探析國畫藝術在“非遺”展陳設計中的應用

摘? 要：國畫藝術與非物質文化遺產都是我國傳統文化中的重要組成部分，不同藝術形式之間具有共通性。對國畫藝術中的筆法線條、虛實構圖以及色彩理論的研究，能夠啟發當代“非遺”展陳設計。以國畫藝術為載體的“非遺”展陳，能夠以更準確的方式來表現非物質文化遺產的精神內涵。“非遺”展陳設計通過對國畫藝術的學習，營造出與“非遺”文化完美契合的展陳環境，最終實現非物質文化遺產的保護與傳承。

關鍵詞：國畫;“非遺”展陳;動線;虛實;相對關系;色彩

舒曼曾說：“在一個藝術家心目中，詩歌卻變成了圖畫，而音樂家則善于把圖畫用聲音體現出來。”不同藝術形式之間是有相通性的。不管是繪畫、書法、音樂，還是我們本文將要探討的展陳藝術，它們都屬于感性活動范疇，情感主宰整個藝術活動，因此不管最終的表現形式如何，它們的出發點是相同的，創作者觀察生活中的美和自然界中的規律，通過藝術渲染來傳達創作者想要表達的意境。在我國眾多的傳統藝術門類中，國畫作品在創作中很重視意境的表達，國畫創作者要想實現意境的表現，不但需要擁有高超的繪畫技巧，還需要對國畫思想以及內涵有著深入的了解。想要做好一個系統的“非遺”展陳項目同樣如此，展陳設計作為一種綜合性設計，不是對展品簡單地裝飾、美化，它涉及的學科多種多樣，不光需要用到先進的科技來豐富展陳方式，更需要對展陳內容進行深入、系統地學習，以表現“非遺”文化的精神內涵，從而能夠完美地表現非物質文化遺產的傳統之美。然而，目前“非遺”展陳面臨的問題很多，比如如何在博物館環境中展現“非遺”，如何將“非遺”與實物展陳有機融合等[1]，下面筆者將基于“非遺”展陳設計的獨特性，從國畫藝術中探尋當代“非遺”展陳設計的出路。

一、國畫筆法的線條規律對展陳動線設計的啟發

國畫中筆法的表現極其重要。國畫中對線的要求較高，國畫重視所描繪事物的輪廓，以最簡潔、有力的方式來表現，例如《清明上河圖》中的船只雖然形體描繪較小，但是其形象足以表現得淋漓盡致。這些看似隨意的線條，在其背后是有一套嚴格的規律，其中幾個最根本的規律分別是平、圓、留、重、變，在這些規律之中，平和圓比較好理解，留就是收得住，重代表用筆以峻勁為主，表現事物要求有力。前四點是根本，在這四點基礎上要有“變”即變化、節奏，線條要講求抑揚頓挫[2]。同樣在“非遺”展陳的動線設計中，在保證游覽要求的基礎上，要多尋求動線的層次性、韻律性，當然這種變化是要根據展示內容來決定的，這是一個充滿推理的過程，我們需要根據展覽大綱中每一部分內容的體量和價值，來進行空間的合理劃分。

在非遺展陳的參觀形式上以自由式參觀和遞進式參觀這兩種形式最為常見。自由式參觀即沒有特定的參觀流線。這樣的展覽大多呈現為一個大空間，在內容上呈現為多點并存的模式，這些知識點相對獨立但是又緊密依靠，觀者可以在此空間中自由游覽，且不會對展覽內容的理解有影響。這樣的動線看似雜亂無章，但又像一幅寫意的國畫，充滿著變化，關鍵是要設計師做到“形散而神不散”。遞進式參觀相對而言更具有邏輯性，尤其在敘事性展覽中比較常見，根據內容的需求由主展線和輔展線展開敘事。主展線是敘事的主體，輔展線主要是對主展線內容進行擴充，但是這樣有時也會造成參觀邏輯的混亂，需要在設計的時候小心避免。遞進式參觀由于在參觀之始便設定好了參觀路線，因此很容易使觀者產生疲勞感，這便需要借鑒國畫藝術中線條的變化，或平緩、或轉折、或發散，使參觀動線有著節奏的改變，達到移步異景的效果以維持觀者良好的精神狀態。當然，在一些大型的“非遺”展陳項目中，要靈活地運用這兩種不同的參觀模式，使動線更加豐富、合理且富有變化。

二、國畫構圖的虛實關系對展陳空間設計的啟發

構圖在國畫藝術中占據著重要的地位，而虛實構圖是其中一個重要的手法。虛和實是對立統一的關系，“虛”并不代表什么也沒有，“實”也并非元素的隨意堆積[3]。如何做到虛中有實，實中有虛，是畫者所追求的目標，黃賓虹就曾指出，“實處易，虛處難。”可見要處理好這對關系并不容易。非物質文化遺產作為我國優秀傳統文化中的重要組成部分，與國畫藝術具有異曲同工的精神內核，將虛實關系介入“非遺”展陳中，是對傳統文化精神的傳承。在具體的“非遺”展陳案例中，虛實關系可以應用到許多場景，比如將“非遺”展品進行重點處理，與展品相關的視覺元素進行概括化處理，達到烘托展品的效果，展品部分即為“實”，視覺元素即為“虛”。在我國眾多的“非遺”展館中，有不少優秀的案例便運用了此關系。中國傘博物館作為全國首家以傘為主題的博物館，綜合展示了傘的文化、歷史、故事、制作工藝等，其中一個場景是對《雨巷》這首詩詞的還原，近景中打著油紙傘的女孩以及左右兩面高墻的實化處理，遠景畫面則運用墻繪的方式虛化處理，在節省空間的同時給觀者一種朦朧、寫意的感受。

受虛實關系的啟發，我們可以引出多對相對關系，如明與暗、動與靜等。這些相對關系符合我國傳統文化中講求陰陽平衡的特點，這是對自然規律的一種敬畏和學習，老子云：“人法地，地法天，天法道，道法自然。”自然界中的一切都將道視為規則，而道法自然的規律為法則。在具體“非遺”展陳設計實踐中若能巧妙地運用這些體現自然法則的相對關系，便能更好體現我國“非遺”文化的精神內涵。國外不少優秀的案例值得我們去學習，如新加坡國家博物館的展陳設計中便多次運用了明暗處理的手法。在對海岸場景的營造中，頂面統一進行噴黑處理，水紋投影燈投射到地面，形成波光粼粼的海面效果，天空的“暗”與海面的“明”形成鮮明對比，在對于綠植場景的營造中，頂面同樣是噴黑處理，用來弱化視覺感，射燈穿過大樹投影出綠樹成蔭的效果，讓人身臨其境，場景氛圍感十足。新加坡作為一座海島城市，綠化覆蓋率廣，設計師通過這些巧妙的設計手法來加深游者對于這個城市的印象。明暗相對關系的處理運用，使得整個展陳空間和諧統一且充滿活力。

三、國畫藝術的色彩理論對展陳色彩設計的啟發

在“非遺”展陳中，色彩作為一個十分重要的視覺元素，在參觀前便會給觀者先入為主的第一印象。在參觀過程中，不同的色彩會帶來不同的視覺沖擊，而在參觀之后，腦海中印象最深刻的還是色彩所帶來的感受，可見能否用好色彩，決定著整個展陳設計的成功與否。

目前國畫藝術中關于色彩的論著并不多，比較有名的是南朝宋畫家宗炳所做的《畫山水序》，其中提道：“以形寫形，以色貌色”，即要真實地描繪物體的顏色，體現了我國傳統樸素的色彩觀。南朝畫家謝赫提出“六法論”中的“隨類賦彩”，即根據描繪對象種類的不同，如植物類、動物類、山川類、建筑類等，賦予不同種類不同的色彩，而“賦彩”是繪畫者主觀的行為，作者可以真實描繪自然物的色彩，也可以將自己內心深處的色彩感覺通過繪畫來表達[4]。在“非遺”展陳空間中，除了展品原有的色彩，設計師需要根據不同的展陳主題，賦予不同的展陳色彩，每個空間都需要有一種或多種主題色來襯托展品，通過天花、地板、墻面、陳列臺、燈光等方面來進行表現，營造獨特的色彩氛圍，達到調動觀者情緒的效果[5]。比如紅色讓人感受到愛與熱情，綠色讓人感受到自然與健康，藍色讓人感受到冷靜與純潔，紫色讓人感受到神秘與高貴。主題色的選擇是設計師的主觀行為，可以根據展陳主題內容進行選擇，也可以根據自己的感受賦予獨特的主題色彩，但是不能違背“隨類”的原則，做到色彩運用的豐富且不雜亂。

古琴作為中國士人文化的代表，具有豐富的文化內涵和象征意義。浙江省博物館非物質文化遺產及古琴部分，設計師為了突出展陳空間的“深邃和高雅”，將藍色作為展陳主色調，而對伯牙彈奏《高山流水》這一場景進行還原，采用了寫意的白色人物雕塑，同時結合水墨動畫作為背景，以表現伯牙陶醉其中的和諧情景。展廳整體色彩氛圍營造的比較好，再結合著燈光、伴奏的烘托，代入感極強，觀者游覽其中仿佛置身于琴瑟和諧的寫意世界。

四、結語

我國的博物館展陳藝術起步較晚，20世紀90年代，隨著我國博物館與國外博物館之間的業務交流，國內展陳設計水平顯著提高，展覽形式也從之前的長期基本陳列向短期臨時展覽轉變，如此一來，展覽活動急劇增多，正是給“非遺”保護提供了良好的平臺。近幾年“非遺”展館以及大大小小的“非遺”專題展覽隨處可見。隨著展覽活動的增多，難免會出現展陳形式的單調與重復問題，且有不少展陳的設計手法借鑒國外的展覽，并不是說國外的設計手法就不好，而是“非遺”這一展項比較特殊，展陳的形式要根據“非遺”展項的特點進行設計，且展示過程需要體現中國傳統文化的精神內涵。在這個大背景下，我們需要去尋找能體現我們本土文化的展陳形式，在不失文化內涵的前提下注重展覽的參與性和互動性，從而豐富展陳形式。本文探討的國畫藝術在“非遺”展陳設計中的應用，希望能為讀者打開一種思路，通過對傳統藝術門類的借鑒和學習，尋求解決問題的出路，用傳統藝術來服務我們的“非遺”展陳，從而實現非物質文化遺產的保護與傳承。

參考文獻：

[1]宋向光.當代我國博物館展陳發展現狀及趨勢[J].中國博物館，2015（3）：82-87.

[2]李可染.中國畫的筆法[J].東方藝術，2014（16）：138-141.

[3]何廣慶.試論國畫寫意中的虛實關系[J].三峽大學學報（人文社會科學版），2010（3）：110-113.

[4]項國濤.中國畫的色彩運用[J].美與時代（中），2020（4）：14-15.

[5]陸甜甜.試論博物館展陳設計中的色彩運用[J].文物鑒定與鑒賞，2019（22）：109.

作者簡介：原昊地，中北大學藝術學院藝術設計專業碩士研究生。