為什么說電子樂是“來自未來的聲音

”

時尚與音樂都是組成流行文化的重要部分，二者有著各自的領地卻又相互依存。從Glam Rock的代表人物David Bowie，到僅靠更衣室里的二手演出服就孕育出BOY-London這樣的品牌的樂隊Duran Duran，時尚界向來不缺從音樂中獲取靈感的時裝設計師；而時裝也能給予音樂人以啟發，A$AP Rocky攜手Playboi Carti等說唱歌手共同創作的重磅單曲《RAF》便是近年來最好的例子。

在音樂與時尚的化合反應中，除了用兩個文化領域間關鍵人物的連鎖推動，“科技”更是被視作源自于兩個流行文化的投影背后的“催化劑”。

隨著 Cubase、FL Studio 以及Ableton等 DAW（DigitalAudio Workstation）的普及，獨立音樂人群體的壯大成為近十年最為顯著的音樂趨勢之一。不少來自于傳統音樂工業領域的反叛者們視DAW為“自下而上的音樂技術革命”。

電子音樂的異軍突起，被視為傳統音樂行業的解藥。合成器和計算機的誕生，為現代電子樂的發展提供了物質條件。音樂領域內的技術變革不斷推動著電子音樂前行，并成為其最重要的驅動力。

在Daft Punk的經典專輯《Random Access Memories》中的單曲《Giorgio by Moroder》中，意大利電子樂先驅 Giorgio Moroder自述：“我想我會用合成器……我確信那就是來自未來的聲音，而我從未想過，這一舉動會對未來的音樂世界造成如此深遠的影響。”

隨著 Disco音樂的落幕，EDM（Electronic Dance Music電子舞曲）、House以及Techno和俱樂部文化一起轉入地下，電子音樂進入了一段增長卻聲量式微的詭異階段，就算是具有相當遠見的Kraftwerk，在進入20世紀90年代以后也不得不放慢了自己的腳步。

電子音樂人們開始尋求不同的方式以達到新的突破：有的藝術家選擇“裝置音樂”，意圖通過重新呈現電子音樂出現之前的樣貌而找到通路；有的音樂人則繼續尋求形式上的變化；更多的音樂被創作出來，卻有著同樣的面貌。電子樂進入發展的瓶頸期：音樂陷入風格的同質化競爭，創作形式也變得單一。

“聽覺+視覺”成為了是電子樂發展難題的最優解：二者相互彌補了對方的不足，并且將單一的“音樂”形式拓寬成具有多向輸出能力的“多媒體”，對需要依靠另外一種物質載體以實現感性化的藝術表達方式進行疊加，從而得到了一個自洽的系統。

近年來，一批以“廠牌”面貌出現的創意機構開始浮出水面。不再強調單一的輸出路徑，音樂、平面藝術、影像、服飾設計等業務的組合成為它們的創作方式。引領了街頭服飾潮流并將影響力延續至今的DONDA、從科技布料公司轉型為創意機構的 ACRONYM、設計機構fragmentdesign等均是其中的佼佼者。

如將目光投向亞洲，88rising的崛起則是這一流行趨勢的最佳代表。除了在街頭文化以及青年文化領域間游刃有余，88rising將“視覺”融入“音樂”進行推廣的方式正是其憑借著黃色的面孔卻能敲開歐美市場的秘訣。

這一創意廠牌最新設立了司職電子樂的子廠牌“House of Jade”，意圖將“Asian Power”帶到電子樂的世界舞臺上。比起傳統的電子樂廠牌，House of Jade所具有的優勢不僅來源于其身份定位的特殊，更是源于母廠牌88rising給予了視覺呈現方面的支持。結合了音樂、時尚、科技以及俱樂部文化等諸多元素的電子樂廠牌是當下亞洲流行文化場景中不可忽視的新生力量。■