之后再重新開始新一輪的練習，但是一定要注意堅持[2]。

在基本功訓練做完之后，可以把注意力放在練習曲上，每天也花費一小時左右。在訓練階段中，每一天都必須要做技術練習，堅持幾個月之后，嘗試在沒有做任何基本功練習準備的情況下，彈奏一些練習曲和樂曲中的技術難度片段，盡可能發揮之前所做的所有練習中的技術。這能夠訓練演奏者的自信心，鍛煉自己良好的發揮手上已經掌握的知識。在練習曲的訓練中書中建議可以選擇車爾尼和克列門蒂的作品，因為這些練習曲不僅為手指提供了很好的鍛煉機會，而且也為培養彈奏樂曲的音樂品味做了良好的準備。與樂曲的學習一樣，練習曲也必須用心分為樂句學習，指法尤其要仔細斟酌，指法并不是一成不變的，它的選擇取決于每個人手指手型的不同。書中有一點建議非常重要：“練習曲最好選擇最難的指法，而樂曲最好選擇最簡單的指法”，在練習曲中使用難的指法可以充分發揮練習曲的訓練價值，有效地鍛煉我們的手指，而在樂曲中使用簡單的指法可以更好地增加樂曲的連貫性和流暢性。

在練習樂曲時，應當首先分手練習，然后再雙手練習，配合著節拍器，先慢速練習，再一點點逐漸加快速度，直到達到規定的演奏速度。在慢速時聽起來很好的演奏不會因為逐漸過渡到快速而失去它的好音質，除非立即從慢變快，才會破壞它的表達，所以一定不能為了追求速度快而心急。為了在演奏中獲得高度的精確性和清晰度，學生應在掌握了手的正確位置和運動后，嘗試不看鍵盤練習難的樂段，不看鍵盤可以使學生更專注于“聽”的過程。作者曾有一個導師就要求所有的曲目在背熟之后需要嘗試閉眼演奏，一開始會很艱難，慢板的部分相對較容易，但彈到快板或者技術難度較大的段落時，就總想要睜眼找位置。經過一段時間的訓練之后，作者發現閉眼練習的幫助確實很大，不僅僅是可以更好的“聽”，也可以更好地提升對于鍵盤位置的掌握，更重要的是可以非常好地提升演奏時的專注力，可以更集中精力去思考音樂，這一點在演出時更加明顯。有時演出、比賽或者音樂會時，一方面會有不可避免的緊張情緒，另一方面是在演出時有時會碰到外界的干擾，例如一些噪音或者觀眾的走動，如果沒有足夠的專注難免會受到影響，但是閉眼演奏可以更好地屏蔽外界的干擾，使演奏者能夠全身心集中在演奏上，所以閉眼練習是一項很具有意義的練習方式。

在練習曲和樂曲的學習中都必須學會接受最尖銳的自我批評，只有當一次又一次地中斷演奏，重新思考所演奏的部分。才能夠在腦海中喚起已經演奏過的樂段，注意聽辨好的和不好的聲音，正如之前所說的關于踏板的使用方法。演奏者的這種內心傾聽過程是一項重要的進步，因為這不僅能極大地增強節奏感、踏板的使用和聲音的層次感，而且還能增強記憶力，使音符牢牢地記在腦中。此外，習慣性地全神貫注于手指的任務，可以在觀眾面前（無論是公開還是私下）保護大腦免受緊張的影響。

在練習方法上，還有一種很重要的練習方法是“精神練習”。很多鋼琴家都說過自己會進行沒有鋼琴的“無實物”練習，比如王羽佳就說過由于行程的密集，有時候沒有辦法隨時有鋼琴在身邊，這時就會拿出譜子看，在腦海里“練琴”。這種練習方法是有很多可借鑒之處的，不要只是一味的專注于琴鍵上的練習，可以多看看譜子，聽一聽不同的演奏版本，或是聽一聽自己演奏的錄音，多去思考。

最后，希望學生在拿到一首新曲子時，給自己制定一個學習計劃，從一開始的手型、指法的選擇、準確的節奏、踏板的使用、停頓及呼吸、內心傾聽和自我批評等方面進行一個完整的練習學習流程。

三、音樂素養的提升

在鋼琴的學習中，各方面音樂素養的提升也至關重要。本章節中強調了練耳、視奏以及室內樂配合的重要性。

（一）練耳

對于鋼琴學習者來說，耳朵的訓練不可或缺，盡管對于鋼琴的演奏并不需要絕對音感，但在可能的條件下還是要盡量地提高練耳能力。每天留出一點時間有方法有規律地做一些訓練。可以先從單音開始，然后學習音程，再到和弦和旋律的訓練。長此以往，對于和聲的進行，音符的準確率和節奏感都會大有幫助。

（二）視奏

其次，視奏的訓練也很重要，在第一遍學習曲子時，應該首先嘗試表達它的色彩與特點，配合踏板和節奏，從頭到尾不間斷地彈奏，就算中間會出錯也不要停下來，直到結尾。在識譜的過程中留意哪些是比較難又容易出錯的段落，在后續的學習過程中可以重點關注，然后再用快一些的速度再次嘗試視奏。在視奏的練習中，首先要注意曲目的選擇，可以選擇簡單一些的曲子，以便給眼睛和大腦思考反應的時間，不需要因為過多的和弦或者升降號而耽誤進度。其次，要盡可能地熟悉鍵盤，訓練自己不看鍵盤的能力。少看或不看鍵盤彈奏一方面可以大大節省找音的時間，尤其是對于技術難度較大、速度較快的段落，另一方面，當不用看鍵盤之后，也可以把更多的精力放在“聽”上，對于后續的背譜演奏會大有幫助。

（三）室內樂

一名好的鋼琴演奏者不僅要能夠“單打獨斗”，也要學會團隊協作。鋼琴在室內樂作品中占有重要地位，反之室內樂作品的學習也是鋼琴學習者想要提升自己的重要學習部分。一開始可以先接觸鋼琴的重奏，例如四手聯彈、六手聯彈和雙鋼琴作品，然后再學習和聲樂、不同器樂的二重奏，最后再嘗試三重奏、四重奏、五重奏等，甚至是與交響樂團的合作。通過與他人的配合，演奏者不僅能更好地鍛煉自己的節奏感，也能使耳朵對于踏板和和聲的使用更加的敏感。室內樂中包含了鋼琴藝術里很珍貴的一些瑰寶，與其他樂器一起演奏，不僅能夠提升自己的音樂文化素養，還能夠加強對于和聲、對位和曲式結構的理解，很有學習價值，是每一位鋼琴學習者都應該研究的一部分。

本文總結了《萊謝蒂茨基鋼琴技巧基礎原則》第二部分中的音樂表演要點，要想成為一名好的鋼琴演奏者，絕不能僅僅局限于技術的難度，只有真正的全面學習與深入了解作品與作曲家才能演奏出有靈魂的作品。細膩的觸鍵、平穩的節奏以及科學的踏板使用可以使我們的演奏進入到另一個高度；勤奮和有效的練習可以促進學習目標的達成；音樂素養的加持和對音樂的理解是獲得最終成功的關鍵點。

中國鋼琴教育無論從理論研究還是演奏與教學實踐,都有了一定程度的積累,應整合現有研究力量及成果,構建起中國鋼琴教育的學科體系。萊謝蒂茨基除了教學理念還有很多地方值得學習，作為一名教師，萊謝蒂茨基相信“扎實的職業道德是成功的主要標志之一”，他對于學生來說不僅僅是一名教師，更像一名導師、治療師、父親、贊助人和總看護人。”他的主要目標是讓他的學生成長為全面發展的藝術家。“萊謝蒂茨基教學法”本質上是鋼琴教學和生活的整體方法，而不是單純的技術入門。他這種注重學生個性培養的所謂“無方法”教學體系非常值得借鑒[3]。