淺析歌曲《紫羅蘭》的演唱技巧及情感表達

郭 媛

《紫羅蘭》這首歌曲的作者是斯卡拉蒂。他師從于阿爾卡杰羅科萊，羅馬教皇封他為騎士的多產音樂家，更是那不勒斯樂派的創始人。他是文藝復興時期擁有最多作品的作曲家之一。他還創辦了著名的那波里音樂學校，許多優秀的音樂家都是從那里畢業的。斯卡拉蒂創作的音樂作品體裁多樣，包含了各種音樂題材。這首《紫羅蘭》就是他的代表作之一，也是學習美聲唱法最常用的、最經典的作品之一。這首歌曲簡潔、活潑，速度適中，整體音域不是很寬，沒有過高的高音，很適合學習聲樂時間不長的學生，通過這首曲子來練習氣息的支撐，頭腔的共鳴，以及咬字和發音是適用的。而且這首樂曲情感單一，對于不太容易表達情感的學生來說，也是一首能練習感情抒發的曲子。

一、歌曲《紫羅蘭》背景分析

《紫羅蘭》選自歌劇《皮羅與德邁特利歐》。這首歌曲講的是一位名叫馬里奧的男子在花園里思念自己心愛的女子。全曲通過描繪了一朵紫羅蘭若有若無美妙的身姿，直到歌詞里說的“好像說我過分奢望”來暗示愛慕的女孩兒如花般美艷、沁人心脾。

這首作品的特殊之處是運用了欲揚先抑的寫法和旋律運用朗誦式的節奏音型進行。全曲三段歌詞基本一致，不同的是每段的音樂特征，這也是這首歌曲的魅力所在。

《紫羅蘭》的歌詞像一束光照耀出文藝復興時的人性，充滿了文藝復興時期的人文主義思想。它否認禁欲主義，它是開放的，贊揚人、贊揚生命、贊揚大自然、贊揚美和愉悅。所以，文藝復興時期藝術的主要內涵就是：人們對生活的熱愛，大膽歌頌愛和自然，這些經典的意大利歌詞就表現了人們提倡理性，追求人性的發展，強調情緒和感情的表達。他們用一個現實存在的物體，通過對這個物體的描寫來充分表達自己的情感，既是典雅、溫馨、流暢的，又是有趣、含蓄、高貴的。

而斯卡拉蒂就是通過對紫羅蘭的描寫，暗示了自己內心的情感。這首《紫羅蘭》的誕生就與人文主義有關。

二、歌曲《紫羅蘭》曲式分析

《紫羅蘭》是斯卡拉蒂流傳最為廣泛，也是被世人皆知的一首歌曲。全曲旋律活躍優美，歡快明朗。這首歌曲通過描寫紫羅蘭亭亭玉立，似少女般的嬌羞儀態，來表現少女優美、婉轉、莊重的品行。歌曲是帶有回旋性質的三部曲式。調式從g小調轉到降B大調。第一樂段的前三小節是引子，隨后由4＋2＋2小節組成。整個段落是紫羅蘭形象的第一次展示，因此作曲家用鋼琴伴奏的部分為人聲的部分附和來共同完成每次的模進，好像一問一答，不僅富有情趣，而且充分拉開了音樂的線條，讓整個樂曲充滿了活力和生機。這一段旋律生動活潑，富有歌唱性，而且音域的跨度適中，以中音區的音階為主。第一段的結尾第22小節結束在g和聲小調上。

第二樂段的歌詞和旋律與第一段基本一致，音樂旋律依舊輕快，但仔細聽還是會發現不同的地方。斯卡拉蒂用細微的變化手法讓其與第一段產生不同，不僅讓音樂的朗誦性風格大大提高，而且第二段的音樂讓人聽起來雖然熟悉但又有新鮮感。音樂的后兩句出現了跨度較大的音區跳進，擴大了音樂線條的起伏感。在結尾處出現了大小調的轉換和那不勒斯終止和弦，給作品的意境添加了音樂色彩。在樂段的后半部分中，主旋律的伴奏被割舍，音樂語言更加緊密，這也是和第一樂段的區別所在。

第三段的歌詞大大縮減，歸納了樂曲的主旋律，綜合了之前樂段出現過的音樂材料，如節奏的弱起，歌詞的重復等。但是也有自己的個性之處，比如運用了朗誦式的節奏音型，伴奏與聲樂遙相呼應等。最后以輕快明朗的風格結束在降B大調上，起到了畫龍點睛的作用。

全曲布局巧妙，雖是復三段結構，每段的歌詞大意也都相似，但是卻毫無繁瑣重復之感。全曲都在集中描寫紫羅蘭若有若無，隱藏在綠葉之間的美麗形態，直到歌曲的最后才用“仿佛是我過分奢望”的歌詞體現了斯卡拉蒂對這位如花般美麗可愛的姑娘的愛慕之情，其運用欲揚先抑的手法激活了全曲。

三、歌曲《紫羅蘭》演唱技巧

（一）呼吸與聲音的保持

《紫羅蘭》這首歌曲輕快活潑，句子短小，還有一些華彩及裝飾音。因此演唱這首歌曲的時候，就要求演唱者的聲音賦予靈活跳躍的感覺，音斷氣不斷。幫助演唱者練習氣息的支撐，加強頭腔的共鳴，使真假聲轉化自如。對于聲帶緊張，腰腹的力量不夠的學生來說，演唱這首《紫羅蘭》可以幫助他們改掉這些毛病。

想要唱好這首歌呼吸是最重要的。如果想有輕松透亮的聲音，氣息的練習是不可缺少的。所以在學習聲樂的過程中，科學的呼吸方法是唱歌訓練中最基本的環節。在平時的練習中，為了增加橫隔膜力量，應該更加注重跳音的練習，快速的呼吸能很好的感受橫膈膜的力量。隨后可以運用到這首歌曲當中，用歡快的節奏旋律來幫助練習腰腹的力量。有了腰腹的力量，這首歌曲才能唱出歡快跳躍的感覺。

節奏快了當然句子之間的換氣也是有講究的，不能隨心所欲，要根據音樂表演技巧來換氣。這首歌曲旋律多樣，決定了每句有長有短，休止也有長有短，如果每句之間相隔的時間較長，就能夠充分做好吸氣的準備，如果旋律較快，間隔時間較短，這時，我們的呼吸肌肉就應該增加緊張度，控制好換氣的尺度。這首歌曲的表演雖然簡單，但是它通過呼吸表達出來的感染力，是其他表演形式不能比擬的，這也是這首歌曲的魅力所在。

有了氣息的支撐，想要更好更完整的演唱出這首歌曲，伴奏在這首歌曲中也是很重要的一部分。在歌曲中，伴奏和人聲必須相互配合才能唱得更好。如在《紫羅蘭》的12至20小節中，樂曲的樂句短小，停頓時間較長，這時候伴奏就起到了完美的補充作用。在演唱休止的時候，聲音雖然停止，但伴奏再一次重復旋律，這個時候內心如果跟著鋼琴聲默唱，音樂感覺就會連貫。這時候的伴奏并不只是烘托出人聲的美妙，而是伴奏已經融入歌聲當中，來完成共同表演。這樣重復幾次的音樂處理，就像是鋼琴聲和人聲一問一答，形象而有趣。

因此在藝術歌曲演唱的時候，伴奏和演唱合為一體。鋼琴伴奏幫助歌曲完成了音樂表現，演唱與鋼琴的伴奏旋律相互呼應，就能將作者想體現的音樂特征演唱出來。

比如，在鋼琴的第一拍中，主要描繪了紫羅蘭嬌艷欲滴，自由生長，好像一位俏皮嬌羞的少女一般。第四小節一拍后，歌聲輕快明亮，旋律優美，音程不斷轉換，節奏舒緩，充滿了韻味，讓聽的人好像進入了文學詩歌的意境中一樣。演唱時呼吸緊跟著節奏，優美活潑的演唱風格才會抓住聽者的耳朵。間奏雖然停止，旋律依然在演唱者的心中，高低強弱收放自如，對于演唱者來講在適當的地方換氣是這首曲子的難點，因為氣息控制不恰當會使聲音、語氣失去這首歌曲的靈氣。

有了良好的氣息支撐，演唱這首歌曲就會更輕松。

（二）咬字的圓潤與準確

歌詞是聲樂演唱中必不可少的部分。我們演唱時的咬字、發音會影響到發聲的位置，只有做到字正腔圓才能有好的聲音。在演唱的過程中，有些歌詞容易吐字不清，即使聲音發揮的很好，也由于發音不圓潤，而無法唱出歌曲的美感。所以在發聲練習時常以“a”“e”“i”“o”“u”五個元音為基礎訓練，這五個音包含了開口音和閉口音，可以幫助演唱者練習咬字。雖然嘴型在變，但發聲位置不能變。日常多讀意大利原文歌詞，有助于發聲中找到準確的發聲位置。這首藝術歌曲的音域不是很廣，沒有穿透性強的高音，也沒有厚重的低音，音域適中，對于提高發聲技巧，鞏固聲音位置有很大的幫助。

《紫羅蘭》是一首很好的藝術歌曲，它直白地表明了作者的內心。這首歌沒有人物和劇情，所以在演唱的過程中不能力度過強，自始至終都應該表現出歡快明朗的感情，用溫柔輕巧的聲音來演繹。在歌曲的一開始，聲音不能弱，要積極的把聲音送出去，這樣可以更好的適應明快的音樂，讓我們唱出最好的狀態。聲音要放在高位置上，氣息沉穩，音色就會清澈明亮，像珍珠顆粒一般，吐字雖快但要清楚，才會將這首歌曲表現得更好。

雖然每段音樂的開始都是弱起，但咬字發音不能拖沓。這首曲子的閉口音較多，對于閉口音發音不是很好，聲帶緊張的學生來說，多讀發音有助于放松聲帶，使聲音達到更好的位置，從而得到明亮的聲音。這樣輕松自如的演唱方法是學習美聲唱法過程中的重要演唱技巧，對科學的發聲有很好的幫助。

四、歌曲《紫羅蘭》的情感表達

在歌唱中，積極表達作者的感情也不是一件容易的事情。我們在演唱時要了解作者的創作背景，還要融入自己對歌曲作品的理解，才能更好的表達出作者想表達的感情。在演唱這首歌曲時不僅要唱出樂譜上的表情記號，更要根據自己的理解對音樂的情緒進行二次創作，唱出音樂的起伏，產生更強的感染力，使聽眾也能感受作者的情感。這首歌曲誕生于文藝復興時期，而文藝復興時期的藝術家們想要表達自己內心的感情，就會通過一個載體。作曲家斯卡拉蒂就借助了紫羅蘭這個載體，將心愛的女孩比作紫羅蘭，通過描寫紫羅蘭的優美，表達了對美麗姑娘的愛慕之情。演唱者在塑造人物的時候，把自己當作是斯卡拉蒂，用心感受對姑娘的喜愛之情。

這首歌曲主要寫了紫羅蘭花的美麗形態，并不像其他歌劇詠嘆調一樣有人物劇情和跌宕起伏的故事情節，所以這首歌曲的情感要更容易把握，只是簡單的借助紫羅蘭花來表達對美麗姑娘的愛慕之情。雖然感情單一，但想要在演唱時準確地唱出這種喜愛之情也不是一件容易的事。

當然，要準確表現這首歌曲的情感，是要建立在演唱技巧的基礎之上，氣息和咬字的正確運用不僅能唱出優美的聲音，更能幫助我們表現歌曲的情感。所以我們在演唱這首作品時就要做到聲音輕柔、甜美、活潑、細膩，隨著旋律的進行做到明顯的強弱對比，在描寫紫羅蘭花嬌艷羞澀模樣的時候，聲音輕柔、力度較弱、速度也較慢，加入想像，投入感情，把自己想像成那朵美麗的紫羅蘭花，嬌羞的模樣讓人愛憐，這樣就能形象地表現出花的形態。在唱到作者抒發情感的句子時，情緒激動，隨著音調的上升而激起內心的激動心情，力度增強，速度也隨之加快，再把自己想像成花園中的男子，盡情抒發自己的情緒，這樣就能更容易地表現出作者對紫羅蘭花的喜愛之情，同時也側面反映了對心愛的姑娘的愛慕之情。

結語

通過演唱分析歌曲《紫羅蘭》，筆者的演唱技巧得到提高。在發聲方面，聲音更加清澈明亮，聲帶也得到放松，氣息得到了更好的支撐，在咬字方面吐字更加清晰，有助于找到發聲的位置。了解這首歌曲的內容，以及文藝復興時期的音樂創作特點，真正理解作曲家的創作意圖，才能做到心和聲共同演繹。每一句都要仔細分析，反復練習，無論唱什么歌都要以最基礎的狀態來要求，用聲樂技巧為詞曲服務，自然而然就會帶動演唱時的情緒，不僅聲音得到放松，也會更加有感染力，才能更生動的表現出作品的真實含義。通過認真分析這首曲子的演唱技巧，舉一反三，不論我們今后唱什么樣的歌曲都要以氣息作為練習的基礎，在情感抒發的幫助下才能更好演繹作品的內在神韻。著名演唱家阿梅林曾說過：“一個歌者的演唱能否表達得淋漓盡致，并不是聽一個人的嗓音有多么的明亮，表演是多么的生動活潑。而是要看他怎樣演繹藝術歌曲，把作品的情感表達到一定境界。”