鄒嬋娟

（湛江科技學院 廣東 湛江 524255）

芭蕾被譽為“舞蹈皇冠上的明珠”，舞者優美的肢體動作和優雅的形體呈現給人一種視覺享受。芭蕾的基礎是動作的規范性，只有嚴格按照規范訓練，舞者才會演繹出完美的舞蹈。

一、芭蕾與芭蕾舞劇的發展

（一）芭蕾的興起

芭蕾，起源于意大利，是法文Ballet 的音譯，傳統芭蕾舞創建了一套相對獨特且嚴謹的流程與規范。特殊的腳尖舞技能，再加上外開性、穩定性、程式性的動作，讓芭蕾舞擁有相對獨特、鮮明的藝術表達特征與美學內涵。

芭蕾舞劇是舞蹈、音樂、戲劇融合的產物，通過呈現故事情節、思想情感等方式營造文藝氛圍。對于很多大型的芭蕾舞劇來說，一般通過獨舞等方式來呈現人物的情感變化與性格特征，借助雙人舞的方式來呈現劇情內容與人物情感交流等。《吉賽爾》《愛斯梅拉達》《天鵝湖》《羅密歐與朱麗葉》等是非常著名的大型古典芭蕾舞劇。

芭蕾舞早在文藝復興時期就已經出現，當時的意大利貴族在宮廷內觀賞一種叫做“芭莉”或“芭萊蒂”的華美舞蹈，這是后來芭蕾舞的雛形。這種舞蹈傳入法國后迎來了它發展的第一個高峰。一直到了1661 年，法國國王路易十四下令在巴黎創辦了第一所皇家舞蹈學校，使芭蕾有了一套完整的動作和體系。

十九世紀后期，在編舞家佩提帕與作曲家柴可夫斯基、明庫斯等人努力下，圣彼得堡取代巴黎，成為世界芭蕾新首都。

（二）芭蕾的發展階段

1.席間芭蕾：法國貴族對于舞蹈藝術非常感興趣，他們經常邀請一些街頭藝人進行文藝表演，并邀請一些來賓為其助興喝彩。這類節目一般安排在不同的大菜上桌前后，避免大家因等候時間過久而失去耐性。“席間芭蕾”這個稱呼來源于此。

2.幕間芭蕾：十五世紀七十年代，在法國皇室的慶典活動中，莫里哀著名的喜劇小品《吝嗇鬼》上演了，因為劇團中的演員數量有限，所以邀請了皇室音樂家、芭蕾舞大師讓-巴蒂斯特·呂利為這一作品創作了幾段舞蹈，希望為喜劇演員提供足夠的換裝時間。所以，“幕間芭蕾”得以出現，并迅速成為一種時尚。

3.喜劇芭蕾：“幕間芭蕾”逐漸受到喜劇演員的重視。他們逐漸思考將其與喜劇進行融合的方法。芭蕾舞的編導為找不到優秀的舞者而傷神，所以，他們把芭蕾舞劇進行拆分，相繼插入喜劇的每一幕之間，芭蕾舞劇和喜劇由于彼此需要而實現了融合與互補。這不但能夠增強喜劇作品的觀賞性，而且能夠彰顯出芭蕾作品的戲劇性。

4.歌劇芭蕾：在17 世紀后期到18 世紀早期，由于芭蕾舞的持續發展，法國已經形成了“歌劇芭蕾”這一全新的舞蹈模式，它具有舞蹈、歌唱、奢華布景等，慢慢地演變成一種社會潮流。在“喜劇芭蕾”的基礎上，它的題材逐漸向復雜深沉的悲劇發展，并最終取代了“喜劇芭蕾”。

5.芭蕾歌劇：一開始，它只代表初期的“歌劇芭蕾”，舞蹈與歌劇的占比沒有明顯差別，有時候舞蹈甚至會超過歌劇。二十世紀之后，由于芭蕾朝著現代方向轉變，一些編導具備更加強烈的獨立思維與自主意識，所以“芭蕾歌劇”這一全新模式也持續增加，最具有代表性的“芭蕾歌劇”是俄國作曲家里姆斯基·科薩科夫的《金雞》、德國作曲家漢斯·維爾納·亨策的《孤寂的林蔭道》、德國作曲家格魯克的《俄耳甫斯與尤里底斯》等。

6.戲劇芭蕾：又名芭蕾舞劇，它一般是由一條或者若干條情節線索整合在一起的，包括大、中、小型等不同規模。對于大型作品來說，其包括多個幕和場。“戲劇芭蕾”根據傳統表演模式，不管是多幕的、獨幕的，還是無幕的、無場的，都對應的是“三段式”的結構模式。具體來說，包括三部分，即開始、中間與結尾。

7.交響芭蕾：特指用現成的交響曲或以其他音樂為基礎而創作的芭蕾。它借鑒了交響音樂，包括兩種類型，即狹義和廣義。從狹義角度來說，一般沒有情節、細節、標題，編導有意刪掉一些傳統的故事內容，通過動作呈現音樂的情感與形式；從廣義角度來說，一般以音樂作品為重要依據與關鍵靈感，依舊引入了一些細節或通過淡化處理的情節。

8.搖滾芭蕾：二十世紀六十年代，搖滾音樂深受人們喜愛，與其相關的舞蹈也得以形成，并受到廣大年輕人的重視，對其文娛生活帶來了深刻影響，所以這引起了同時期芭蕾編導們的重視與青睞，例如，德國著名編導彼得·達雷爾運用甲殼蟲樂隊的音樂創作芭蕾，其代表作品是《搖來滾去》(1963)，表現出對青少年生活與理念的關注。

二、古典芭蕾與現代芭蕾

（一）古典芭蕾與現代芭蕾的產生

古典芭蕾起源于文藝復興期間。它可以分為浪漫派與古典派兩大類。舞劇《吉賽爾》是浪漫派芭蕾舞劇的代表。

到了十九世紀，出現了許多古典派的代表作，比如《天鵝湖》等。

兩者之間以舞者所穿的舞衣的材質來進行區分。古典派的舞衣為紗質的短裙，稱為（classical tutu），它的舞鞋質地較軟。

而浪漫派的舞裙（romantic tutu），長及膝與踝之間，舞鞋為硬式。

20 世紀初，古典芭蕾由盛而衰，謝爾蓋·帕夫洛維奇·佳吉列夫等人因不滿足于現狀，對芭蕾進行改革，發起了芭蕾運動。他們以“俄國芭蕾舞團”的名義，向巴黎進軍，用大量的新生作品，開辟出了一條新的道路——“現代芭蕾”。

（二）古典芭蕾與現代芭蕾的區別

古典芭蕾是源于意大利宮廷的舞蹈，之前僅王公貴族有資格跳舞。對此，古典芭蕾舞的要求是非常嚴格的，舞者必須氣質高貴，其動作也是按照之前流傳下來的舞姿進行設計的。但是現代芭蕾完全擺脫了古典芭蕾的限制和束縛，它融入了一些現代舞的特色，并對其實施大范圍創新，使其具備較強的創新力與想象力。

1.古典芭蕾的盛行與法國國王路易十四（1638-1715 年）頗有關聯，他五歲便成為國王，12歲就在宮廷芭蕾中扮演角色。他是個熱心的舞者，在他統治的早期，“宮廷芭蕾”達到了全盛時期。但是后期國王不再跳舞，使得“宮廷芭蕾”走向民間。

2.舞劇題材選擇不同。古典芭蕾題材基本出自童話，而現代芭蕾多圍繞人本身進行創作。

3.訓練方法，發力方式不同。現代芭蕾有時候也會用現代舞來給芭蕾舞者進行輔助訓練。現代芭蕾有著反傳統的舞蹈動作，有獨立的舞蹈體系，更加強調個人情感的自我體驗。

4.古典芭蕾要按規定表演，現代芭蕾沒有如此嚴格的要求，它可以隨意運用各種元素。

三、什么是芭蕾基訓

芭蕾基訓的內容大致包括：壓腳背、壓腿、（Croise）橫叉豎叉、（Epaulement）肩、（Port de bras）腰等不同姿態的軟度訓練以及（Battement tendu）擦地、（Battement fondu）蹲、（Rond de jambe）畫圈、控制等。芭蕾基訓是提高身體協調和控制能力的基本功訓練。

芭蕾基訓不僅能提高舞蹈學習的效率，并且對舞蹈后期的質量提高起著至關重要的作用。芭蕾基訓是學好舞蹈的基礎，甚至可以這樣理解，它比舞種本身的學習更為重要。

芭蕾基訓動作主要包括：單一動作（Single action）、復合動作（Compound action）、動作組合（Action combination）。其中，單一動作是以人體的某一位置為核心，其他位置相對靜止。復合動作是指人體不同部位在相同時段根據特定順序、要求等做出的一些行為變化。動作組合是指利用舞蹈訓練方法，對超過2 個的單一動作或者復合動作根據特定順序、方向、速度、幅度等層面的組合、變化而形成的持續性的動作。

在教學的過程中，組合的合理編排可以幫助教師更好地完成教學任務，而優選的動作編排和組織可以提高教學成效。

芭蕾基訓在具有科學性（Scientific nature），系統性（systematicness），規范性（Normative）的前提下進行教學。

芭蕾的練習方式可分為扶把練習（Handlebar practice）和中間練習（Intermediate exercise）。但不論是扶把練習還是中間練習，都是從單一動作貫穿到組合訓練，兩者相輔相成，聯系緊密，缺一不可。

四、芭蕾基訓動作的特點

芭蕾舞基訓具有穩定性，也屬于古典芭蕾舞中的一個基礎技能。由此來看，穩定性與動作、技巧、舞動、空翻、旋轉等密切相關。經過長期重復訓練，舞者能夠掌握一些復雜的舞蹈技巧，所以其穩定性能夠持續提升。當然，穩定性一般表現為兩個層面的內容，即重心掌控能力、動作協調能力。

古典芭蕾教學課堂對教學質量一直都有很高的要求，除要求教材具有科學性和系統性之外，還需要教師采用科學的教學方法。

舞蹈教師在教學過程中一般會沿用傳統的教學方式，按照由易到難、由淺入深、由簡至繁的規律，循序漸進開展教學活動。

在實際訓練過程中，針對人體重心的訓練也是一個非常關鍵的內容。以最簡單的站立動作進行分析，舞者由1 位至5 位都需要確保力量均勻地分散，并將腳貼于地面，腳趾不能抓地。這時人體的重心要放在腳跟部位并保持住，踩向地面。舞蹈演員在實際訓練期間，其重心和正常人的重心是完全不一樣的。對于舞蹈演員來說，因為在訓練期間需要兩腿分開，上身處于完全直立狀態，所以需要把重心集中在腳后跟上。這一直立狀態訓練屬于芭蕾舞基礎技能訓練的重要內容，與其他舞種訓練相比，有很大的不同。正常人在站立時，重心一般都是放在腳心部位的。

芭蕾基訓也可以分為移動訓練和原地訓練。

五、芭蕾基訓動作的重要性

在專業舞蹈人才的培養中，芭蕾基訓是非常重要的環節，芭蕾舞的基本功訓練相對獨立且富有個性。

芭蕾基訓期間，舞者必須要對身體的所有部位的肌肉進行訓練，同時確保加強肌肉的控制力度，由此增強身體的協調性，確保兩腿絕對外開，最大化地保障動作的規范性與標準性。所以，舞者需要利用不同的訓練方法，日復一日地練習。

無論是扶把練習還是中間練習，都貫穿著組合的編排（Arrangemen）和組織。嚴格的訓練模式、標準要求在芭蕾基訓組合的編排和組織中具有重要的作用，這體現在各個環節當中。

有目的的訓練是加強學生舞蹈技能的重要方法，它對于增強學生的身體平衡性、協調性、動作持續性等是有很大幫助的。與單一的訓練方式相比，多元化的組合訓練可以在一定程度上提高學生學習的積極性。反復的訓練與自我調整可以使學生在探索中達到更高的舞蹈境界，使其掌握不同的呼吸和身體運動的規律，提高舞姿與氣息的協調性。

教師通過循序漸進的方式把單一的基本功訓練方法慢慢融入組合訓練模式中，不僅能夠讓單一的訓練方法具備較強的藝術特色，而且能夠使學生感受到舞蹈的藝術魅力。

六、總結

芭蕾基本功訓練是舞蹈專業學生必須掌握的一門技能。這也屬于一門必修課程，是舞蹈專業課的基礎。每位優秀的芭蕾舞者都是通過長期且嚴格的基本功訓練才能夠成功地擁有一個靈活自如的身體，由此為觀眾展示出更加輕盈的舞姿。其中的艱辛是常人難以想象的。

除此之外，芭蕾的基本動作中有不少肩背和手臂的動作，很適合松弛緊張的肩背。它獨特的訓練模式可以增強舞者身體的協調性、平衡性，并且能夠梳理肌肉線條和走向，確保舞者身姿更加修長與挺拔，由此改變一些不良舞姿。

芭蕾舞訓練一定要加強身體平衡性的鍛煉，并且需要增強身體動作的延展性，倘若能夠準確地掌握一些動作應用技巧，不但能夠促進舞者的骨骼成長、身體發育，而且能夠使其肢體的韌性大大增強，肌肉變得更加緊實、修長。