時尚圈局內人

YVETTE LEE 蔡雨彤

BFRND以音符構建故事

時尚由面孔組成，被故事包裝，秀場是講述的最佳場域：閃光燈照耀、攝像機密布，名流們聚集一堂，只為一睹最前沿的創意。模特們沒有臺詞，配樂成為了烘托氛圍、傳達情感的關鍵，同時串聯起每一套造型，將在場的人拉進時裝秀構筑的情境中——這是BFRND的“拿手好戲”。在Balenciaga 2024春季系列中，由他二次創作的Sous le Ciel de Paris（改編自?dith Piaf的同名單曲）幾乎叩響了屏幕前所有觀者的心。從柔和的鋼琴曲到有節奏感的電子樂，他描述了每個人的“一天”，“ 我想讓大家感到身臨其境的快樂。”他說。

這是BFRND作為創作者的敏銳，也是天賦所在。不同于大多數先出專輯、創立廠牌，而后與品牌展開合作的音樂人，他的職業生涯始于秀場。身處于這個標榜“好品位”、也同樣以此為準入門檻的行業，一切創作的標準都在無形之間被抬高，“對音樂也是一樣。”但BFRND幾乎從未讓人失望，他的音樂雜糅了電子、嘻哈、民謠和古典等流派，無法被定義，卻自帶“場景感”，“我可以做任何音樂，但它們聽起來都還是會‘像我?！比缛艟科涓?，或許是因為BFRND是一位“現實主義者”，他的作品聽似浮于世外之境，實則植根于當代人的生存現狀，“音樂就是要激發人的潛意識。它和時尚一樣，關乎情感，也關乎我們所處的環境。”

ELLE：在Balenciaga 52 高級定制系列中，你用AI技術將Maria Callas的歌劇變為了無伴奏的純人聲清唱版本。作為積極擁抱科技并運用科技的音樂人，你對于科技介入創意有什么看法？

BFRND：在成功將Maria Callas的聲音從歌劇中“分離”出來前，我們嘗試用人工智能克隆她的聲音，因為技術有限而失敗了。即使我們能做到，也要請一位歌手唱完整首歌，再用人工智能附加上MariaCallas的聲音。所以當你聽到人工智能翻唱的歌曲時，它或許并不是完全由人工智能生成的，總有人會作曲和演唱，人工智能再在此基礎上配音。很多人都說人工智能會摧毀這個行業，但事實并非如此，沒有人類，人工智能什么都做不了，因為我們無法24小時都在工作，所以它可以成為幫助我們的工具。

ELLE：你從2017年開始為Balenciaga制作秀場音樂至今，品牌的每一季都在發生變化。在變化之下，你一直堅守的內核是什么？

BFRND：其實對我來說，一直在變化是好事，這是讓我進步的方法，因為我不能始終待在“舒適區”，否則一切都會變得乏味。在我最初為Balenciaga制作配樂時，我是個初學者，但是品牌的變化卻映射出了我的成長，也讓我重新認識了自己。無論做什么類型的音樂，都一定要有“我”的存在，這可能是我感受事物的方式，也可能是我創作的直覺——這是我一直堅守的。

ELLE：你在中國已經擁有了一批粉絲，之后是否會考慮來中國開音樂會或與中國設計師合作？

BFRND：有一次，我的朋友在中國的某家買手店里聽到了我的歌，發消息和我說自己非常感動，我也完全沒想到，中國竟然有人認識并且喜歡我。如果有可能，我想來中國開音樂會，也不僅是和中國的設計師合作，也可能是各行各業的創意人士。

ELLE：為什么會在中國的社交媒體“小紅書”上開設自己的賬號？

BFRND：這個賬號是我自己創建并運營的，小紅書上有很多前衛、時尚的中國年輕人，我很愛看他們的穿搭。雖然紅毯造型經常給我留下深刻印象，但社交媒體上大家的穿搭也不比前者差，他們不抗拒新的審美，也不懼怕新事物，這一點我很欣賞——這或許也是中國年輕人喜歡我音樂的原因。加上我在Balenciaga的社交媒體部門工作，管理品牌在各個平臺上的賬號，需要去了解更多，所以我會在自己的小紅書賬號上分享穿搭，看看大家的反響如何。

ELLE：你是如何在音樂中制造“場景感”的？

BFRND：我會把音樂和生活聯系在一起。我們的生活從來都不是一條直線，它總是“忽上忽下”，你可能會快樂，也可能會悲傷，或者沒有任何情緒。我在音樂里也是這么做的，先描述一段美好的時刻，突然出現的是一段激烈的音樂，之后又會是另外一種——其實這就是現實生活的樣子，你永遠不知道下一秒究竟會發生什么。

ELLE：在做秀場音樂時涉及很多“二次創作”，你會通過什么樣的方式讓原曲和自己的風格相融？

BFRND：我會試圖讓這首歌成為我的發明。我不會刻意模仿原作，而是盡可能地去理解、消化它。就像表演一樣，演員也要努力讓自己和角色融為一體。我會把它們放置于我的生活中，又或者說是讓它們變成我的生活。

ELLE：“ 創新”是每一位創作者的命題，但如今的時尚界似乎不再有“新意”了，你如何看待這件事？

BFRND：很多人都喜歡說，“誰又在做同樣的事情”。

但以Balenciaga為例，大部分人都并沒有真正了解過Demna的工作，如果他們了解，就知道Demna一直在做新的事情?！皠撔隆辈⒉灰馕吨鸵案锩?，那些能夠讓公眾興奮的事物，其實就是“新”的。

ELLE：你說過要推出自己作為獨立音樂人的法語專輯。BFRND以及更多的自我表達是否是你日后音樂探索的重點？

BFRND：我的第一張專輯討論了“我是誰”，所以融合了多個流派的風格，如果我只做流行音樂，那就不是我了。當你聽這張專輯時，你就會明白什么是BFRND，這也是我目前和今后會一直探索的方向。

婁軼哲：面孔遴選師

時尚由一張張面孔組成。設計師以繆斯為藍本進行創作，模特在秀場上演繹前者的想象，勾起臺下觀眾的拜物欲——他們看見并走向彼此，讓這個行業環環緊扣。在這條凝視與消費的鏈路背后，是“選角導演”（casting director）將這些面孔輸送到臺前，“是市場需求和審美風向決定了時代的選擇?！边@是婁軼哲多年來的經驗之談。

在成為選角導演之前，婁軼哲從未想過自己會進入時尚行業，“大學的專業是商科，連Giorgio Armani都不知道是什么?！彼猿暗?。留學歸國后，婁軼哲的第一份工作是會議同聲傳譯，“不用坐班，報酬高，能接觸到各行各業。”他也因此接觸到了龍騰精英模特經紀公司，得益于語言上的優勢成為了一名經紀人，主要職務是溝通中國和歐美市場。剛入行時，他是一張沒有任何預設的白紙，書寫什么內容、如何書寫，完全由好奇心驅動，“我時常在想，為什么是這些男孩和女孩登上時裝秀？”他觀察身邊的每一位模特，再根據品牌的視覺形象和目標客群反推，逐漸構建了一套自己的評判體系，“看多了，自然也就會了。”

做了近8年模特經紀人后，他正式轉型為選角導演，“要做到看見一個人素顏的樣子，腦海里就有他（她）化完妝、走上秀場后的場景?！边@是選角導演應該有的敏銳感知，在看過上百乃至上千張面孔后，迅速幫品牌找到屬于他們的正確“答案”。但由于國內的時尚產業仍處于發展階段，體系尚不完善，選角大多由秀場導演和制作團隊一手包辦，婁軼哲是為數不多選擇往里“鉆”的人，“行業內比較成功的選角導演，可以將‘人與設計師或造型師的理念恰到好處地結合，給出一個所謂的‘分界線，讓大家知道這品牌就屬于這種氣質的人?！?/p>

ELLE：模特經紀人的工作經歷對你成為一名“選角導演”有什么幫助？

婁軼哲：在龍騰精英的時候，要幫模特篩選工作，也經常要去國外出差。在用郵件和對方溝通時，發現有的品牌是會指定選角導演的，我當時就很好奇這些人到底在做些什么，有了一個初步認知。做模特經紀人還要不停地觀察，觀察人、行業內部的動向和外部流行的變化，所以我會經常看時裝秀——這都為成為一名“選角導演”打下了基礎。

ELLE：選角導演對時尚行業而言的重要性體現在哪些方面？

婁軼哲：其實“選角”并不是一個新的概念，是從影視行業傳來的。早年間，選角這個工作并沒有獨立出來，國外大多是由制作公司提供一站式服務，后來才逐漸細化，不同職能的人各自跳出了固定的體系，在各自的專業領域內深耕——所以重要性也就體現在了“專業的人做專業的事”這一點上，整體也更加高效。

ELLE：在為品牌秀場和時裝片選角時，如何平衡品牌需求和個人主觀審美？

婁軼哲：這也是我一直在探索的事。在理想化的情況下，我是希望能盡可能壓縮主觀審美的。又或者說，我們的主觀判斷力應該以對方的訴求為主，成為幕后的第n只手。但坦誠說，最難的是找到大眾審美的基準線，舉個例子，偏大眾和過于大眾也有很大區別。有時候客戶會給我一個形容詞，比如“韓流”，當我按照他（她）的訴求去找了模特后，對方又會說完全不符合預期——我們無法改變客戶的認知，只能轉化個人偏好。但我會遵循自己的選角方法，將選擇的模特按照邏輯排列組合，在腦海里想象他們穿上這些衣服的樣子，如果你的“判斷點”和腦海中的畫面一致，那就證明選擇基本沒問題。

ELLE：如今獲取信息的渠道非常多，很多品牌會自己承擔“選角”工作，這是否會從一定程度上取代選角導演的工作？

婁軼哲：其實無論是找選角導演，還是內部承擔這個工作，核心目的都是實現品牌的目標。而品牌自己選擇模特這件事，和品牌直接把工作丟給選角導演并沒有什么區別，只不過要看這個人在內部還是外部。

ELLE：你認為哪一次的秀場選角經歷是成功傳達品牌理念的？

婁軼哲：之前在上海舉辦的Louis Vuitton 2022春夏女裝系列。因為Louis Vuitton的衣服包容性很強，稍微矮的女生也能穿，所以品牌給了我很大的靈活度，整場秀的呈現也更貼近Louis Vuitton在國外的水準。

Porsche Poon：描繪表象的魔法

在零售空間內，高級時裝是被明碼標價的“物件”，但在此之前，有關它的故事已經在時裝秀上講述完畢。在造型和妝容的加持下，展示的模特進入角色之中，衣物仿佛擁有了魔力——在這樣一種“附魅”的過程中，化妝師是“點石成金”的關鍵，他們在面孔上大做文章，延伸出五官之外的深意，使之與服裝合而為一。Porsche Poon也注重如是的“整體性”，在Burberry 2023秋冬系列的時裝片中，Poon第一次與Daniel Lee展開合作，共同構建了品牌的全新形象，她也曾與攝影師Juergen Teller共同創作，“每個人的審美偏好都不同，這也正是樂趣所在。”于Poon而言，無論是秀場造型、雜志內容還是品牌大片，盡管展示形式不同，但本質上并無區別，“都是在生產創意，都需要各方的配合?！?/p>

Poon曾跟隨“可穿戴藝術”（wearable art）的開創者、化妝師Isamaya Ffrench工作，Ffrench處理妝容的方式夾帶詼諧與幽默，這啟發了Poon將彩妝當作探索時尚和創作藝術的媒介。在Allure 雜志的一篇專訪《忽略美的陳規：彩妝藝術家PorchePoon》（Makeup Artist Porsche Poon Is IgnoringAll the "Rules" of Beauty ）中，Poon稱自己的風格并不具備普遍性，“但我正在自己的小世界里綻放，未來一定會被更多人看到?！?/p>

ELLE：你做過品牌的廣告片、秀場妝容和雜志的編輯內容，在面對不同的內容時，你作為化妝師的創意過程有何不同？

Porsche Poon（簡稱Poon）： 時裝產業的特點之一是多人合作。作為一名化妝師，我最需要做的是根據品牌和雜志的風格，以及設計師當季的理念，去發散思維、配合創作。創意的過程會因為對方訴求的不同而發生變化，所以能產生的“化學反應”也時常讓人驚喜。

ELLE：在美妝大片中，妝容是絕對的主角。但是在秀場、時裝大片和品牌的廣告片中，妝容僅是整體視覺效果的一部分。你如何看待妝容藝術在一個視覺作品中的地位？

Poon：我比較重視作品的整體性。雖然在時裝大片和秀場中，妝容只是“綠葉”，但對我來說，工作中的每一個角色和環節都非常重要。

ELLE：在做秀場和品牌廣告片的妝容時，你會認為自己的創作表達受到了某種限制嗎？你是否找到了個人風格和品牌需求之間的平衡點？

Poon：限制是一定會有的。因為當你幫某個品牌打造妝容，他們的風格就是你設計的門檻，但也會是你的限制。舉個例子，在我幫Vivienne Westwood設計妝容時，清楚地知道品牌會更容易接受朋克、搖滾和更具藝術性的妝容，但Versace未必可以。在為他們工作時，我不會通過個人作品去刷存在感，這是一份多人協調的工作。

ELLE：你如何定義自己打造的妝容風格？

Poon：我其實很難定義自己的風格。但我知道自己絕對不是一個崇尚“華麗”的化妝師。

ELLE：你將自己更多地定義為時尚工作者還是藝術家？

Poon：我不會給自己設限，我更想順其自然地發展。現在我覺得自己更像是在做藝術創作，藝術和時尚不分家，所以我也不會刻意去區分。

ELLE：從時尚圈內人的角度來看，化妝師這份工作近年來發生了怎樣的變化？

Poon：隨著時代的進步，社交媒體被廣泛應用，最大的變化體現在，幕后工作者逐漸出現在熒屏前了。

ELLE：在未來的發展道路中，你傾向于向哪方面投入更多？

Poon：我還年輕，還有很多可能性。如果時間允許，秀場、商業項目和編輯內容都想盡可能多地投入。

Christine Low：站在角落里的掌控者

時裝秀是時尚行業內最耀眼的舞臺，創意總監在此交出答卷，品牌方則傾力為之造夢。從造型、模特、看客、舞美到音樂，當一切必備要素集齊后，秀場導演進行統一的調度和編排，讓一場秀不止于呈現衣服本身——Christine Low深諳其中之道。在今年7月20日晚上Bottega Veneta北京大秀落下帷幕后，她在朋友圈曬出了自己的工作“手記”：每一套造型出現的時間點、模特退場時的動線圖、燈光亮起和淡出的節奏，這是她重復了無數次的工作，卻常有新意。

談資已經有很多：疫情初次開放后沒有外援，完全靠本土創意團隊協力完成的Louis Vuitton2021春夏男裝秀，地點在上海西岸； 去年9月在北京舉辦的Prada 2022秋冬系列大秀，200多位工作人員費了一番周折才得以入場；前一天臺風突襲阿那亞，當日卻晴空萬里的Louis Vuitton 2023春夏男裝秀。作為從業數十年的資深秀場導演，Christine Low指導過的時裝秀不下百場，但讓她對某場秀“情有獨鐘”的原因，往往在于前期遇到的各種挑戰。她對可能發生的意外事件都有雙重“預案”，是心理上的，也是執行上的，“抽身看全面是個絕活，如果前期準備做得足，一般都會水到渠成。”

ELLE：在如今的中國時尚行業內部，秀場導演這份工作現存的問題是什么？

Christine：其實現在的秀場導演很多，但能力參差不齊。就像是做品牌一樣，經驗越多就看得越全面，從舞美、候場、開場到閉秀，如何通過音樂調動氛圍，讓它與整個大環境相契合，又如何在此基礎上將品牌想要展現的風格和盤托出，面試篩選出來的模特是否符合品牌調性，在臺上的表現能不能達到預期——這些都需要考慮。目前行業內并沒有針對秀場導演的體系化培訓機制，從籍籍無名的小助理、助理導演到副導演，都是一步步走出來的。但對于美的認知是很難從“機制”里學來的，“機制”只能教你一些相對機械、客觀的東西，比如燈光運用的套路、音樂的長度和剪輯節奏、模特的換裝時長等。

ELLE：目前一場時裝秀的分工是怎樣的？

Christine：現在的分工越來越細了，以前的導演需要一手包攬。現在有概念創意、造型師和選角導演等“專才”。小活動會參與選角，大活動一般不會，但是看到通過我指導的時裝秀發掘出來的新人有了好成績，內心還是會非常激動和感慨。

ELLE：這份工作對你帶來了什么影響和改變？

Christine： 做模特的時候對自己的認知不清晰，懵懵懂懂地上臺表演、下臺過日子，也有一些“戀愛腦”，雖然有“好身材”和“百萬笑容”，卻絲毫沒有安全感。做了秀場導演之后開始靠腦子吃飯，沒有了風花雪月后才更加清楚地知道自己要什么，也意識到了自己性格上的長處和短板，通過這份工作學會了和自己還有他人相處。

ELLE：在為歐洲的老牌和中國的新銳品牌指導時裝秀時，最顯著的差異體現在哪些方面？

Christine：在為國外大牌做秀前，其實他們會把90%的事項都提前敲定，我們按部就班執行就沒問題，剩下的10%就是我們常說的將一場秀“本土化”，沒有太多的發揮余地。目前和中國設計師品牌合作的機會不多，但是除了服裝之外還有很多討論的空間，會與合得來的設計師朋友一同分享和探討對于時裝秀的看法，結果總是出人意料的美好，比如和Comme Moi（由超模呂燕創立）的10年合作就十分有滿足感。

ELLE：每一場秀的環節是如何影響觀者體驗的？

Christine：其實觀者都是眾口難調的。井然有序的流程安排、恰到好處的時間節奏、現場嘉賓的編排，以及酒水和美食的誘惑，缺一不可，每一個環節都會影響現場觀者的體驗。

Lucien Pagès：聲量與造勢

時尚公關，夢想、浮華與名利背后的關鍵推手，眼觀六路、耳聽八方的“局內人”。一個最常見的場景是：在一場時裝秀完整落地前，當所有人都焦頭爛額之時，他們依然有條不紊地與各方溝通，確保時尚的齒輪能夠高效運轉——這并非易事。時常有年輕人對此滿懷憧憬，最終被實操時來自多方的壓力“勸退”?！皼]有人會真正夢想成為一名時尚公關?！睒I內的金字招牌Lucien Pagès打趣地說。

ELLE：成為時尚公關背后的契機和原因是什么？

Lucien Pagès（簡稱Pagès）：我在法國南部的一個小村莊長大，對時尚充滿了向往。和大部分熱愛它的人一樣，最開始想成為一名時裝設計師。18歲那年，我進入了巴黎服裝工會學院，當時的目標非常明確：畢業后去時尚界工作，然后取得成功。但上學期間我意識到了一點，自己很難成為這個圈子里最出色、特別的設計師，所以給自己留了余地，開始嘗試為各個品牌工作。后來接下美國設計師Adam Kimmel的工作，擁有了第一位客戶，摸索著踏上了時尚公關之路。

ELLE：Lucien Pagès Communication創立之初遇到的困難和挑戰是什么？

Pagès：第一個挑戰是，作為公關，我沒有一份可使用的“名單”，完全是白手起家。我是2006年創立Lucien Pagès Communication的，當時我面臨的問題是缺少更“上層”的資源，所以必須快速、有效地建立關系。因為我是做男裝起家的，如果要拓展客群，我必須證明我也可以做女裝，我一直在尋找機會。有一次去日本出差時，我遇到了Sacai的創始人兼設計師阿部千登勢，她在日本已經很有名了，但在歐洲還沒有濺起水花，也沒有建立社交媒體。她給了我信心和信任，讓我把Sacai帶回歐洲。回到巴黎后，我組織了一次酒會，向業內眾人士介紹Sacai，我們可以說是共同成長的，她讓我有了涉足女裝的機會。后來我們拓展部門時也是一樣，大家都說，“你太時尚了，你做不了美妝，更做不了香氛”，但我們現在都輻射到了，困難總是迎刃而解的。

ELLE：時尚公關的重要性體現在哪些方面？

Pagès：在這個社會里，“溝通”就是一切，這也是時尚公關在時尚圈的重要性所在。對于一個品牌來說，形象是關鍵，一個好的形象可以帶來生意的增長——這一切都關乎到你該如何與外界“溝通”。

ELLE：你認為自己如何影響了巴黎時尚圈？

Pagès：挖掘有天賦的新人，并為他們提供宣傳，是我的能力之一。我的影響（尤其是對年輕人），不僅體現在我的工作經驗上，而且體現在視野和洞察上。我想讓大家看到時尚的多樣性，它并不是單一的，你可以成為創意總監、明星造型師，也可以成為和我一樣的公關。

ELLE：你與哪些設計師（或品牌）是共同成長的？

Pagès：Simon Porte Jacquemus。我們的相處模式很特殊，我不會給他過多的建議，而是陪伴、支持他，幫助他實現每一個想法。分享一個小故事：在他準備推出男裝時，本打算在紐約發布，但因為預算有限，所以沒能落地。但我知道他非常想做，所以我提議可以去他的家鄉馬勒莫爾（Mallemort）附近的馬賽（Marseille）辦秀，和業內頂尖的創意人士合作，一定能大放異彩。最后，我們在秀場內鋪滿了薰衣草，同時演繹了男裝和女裝系列，反響很好。我們的合作一直非常順利，我會用心傾聽他的想法，幫他展現才華。

ELLE：“ 溝通”中最重要的事情是什么？

Pagès：我時常和我的團隊說，我們是人，不是機器，交流是最重要的，這也是“public relations”（公關）的核心，即“relations”（關系），而不是“public”（公共）。我們要與客戶建立關系，保持高效地信息交換，清晰傳達我們的想法，并幫助對方實現訴求——信息一定要明確，并且讓對方“聽懂”，這是關鍵所在。

ELLE：時尚公關的工作近年來發生了怎樣的變化？

Pagès：社交媒體改變了很多事，但對我而言社交媒體永遠都只是“工具”，在不同的階段，我會用不同的工具去推廣品牌和設計師，與公眾對話、制造聲量。社交媒體的泛濫所導致的結果是：信息爆炸，所以人們可能會困惑，我們到底該關注什么？所以目前時尚公關要做的是，如何突出我們的品牌，而不是“過度營銷”。我們需要換位思考，有時候你要加快速度，有時候你則必須保持沉默。過多的聯名和快閃店會讓消費者倦怠，就連公關自己都會迷失其中。

Joana Vasconcelos：鏈接空間與藝術

當代時尚產業狀似一只巨型章魚，觸手覆蓋藝術、建筑、科學、文化等多元領域，跟隨這種多元趨勢而來的，是藝術與時尚之間的關系變得越來越密切。藝術家不僅作為靈感來源激發設計師的創造，而且切身地參與到時裝事業中來，出現在秀場之中。Dior 2023秋冬女裝系列邀請葡萄牙藝術家JoanaVasconcelos為秀場創造了一座巨型的藝術裝置Valkyrie Miss Dior，它既是一件獨立的藝術作品也是一個大型的秀場裝置，向歷史中那些被人們遺忘的女性致敬，藝術和時裝之間的邊界在這個作品身上開始變得模糊。當我們跟這位藝術家對話時，她告訴我們“萬事萬物，息息相關”，一些看似獨立的領域、表面上無相關的事物其實都暗中相連，在Dior的秀場中我們可以看到秀場置景、藝術、建筑與時尚表達之間的聯系因Vasconcelos的作品浮出水面。

Valkyrie Miss Dior是一個巨型裝置，由JoanaVasconcelos大約50人團隊制作完成。這個團隊中有負責金屬、木材和紡織的工匠，她利用古老的手工藝結合現代技術進行試驗性創作，還利用陶瓷、瓷磚、織物和金屬表達女性主義與傳統文化和技藝。她的作品融匯了波普藝術與超現實主義的精神，亦與時裝世界交流甚密，在Maria Grazia Chiuri之前JohnGalliano就曾去拜訪過她的工作室，她的作品在與時尚的交匯和對話中不斷變化，同時又保持著堅定的藝術內核。她的作品是秀場呈現的一部分，是供人穿行的建筑，也是觀賞交互的藝術品。通過她與 Dior的合作我們也探尋到秀場裝置與藝術表達之間微妙的平衡，當時裝秀場不僅僅作為傳遞視覺審美的場所，轉而承擔起更深刻的表達責任時，屬于時尚的另一種可能性也就隨之誕生。

ELLE：這是你第一次與Dior合作制作大型秀場裝置。相比起之前創作的那種放在博物館里供人觀看的作品，這次需要創作一個讓模特在里面穿梭的秀場裝置，既是藝術品同時也像建筑，這一點會讓你在創作過程中有新的考量嗎？

Joana Vasconcelos（簡稱Joana）：每個作品都會被放置在一個空間內，而這個作品的故事自然會與空間、建筑與當地文化產生聯系。比如我之前在丹麥的一個5層的博物館辦展，我需要將這5層的空間串聯起來，所以作品的體積就會很大。特拉維夫的藝術博物館內部空間有自己的特點，那我會根據這個空間來創作，每個空間都有自己的歷史和創作用途，我在創作的時候也會尊重這些特點。就像本次的空間是秀場，這里正在發生一場時裝秀，所以我設計了這些環繞四周的臂膀，可以與模特的動作產生聯系。

ELLE：就像你之前說的“對話”是你作品中重要的概念，這次你想通過作品開啟一個怎樣的對話？

Joana：沒錯！這場對話是關于空間、故事和人的，當我構想一些模特穿著時裝四處走動會發生什么時，我想到了面料，這個作品通過花卉的面料和模特身上的衣服產生聯系?；ɑ艿撵`感同樣將這個系列與致敬的另一位女性Catherine Dior相聯系，她喜歡花，有自己的花園。也正是通過這個想法，我讓這個裝置的整體形態看上去像是一朵盛開的花，而當你去細看，會發現組成這個整體的每一部分都有花的元素。

ELLE：這件作品Valkyrie Miss Dior致敬了兩位女人，北歐女戰神和Miss Dior。有趣的是，當我們構思女戰士的時候總會想到堅硬的盔甲和強硬的女性，但你的作品卻是圓融的、浪漫的。

Joana：我覺得當我們構思一個女戰士，總會把屬于男性的想象套在她身上，堅硬、暴力，寸步不讓。然而我們從女性思維出發，戰士可以是強大且溫柔的。我一直說一個坐在王座上的女人，總是意味著孤獨，但為什么有權利的女性不能是快樂、強大又幸福的呢？

ELLE：這個系列的作品自誕生以來就在不斷演化，你會用不同顏色和質感的織物包裹它（ 比如Valkyrie Girl是粉紅色，而Valkyrie Victoria則是全黑的），好像這件作品換上不同的衣服就變成了不同的人，就好像時裝設計一樣，某種程度上，你是否是藝術領域的時裝設計師？

Joana：也許可以這么說，不過我的想法是，我與時裝深深地聯系著，與此同時我也是雕塑家，是傳承文化的人，我通過藝術與時尚、建筑、電影等多種領域建立起橋梁，我也和音樂家、舞蹈家合作過，我希望從自己出發嘗試各種類型的合作。

ELLE：你與Maria Grazia Chiuri用不同的形式來呈獻“女性主義”這一議題，在你看來時裝和藝術這兩個領域在未來是否會在“女性權力”這一主題上更強烈地彼此影響？

Joana：當然，萬物相連，息息相關。如果萬物之間沒有聯系，那我們之間的對話也不會發生。不僅僅是女性主義，而且是時尚、政治、文化、藝術，任何一環的改變都會牽動其他事物結果。這個作品誕生在法國，現在它因為文化與時尚來到了中國，如果這種相互連接的靈魂不存在，今天的一切都不會發生了。

ELLE：你的作品有一些很有趣的女性人生中會出現的尋常之物，比如鉆戒、高跟鞋、婚禮蛋糕和假面舞會面具，這些東西是你刻意尋找來成就自己的藝術表達，還是自然地出現為你帶來靈感。

Joana：它們就這樣出現了。這么說吧，當你要通過藝術來轉譯某種現實，翻譯一些你的想法，那你需要找到正確的工具，這些工具可以用更現實的方式來呈現另一個維度的觀點。所以我使用這些在每個人的家庭環境中都會出現的東西，來表達我的創作精神。當人們看到飯鍋、高跟鞋這些所有文化的共同對象，就會立刻喚起某種共識。無論你是什么文化背景，講何種語言，你看到鞋子、鍋子就會立刻明白背后的意涵，通過這些尋常之物，女人們的生活彼此相連。這些事物就像是現代女性共同思考的話題。比如家庭與事業的平衡，如何定義自己的獨立性，如何達成更好的人生目標等等，即便大家出身不同，選擇不同，但是我們的目標是相同的。

ELLE：你是個對傳統手工藝不斷探索的人，但是在本次秀場裝置中，我們同樣在LED燈光交互性上達成效果。這讓我們想起關于技術的討論，你是否擔憂人工智能會對藝術家的創作造成某些威脅。

Joana：我擁抱技術，沒有技術的進步就沒有文明的發展。但我始終認為人工智能缺乏魔法和那些詩意的、神奇的創造力。我是個感性的人，我愿意相信感性的力量。

ELLE：你在作品中靈活運用各種豐富的色彩，為什么色彩對你來說如此重要？

Joana：因為色彩就是光，而光是生命。