格里格《鋼琴改編套曲》作品52號演奏分析

袁卉

摘要：19世紀末歐洲掀起了民族主義的浪潮，挪威作曲家愛德華·格里格帶領挪威民族音樂走向世界，他的音樂根植于挪威民間音樂，并借鑒歐洲浪漫主義音樂的寫作技法，創作出獨具挪威民族特色和濃厚鄉土氣息的音樂，他的音樂作品改變了我們對浪漫主義音樂的思考方式。《抒情小品集》《挪威舞曲》這些格里格最具代表性的作品時至今日仍是上座率極高的音樂會曲目，這套《鋼琴改編套曲》作品52號作為格里格創作成熟期的優秀作品，卻鮮為人知。本文試圖從作品內容和演奏技法方面對這套作品中的6首樂曲《母親的憂傷》《第一次相遇》《詩人的心》《索爾維格之歌》《愛》和《年邁的母親》分別進行闡述。

關鍵詞：格里格? 作品52號? 藝術歌曲? 鋼琴演奏

中圖分類號：J605??文獻標識碼：A?文章編號：1008-3359（2021）16-0033-03

一、格里格生平及《鋼琴改編套曲》作品52號介紹

挪威作曲家愛德華·格里格（Edvard Grieg 1843-1907）無疑是“斯堪的納維亞之心”。生活即音樂，他15歲前往德國萊比錫音樂學院學習，在那里他接觸到了世界一流的藝術家們，舒曼、瓦格納、門德爾松的音樂種子已深深種在格里格的心田;在日后的生活里，他同妻子尼娜（歌唱家）幸福的生活，并游歷斯堪的納維亞半島，這些經歷無疑給他日后的創作儲備了充實的養分，形成了他鮮明而獨特的音樂語言。

這套《鋼琴改編套曲》Op.52由《母親的憂傷》《第一次相遇》《詩人的心》《索爾維格之歌》《愛》和《年邁的母親》六首樂曲組成，均選自格里格的藝術歌曲作品，并于1890年二度創編而成。

二、藝術歌曲

藝術歌曲，是指“歌詞采用著名詩歌，曲調抒情，運用器樂伴奏，結構短小精悍”的聲樂作品。最早可追溯到11世紀的德國抒情歌曲，到了18世紀下半葉，迎來了藝術歌曲的黃金時代。“興于詩，立于禮，成與樂”①，7000公里之外的日耳曼民族音樂家們，也在樂思噴涌地進行詩樂不分家的藝術歌曲創作，這其中尤以舒伯特、門德爾松、舒曼為代表。格里格掌握了德奧作曲家們豐富的藝術歌曲體裁特征，憑借自己的創作理念與音樂語匯擴充了藝術歌曲的數量、內涵和意義。格里格重視對歌詞意義的表現，因而其對詩歌的再創作，絕非簡單的選詞譜曲，而是通過民間音調和精雕細刻的藝術提煉，借景物抒情，在野獸和巖石之間、在峽灣與山脊之間，通過音樂意象化的描繪，傳遞文字內在的深層意蘊，凸顯強烈的民族意識，蘊含豐富的情感和人生哲思。藝術歌曲的演奏，通常要注意以下三個方面：

（一）速度的把控

格里格藝術歌曲鋼琴伴奏對于速度的要求極為嚴苛，正確的速度有時也代表正確的人物形象與人物感受，所以在伴奏時必須把握好速度，根據歌曲風格以及作曲家明確的速度術語標注進行演繹。

（二）情感的滲透

格里格藝術歌曲通常會出現2至3次的主題反復，這就要求伴奏者需要掌握較強的和聲知識、良好的語言理解能力以及非常縝密的音樂思考能力，為此才能幫助歌手更好的推動情緒表達，使伴奏與旋律交相呼應，充分展現藝術歌曲的魅力以及其中深藏的文學意蘊。

（三）力度的控制

情感的變化離不開力度的變化，因而在藝術歌曲的鋼琴部分還有一個最需要注意的問題便是力度的控制。鋼琴伴奏與演唱者需要進行默契的配合，為達到強弱上的一致性時，就需要做到共進退;為突出演唱部分，鋼琴伴奏就要處理的微弱一點，起到烘托作用。所以，只有在充分理解作品的前提下，精準按照譜面情感標記和強弱變化演奏，給予演唱者足夠的發揮空間，才能使作品得到較為完整的二次詮釋。

三、演奏技法分析

下文以德國彼特斯出版社出版的《格里格鋼琴曲集》第二卷樂譜為依據進行分析。

（一）母親的憂傷（Mutterschmerz/ A Mothers Grief）

此曲講述一位母親沉浸在兒子失明的悲慟中有感而發喃喃自語般的憐憐之情。都說格里格是北歐的“肖邦”，如果你聽過肖邦那首《降b小調夜曲》，這份悲涼或許就是降b小調所特有的莊嚴與虔誠。樂曲開頭以I級分解和弦在小字三組輕柔的奏響美好的回憶，轉而由四組低音區和弦打破美好幻想，自樂曲第11小節起，旋律進入小字一組演奏，發出悲傷地感嘆。這一部分在演奏時要非常注意指尖觸鍵時的音色變化，穩定的手指觸鍵，加上放松靈活的手腕，以及少量的手臂重量可以帶來空靈且縹緲的音色效果，隨之深邃性的歌唱旋律加入，更需要去注意手力觸鍵，尤其是對演奏者手腕部分的力量有著嚴格的要求。36小節起，樂曲旋律聲部由單聲部旋律轉變成四聲部旋律，演奏者則需要突出小指的旋律線條，與此同時，2、3指的雙音演奏還需要有自如的獨立能力，盡管此時樂譜中標注的連線是一小節一換，但是考慮到這原本是一首藝術歌曲，實際演唱旋律以及音樂歌詞語義應為四小節一大連，切不可演奏得過于拖沓、散漫。

（二）第一次遇見（Erstes Begegnen/The First Meeting）

此曲描繪年輕戀人們第一次邂逅時對自然的美好感受與贊美，需要我們注意的是全曲多次出現速度術語的標注（例：un poco stretto一點一點加快 、poco rit逐漸減慢），但這并不意味著絕對的自由，需要配合樂譜看清楚，與之相對應的是四個強調/持續音（tenuto）標記，所以掌握好這四個16分音符的演奏方式會幫助演奏者得到一個最佳且合理的“自由”速度。

樂曲第二部分（28小節起）進入一個和聲的堆疊世界，需要非常仔細的聆聽左手的平衡，突出根音八度的演奏，弱化內聲部的和弦，由面為點，大珠小珠落玉盤，正如肖邦的那首降D大調《雨滴前奏曲》，聲聲前進，直至大雨磅礴回歸安寧。另外一個需要關注的技術就是28小節起，右手出現了八度旋律F-G——A，此時為了獲得穩定且漸強的旋律，建議使用5-4-5的上聲部旋律指法，下行C-B-A-G漸弱則可采用5-5-5-5的指法。

樂曲最后一句尾聲出現了四組裝飾音，為了彈清楚這四組裝飾音并且將它們同后面的十六分音符區分開，演奏時需要使用更敏捷的速度來演奏這些裝飾音。由于最后四小節的主音都是降D，因此建議使用一個延音踏板來完成這四小節，但是踏板踩下的范圍應該有所控制，并且隨樂句漸弱釋放至踏板1/3處。

（三）詩人的心（Des Dichters Herz/The Poets heart）

《安徒生童話》幾乎是每一位讀者幼時的枕邊書，這首作品的藝術歌曲版本最早收編于格里格1864年創作的《心的旋律》作品號5中，四首作品以安徒生的可愛抒情詩為詞，格里格從安徒生那里受到了民族情懷的感染，受到鼓舞的格里格于1864年創作了這套作品，獻給安徒生以表感謝。

作曲家開頭給出的速度術語是非常開朗和激動（Allegro molto ed agitato），要知道格里格一生經歷了挪威民族獨立運動高漲的年代，此刻安徒生心里的吶喊恐怕也恰好是他的心聲，密集的16分音符分解和弦伴奏織體仿佛波濤洶涌的浪花一樣，需要極其穩定的手力觸鍵，良好的手腕轉動能力能幫助演奏者獲得更好的聲音運動感。尤其是最后一段，格里格給出了急板（Presto）的速度標記，音域從大字組F一路奔涌至小字4組，最后結束在一個強有力的#f小調主和弦上，仿佛他心中的獨立運動在此刻得到了勝利！在彈奏時，手臂應自如的伴隨樂句運動，左手5指能給出濃厚的根音，并能隨之下放手臂的重量，推動至最后強悍的爆發。可以嘗試的是，此段建議使用長的延音踏板，猶如印象派作曲家繪景法的音樂手段，給予更多朦朧的意境色彩。

（四）索爾維格之歌（Solvejgs Lied/Solveigs song）

這首《索爾維格之歌》被挪威人民視為對愛情忠貞不渝的象征，主人公索爾維格用一生的愛來癡癡等候。格里格通過音符繪寫索爾維格的孤傷寂寞和無奈。從這首作品中可以看出，準確而細致的人物形象刻畫是格里格所擅長的，他將清澈透明的旋律線條與清淡的色彩相交映，使得作品中人物的形象濃烈而深情。

本曲第二部分調性轉到同主音大調，音樂色彩變得絢麗爛漫。雖然原本的歌詞旋律只有一個“ah（阿）字”，但借助旋律和節奏的變化，將索爾維格內心期待和美好幻想層層推進，因此在演奏此樂段時精準的把握好連續的三個附點節奏型可以更好的將這種期盼的情緒進行有效的渲染，這就要求演奏者要充分設計好強弱的變化，用輕盈的音色去感觸琴鍵，如果這些時值較短的音符被演奏的過重過長，那便失去了挪威民間舞蹈的搖曳元素，音樂形象便也一同失去了。

本曲第三部分出現了大量的琶音，但是有太多的停頓，這里有兩條建議，一是在練習此段落時找到三連音，連續的四個32分音符，以及五連音的感覺，但這一切僅限于練習，直到可以自如且敏捷地演奏出這些琶音;二是若能在彈奏中模仿出可挪威民樂哈當格爾小提琴與風琴的泛音效果，便能快速獲得演奏此類琶音的要領。

（五）愛（Liebe/Love）

1864年是格里格同妻子尼娜訂婚的那一年，三年后他們正式結為夫婦。這首作品恰是在這幸福的三年中所創作的。

既然和“愛”這種美好的感受相關，一個重要的詞——旋律便會出現。本曲先后通過右手5指演奏旋律，右手1指演奏旋律以及八度演奏旋律分別刻畫不同的內心感受，這便對演奏者的技術提出了較高的要求，較好的手指獨立能力是確保旋律完成的關鍵，既能把握住旋律聲部長線條的連貫性，又能控制住內聲部的獨立與穩定性，在練習這三部分時建議先用左手幫助演奏旋律/內聲部（如旋律在上方，則用右手演奏旋律，左手演奏內聲部，反之則用左手演奏旋律，右手演奏內聲部），這會非常快速且有效的幫助演奏者獲得正確的內心聽覺，確保不會出現大量的停頓以及找不到旋律線的問題，接下來可以用右手獨立嘗試模仿兩手的音色，但是旋律聲部一定要小心，飽滿地運用指尖以獲得熾熱如歌的旋律。

（六）年邁的母親（Die alte Mutter/The old Mother）

這是六首套取的最后一首作品，它的藝術歌曲版本也是6首曲目中創作時期最晚的，故事從《母親的憂傷》講述至《年邁的母親》，仿佛描寫了母親一生的光景，有美好，有躊躇，有幸福，有傷慟，所有的人間百味重疊交織，復雜的感情難以釋放，這也是六首曲目中最難把握的一首。

在彈奏時速度不要太慢，重要的是彈出簡潔莊重并略帶挪威猶豫心態的內在感，同樣的四聲部1、5指旋律交替出現，同第五首《愛》的練習方法。樂曲的第二部分是比較復雜的，先是運用了一小節3/8的節拍打破穩定的訴說，接著回歸6/8的節拍，采用流動的伴奏分解和弦伴奏音型，連續的三連音與四連音的交替出現將內心的惴惴不安、激動表現的淋漓盡致，但這對演奏者卻很棘手，首先為了確保絕對的節奏準確性，演奏者必須用較慢的速度進行變節奏的練習;其次為了保障左手穩定的跑動，轉指時的1、4指必須不留痕跡，所以手腕的轉動能力非常重要，跑動結束后緊接的那幾個琶音需要使用手臂的力量來幫助5指迅速的抓住根音，達到流暢自然的聲音效果。根據作曲家的音樂術語標記更加慢（piu lento） 、漸慢 （ritardando），所有的一切既結束在最初的美好回憶中，又結束在無奈嘆息中，所以踏板在變化音處需要小心的更換，但是最后兩個和弦需要保留印象主義的朦朧感，使音樂有更遠的延續。

四、結語

本文結合作曲家的生平經歷、音樂特色，從演奏技法的角度分析了《鋼琴改編套曲》作品52號。作曲家在他的創作后期再次將他珍愛的藝術歌曲改編成鋼琴作品，早在1869年格里格受國家津貼前往意大利與鋼琴之王弗朗茨·李斯特等一眾意大利藝術家進行交流學習，很難釋義格里格是不是受到了李斯特鋼琴創作技法的影響進而決定將自己的藝術歌曲進行鋼琴演奏版本的二次編配，但是這些新的火花和靈感的確可以在他的作品中一窺堂奧。

格里格的風格是建立在德國浪漫主義音樂傳統基礎上的，但隨著格里格內心思想的逐漸發展，他的民族意識逐漸增強，他的目標是創造一種民族音樂形式，從而賦予挪威人民以個性。他作品的偉大之處不僅在于此，還在于他成功地表達了思想和情感，這些思想和情感在任何地方都可以被認識到。回歸到這首作品，猶如一顆寶石，如果可以細細品鑒，便能從中發現格里格音樂特征的縮影，也能更好的幫助演奏者在富于歌唱性的演奏以及聲部均衡的手指表現力上得到更好的提升。

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