塵封的優雅

任何一個時代都不乏美的身影，但能成就時代美學的攝影師卻寥寥無幾。20世紀，時尚攝影大師郝斯特（Horst P. Horst）用他的攝影重新定義了“優雅”，他為《VOGUE》雜志拍下了無數經典佳作。麥當娜的單曲《VOGUE》便是致敬他在那個年代拍下的經典作品，重新演繹他鏡頭下的時尚精神。而這些為數不多的彩色攝影，更加凸顯出郝斯特對時尚的敏銳觸角和精湛把握。

2014年，英國維多利亞阿爾伯特博物館以一場名為“Horst：Photographer of Style”的攝影展覽，向這位大師獻上自己的敬意?！霸谥T多藝術家、設計師、表演者們的作品里，我們都能看到許多郝斯特的風格印記：Bruce Weber、Herb Ritts、Robert Mapplethorpe等人，他們都深受郝斯特的影響?！碑敃r的展覽新聞稿這樣寫道。

很少有人知道，這位攝影藝術家最初是作為俊美的模特出現在鏡頭前的。本打算未來做一名建筑師的他，青年時期在巴黎游玩時，誤打誤撞地與當時《VOGUE》雜志的首席攝影師George Hoyningen-Huene相識。

這次會面徹底改變了郝斯特的人生軌跡。很快他成為了Hoyningen-Huene的助理以及親密愛人，甚至還作為模特出現在了后者的鏡頭下。Hoyningen-Huene最經典的作品——一張展現一對青年背對鏡頭眺望大海的照片——其中那個健壯的男模便是由郝斯特客串的。除此之外，Hoyningen-Huene還教授了郝斯特諸多關于攝影的知識和技能，并把他介紹給時尚雜志界的重要人物。法國版《VOGUE》最先刊登出了郝斯特轉行做攝影師的早期試驗作品，緊接著美國版《VOGUE》雜志也發出了拍攝邀請。在Hoyningen-Huene與《VOGUE》雜志的編輯鬧翻并憤憤出走后，郝斯特自然而然頂替了他的位置，成為了那個時代新的時尚美學定義者。

可能是早年主修過建筑學的緣故，郝斯特的照片布景總有著線條分明的層次感和邏輯感，并融合當時盛行的達達主義和超現實主義風格，構成復雜與條理并存的空間結構。一般來說每次拍攝前，郝斯特都要花2～3天來精心布置場地。雕塑、相框、鏡子等都是郝斯特照片中常出現的道具。例如1937年郝斯特為時裝設計師Elsa Schiaparelli拍攝的一張肖像照，便既像設計師依靠在圓窗旁邊，又如同掛在墻上的鏡面折射出的倒影。

郝斯特之前的時尚攝影師，工作時常是事無巨細地展現拍攝對象的全部細節，盡可能把時裝和人物的全貌都用鏡頭捕捉到。而郝斯特則是利用巧妙的布光技巧，簡單展現拍攝對象的一個側面，將剩余的部分用陰影隱去，使得拍攝的主題更顯集中?！昂滤固卮蚬獾氖址ㄊ志哂袘騽⌒浴?，策展人Brown介紹到，“比如如果要拍攝一件深顏色的時裝，他會故意把光線全都集中在服裝上面，而模特的面部則是被影子籠罩著?！泵绹妗禫OGUE》雜志的前美術總監Mehemed Agha也曾講過：“郝斯特使用拍攝打光的方式是博物館展覽布置時才會用到的技巧：三維立體化，充滿戲劇化元素，又不會顯得過于魯莽?！?/p>

郝斯特的技藝高超足以叫那些最難搞的人物也不得不佩服妥協。傳奇女演員瑪琳·黛德麗就是其中的一位。這位女演員總是指揮著攝影師要像自己信賴的導演那樣進行打光。“黛德麗總有一套自己的主意。所以每一次拍攝，我們都要進行兩遍：按她的方式來一次，再按我的來一次?！焙滤固赝砟昊貞浀?，不過最終黛德麗還是采納郝斯特堅持的方案。

那個年代的拍攝，并不是一個動態的過程，你需要集中精力屏氣凝神，才能確保每一張底片不被浪費，每一個細微之處都得以保存。在《郝斯特：他的工作與他的世界》一書中，郝斯特曾生動地描述過自己的拍攝過程：“你需要先把模特定位好，再裝好膠片和做好取景。在按下快門后，由于不知道確切的曝光時間，你需要同時盯住模特和相機，還要注意用秒表把握好時長，因為在這個過程里模特們連眼睛都不能眨一下（有時甚至要持續幾十秒），所以實際上我覺得拍攝人物也就像是靜物拍攝一樣。”Rizzoli出版社的《郝斯特：攝影60年》一書中則寫道：“郝斯特像是個工匠，他常常一個人頭天晚上就把拍攝的場景布置好，燈光道具都各就其位。拍攝過程中沒有對模特們挑逗指揮，有的只是專心。”

郝斯特最出名的作品，莫過于1939年拍攝的“Mainbocher Corset”了?！爱敃r我們是在深夜里進行拍攝，凌晨4點才離開攝影棚。等到早上7點，我已經乘上去諾曼底，再轉機到美國的火車了。”這張郝斯特在巴黎被德軍攻陷之前拍攝的作品，雖然行事匆忙，卻因此增添了些許自然和微妙的緊張感。照片中，模特以背部示人，大部分的肢體和面孔都隱秘在黑白光影中，只有那一件Mainbocher的緊身胸衣，后面的系帶半是解開著，似乎隱約透著莫名的倉促感。把照片放大，觀眾們還能清楚地看見攝影師故意將胸衣的腰部改緊一點的痕跡。修改雖然減少了原本松解胸衣的情色感，但也的確印證了戰爭來襲前的緊張情緒。而精巧的構圖比例在后世的攝影史中，也常被人拿來模仿。

盡管郝斯特是以黑白雋永的風格聞名，但當彩色攝影成為時尚影像的主流時，他同樣創作出了諸多叫人過目難忘的作品。1940年6月號《VOGUE》雜志的封面，郝斯特便是拍攝下了模特用肢體動作擺出“VOGUE”字樣的身姿，深藍色的運動裝與黑色的背景襯托出模特寧靜的神情;次年的另一張封面，則是展現了一位模特用雙腿玩弄著粉紅色健身球的樣子。最終的成品中圓球還被巧妙用來替代“VOGUE”中字母O的位置，更使得這一作品被人深記。20世紀40年代末在拍攝Schiaparelli時裝時，郝斯特則依舊將模特的大部分身形隱藏在了光影里，只留得背部扎眼的的“shocking pink”粉紅色蝴蝶結裝飾點亮整個畫面。

郝斯特不僅僅是一位攝影師，他與鏡頭前的名流人物同樣關系親密。他是黛德麗等好萊塢女星最信任能幫助自己隱去照片中歲月痕跡的攝影師;香奈兒則表示郝斯特拍出了自己最愛的肖像照?！跋隳蝺阂恢本芙^媒體拍攝其設計作品，更別提她自己了。結果有一天《VOGUE》辦公室驚奇地接到了她改口同意進行拍攝的口信，但要求必須由我來擔任攝影師。”郝斯特在自傳中回憶道。顯然這些人都知道，郝斯特永遠會捕捉到自己最好的一面。

郝斯特沒有顯赫的家境為自己提供充足的時尚修養教育，一切只是靠他的天生悟性和后天努力不斷摸索出來的?！爸坝腥嗽谧鲆槐娟P于Dior時裝的書籍，向我要過照片，結果我根本不知道，自己拍攝過的裙子里哪一條才是Dior的”，郝斯特曾經打趣道，“不像Huene，他出生貴族，從小接受過關于優雅、時尚的美學熏陶。我卻需要后期從頭現學，并努力用鏡頭捕捉到這些?！?/p>

而當社會風氣發生變化時，郝斯特努力塑造的精巧氛圍很快也顯得不合時宜起來。更何況在潮起潮落十分迅速的時尚界，人們對于圖像效果的追求也常常是喜新厭舊。20世紀五六十年代，在Richard Avedon、Willian Klein、David Bailey等人充滿動感和頹廢的風格成為時尚編輯和讀者們的新寵后，郝斯特被擠出了潮流。

“時尚潮流更迭迅速，何況時尚雜志的攝影風格還常常被藝術總監和時裝編輯們控制著，所以在后期郝斯特就顯得有些落伍了?！盉rown感嘆道。但那是一段無法重現也無法再復制出來的優雅時光。像是在1992年的一部紀錄片中，攝影師Bruce Weber講的那樣：“郝斯特的照片里人物總是給人一種難以觸碰的距離感，就好像是來自另外一個世界一樣。你情不自禁地會對他們產生興趣，想知道他們的故事，幻想同他們相愛?！?/p>

而對于郝斯特來說，從潮流中抽身而退似乎并沒有那么不堪，重要的是自己從始至終對專一美學的不斷堅持，而不由他人告訴自己該走何路。“可能對于有些人來說，優雅這個詞已經變得有些做作矯情。但對我個人而言，還是視其是一種吸引力十足的人格魅力，一種真正能達到身心統一的理想狀態。”