融匯 探索 創新

在20世紀的現代音樂創作中，有許多來自歐美的現代作曲家，如法國的梅西安（Olivier Messiaen）、意大利的貝里奧（Luciano Berio）、美國的克拉姆（George Crumb）等，他們都曾在自己的作品中融入歐洲傳統以外的音樂元素。與此同時，來自亞洲、拉丁美洲的作曲家們也通過將本土文化資源融入作品而取得巨大成功，如韓國的尹伊桑（Yun Isang）、日本的武滿徹（Tōru Takemitsu）、巴西的維拉·羅伯斯（Hector Villa-Lobos）、墨西哥的卡洛斯·查維茨（Carlos Chávez）以及阿根廷的阿爾貝托·希納斯特拉（Alberto Ginastera，1916—1983）。

希納斯特拉是20世紀拉丁美洲現代音樂創作的杰出代表，也是最具國際影響力的阿根廷作曲家之一。作為一位具有特殊地域文化背景的作曲家，希納斯特拉從不將音樂局限在單一的民族風格之中，聽者可以在他的作品中感受到阿根廷民間音樂的質樸與熱情，也可以體驗到20世紀現代音樂特有的色彩與張力，在個人風格形成的過程中，他始終堅持主觀的表達，最終形成兼收并蓄、獨樹一幟的音樂風格。希納斯特拉的音樂創作涵括舞劇、歌劇、管弦樂、協奏曲、室內樂、獨奏、獨唱與合唱、電影音樂與配樂，近年來，越來越多的國內學者與演奏者關注到希納斯特拉的音樂，但研究所涉及的體裁、風格和數量仍存有局限，筆者懷著對作曲家深深的敬意，希望借由本文喚起更多的人聆聽和研究他的音樂。

植根于阿根廷音樂文化傳統

1916年4月11日，希納斯特拉出生于阿根廷布宜諾斯艾利斯（Buenos Aires），他的父親是西班牙加泰隆尼亞人（Catalu？觡a）后裔，母親來自意大利，盡管沒有本土印第安人血統，但他曾說：“我覺得我很‘阿根廷，但我必須說我是出生在布宜諾斯艾利斯的地中海人，因為我的祖父是西班牙加泰隆尼亞人，而我的外祖父是意大利北部的倫巴蒂人。盡管如此，我已經是個對自己國家感情深厚的第二代阿根廷人，但是，我并不將這種民族情感付諸于外表，而是將它深植在我心中的最深處。”①

一、對于民間音樂的借鑒

從希納斯特拉近半個世紀的創作實踐來看，體現阿根廷民族精神的“高喬文化”和流行于阿根廷北部的古代“印加文化”是構成其音樂民族性內容的核心要素，這兩種地域文化傳統貫穿于作曲家的整個創作生涯，對于形成其個性化的音樂語言風格起到至關重要的作用。

（一）關于“高喬文化”

高喬文化源自生活在阿根廷潘帕斯草原（Pampas，又稱南美大草原）的高喬人（Gauchos也稱高卓人、高楚人）。在人們的心目中阿根廷的藝術、詩歌和音樂，與色彩鮮艷的高喬人的形象是分不開的，高喬人是在南美大草原上流浪的克里奧爾人②，是騎馬的歌手，隨時可以放聲歌唱③。高喬人是阿根廷拉普拉塔河流域特定歷史時期的產物，這個阿根廷搖籃之地的歷史、文化、民俗無不牽涉到高喬人④。16世紀初，垂涎財富的西班牙殖民者來到被稱為“白銀之國”的阿根廷，他們在中部的潘帕斯草原的邊緣建立了一個很小的定居點——布宜諾斯艾利斯，由于尋財未果，一部分西班牙人便入鄉隨俗逐漸適應了孤寂的草原生活，并與本土印第安人聯姻，高喬人便是他們的后代。高喬人沒有固定的住所和工作，經常受到政府的迫害，四處游蕩，惡劣的生活環境造就了高喬人勤勞勇敢、慷慨豪放的品格。

于希納斯特拉而言，高喬文化是其作品中阿根廷民族精神與內涵的體現。在阿根廷，高喬文化主要體現在三個方面：馴馬節（展現勇敢頑強的高喬精神）、游吟歌手（Payador，譯為巴亞多爾）的即興演唱、以詩歌為代表的高喬文學（用高喬人自己的語言，描寫鄉村的題材與環境）。那么，希納斯特拉作品中的高喬文化體現在哪些方面呢？

在創作的初期（1934—1947年），作品的題材、素材常取自流行于潘帕斯草原的民間音樂，它們大多為3/4拍、6/8拍和2/4拍，如觸景生情的抒情歌曲埃斯蒂羅（Estilo）、熱情奔放的舞曲馬蘭波（Malambo）和加托（Gato）等。希納斯特拉通過這些體現本土文化的音樂元素表達樸素的民族情感與地域音樂風格，這時期的代表作品有鋼琴曲《阿根廷舞曲》（1937）、《馬蘭波》（1940）以及管弦樂曲《埃斯坦西亞》（1941）等，作品的標題也透露出高喬文化的直接影響。

以馬蘭波舞曲為例，馬蘭波的節奏素材在希納斯特拉的創作中占據著重要地位，特別是在創作初期和自我音樂語言逐漸形成的創作中期（1947—1957年）。馬蘭波起源于潘帕斯草原，是高喬人非常喜愛的競技性舞蹈，通常是男性舞者之間的對抗，以炫耀各自卓越的舞蹈技巧，采用6/8拍，吉他伴奏，節奏以八分音符和四分音符為基礎建構（見譜例1）。在希納斯特拉的作品中，馬蘭波節奏常單獨或與其他節奏型重疊運用，且速度相較于民間音樂更快，從而營造了一種更加粗獷、充滿動感的音樂氛圍。

在民間舞曲中，馬蘭波節奏中的附點四分音符常作為一個休止/休息的點（point of pose）用于段落的結尾處或用于反復出現的八分音符之間（發揮減速作用），或用來表示舞者即將結束舞蹈或舞蹈告一段落。希納斯特拉延續了民間音樂的做法，將附點四分音符作為樂句、樂段結束的標志（見譜例2）或發揮一種“緩沖”的作用穿插在音樂材料連續重復時運用。

如前文所述，高喬文化的重要組成之一是游吟歌手的即興演唱，他們身著破舊斗篷、懷抱小吉他的自由吟唱已成為高喬牧人的經典形象。在希納斯特拉的作品中，吉他的定弦音被視為高喬文化的象征，他常通過對這個本土元素的巧妙地、有節制地運用來實現對母語文化的情感表達（見譜例3）。

在創作初期，吉他定弦音常在作品開始或結尾的醒目位置出現（見譜例4a），通過簡單模仿吉他演奏，獲得一種聯想的明示作用，給人帶來直觀的地域風格的體驗。隨著創作實踐的深入，吉他定弦音的表現形式更加多樣化，且更加內在和含蓄，如將定弦音縱向疊置鑲嵌于特定的節奏型；或運用于管弦樂的某一聲部或以超多聲部的復調手法鋪陳建構；或保留吉他定弦音的旋律輪廓，對內部音高的排列或音高關系作微變化（見譜例4b/4c）；或提煉其特性音程（四度、三度）作為核心材料。另外，作曲家還通過對開始音E的強調暗示吉他定弦音，如主題旋律常開始于E音、或將其作為旋律的中心音、或以E音（或其他構成音）為調中心音等。

在希納斯特拉的作品中，還有一種唯美而略帶感傷的音樂風格與高喬文化有關。“高喬人的生活環境造就了他們吃苦耐勞、堅毅勇敢的性格， 閑暇時他們喜歡飲酒彈唱， 傾訴心中的孤獨和憂郁， 即興的曲調與歌詞中處處流露出這個民族血脈中的浪漫之情”⑤。在民間音樂中，體現這種情感內涵的是抒情歌曲“埃斯蒂羅”（Estilo），它由秘魯民歌“德里斯特”（Triste，意為悲傷）演變而來，樂曲為再現性三段結構，由吉他伴奏。

從譜例5民間音樂《埃斯蒂羅》與希納斯特拉作品的對照中不難看出，在鋼琴曲《悲傷》中作曲家以（節奏）單一化手法營造一種如民間音樂般樸素的“悲歌”風格，并保留了旋律中的二度、四度音程；在管弦樂《埃斯坦西亞》第二樂章中，通過環繞式的旋法重現了民間音樂中音階式下行的旋律走向，同時保留了樂句結束時的下行二度音程，從而將聽者帶入作曲家所營造的更具藝術氣息的抒情的意境之中。

（二）關于“印加文化”

印加文化與安第斯音樂密切關聯，它是以古代印卡人為代表的“安第斯文明”。一般來說，安第斯音樂是指與印卡文化根系保持著鮮明親緣關系的安第斯傳統音樂，它的范圍涵括秘魯、厄瓜多爾、玻利維亞、智利和阿根廷北部的印第安人傳統音樂⑥，這些地區曾是古代印加帝國的所在地。就文化構成而言，安迪斯音樂以本土印第安傳統文化為基礎，在一定程度上受到外來音樂的影響。

從題材、內容來看，希納斯特拉30年代為長笛與弦樂四重奏而作的《普納印象》、舞劇《帕納姆比》《土庫曼歌曲》，40年代的管弦樂《奧揚泰》，60年代為女高音與打擊樂而作的《神秘美洲康塔塔》，70至80年代的管弦樂《波波爾烏》、兩部獨奏作品《普諾人》（長笛、大提琴），均不同程度地受到與印加文化、安第斯音樂傳統相關的戲劇、詩歌、樂器、音樂特征（音階、倚音、即興、裝飾音、旋律下行走向）、歌舞音樂以及某些特有的音樂文化現象的影響。

特別需要指出的是，希納斯特拉的音樂創作呈現出從地域風格出發，逐漸探索、建立自我音樂語言風格的發展過程。在創作的中晚期，特別是1976年以后，作曲家將印加文化的精髓融入現代音樂的創作之中，他曾說：“現在，我仍然在蛻變中……這種變化顯示出一種回歸的趨勢，回到最初的瑪雅族、阿茲特克族和印加族式的美洲風格。這些影響在我的音樂中，我認為，不是民俗式的，而是……一種哲學上的靈感。在某種程度上，我所做的是一種對古代前哥倫布世界的超自然的（哲學式的）重建。”⑦在對1976年以后的作品作分析時，不難發現其多數作品的靈感、素材與內涵主要來自具有深厚文化傳統的安第斯文明。

以創作中運用較為廣泛的五聲音階為例。法國R.M.阿爾庫特夫婦在1925年出版的《印加音樂及其遺存》一書中，對20世紀初所收集的168首安第斯不同地區的歌曲和樂曲進行了分類和整理。他們認為，“純正的印第安人音樂”篤定是運用無半音的五聲音階的。他們以ABCDE五個字母來區分，總結了168首歌樂曲的調式情況。其中，110首為五聲下行音階的B調式sol，mi，re，do，la，其次是la，sol，mi，re，do的A調式。CDE幾乎沒有發現⑧。（見譜例6a）

通過譜例6a可見，五聲音階均為下行旋律走向，這是安迪斯音樂的重要特征之一，此外，安第斯音樂旋律的整體音域常保持在八度以內，以同音重復、二度和純四度進行多見，譜例6b所列舉的三部作品均體現了作曲家對這一基本特點的保留。

二、對于旋律、節奏的重視

作為一位阿根廷作曲家，希納斯特拉深受阿根廷民間音樂的影響與啟發，而旋律和節奏是凝聚阿根廷乃至拉丁美洲音樂文化傳統的核心要素，這是由民間音樂的呈現方式與美洲人自古以來的審美觀所決定的。

在希納斯特拉的寫作與構思中，他格外重視旋律的塑造與表現，無論是何種風格或體裁的作品，旋律始終是實現情感表達的重要元素，即便是弦樂四重奏，也經常由1—2件樂器或人聲擔任主奏。隨著作曲家自我音樂風格的發展，旋律風格也隨之改變，但總體而言，多數作品的主題旋律由二度、三度或四度音程建構，其中以對二度音程的強調、以二度音程作為旋律的落音、旋律下行走向、環繞式旋律以及重復手法的運用最具代表性。參照前文所提及的內容不難看出，希納斯特拉對于旋律的審美偏好深受民間音樂的影響，而隨著創作的深入，他將即興思維融入其中，通過對單音或音程的自由重復，使旋律不受傳統句法的束縛，更加粗獷、自由與灑脫，從而將民間音樂的自然屬性、文化精神與藝術音樂的觀念、手法融會貫通。

另一方面，希納斯特拉非常重視節奏的運用，他常采用節拍對位、節拍交替、頻繁變換節拍⑨等打破常規節奏模式的手法使音樂富于生氣與活力，特別是晚期作品中即興成分的融入使節奏的表現力更強。如譜例7所示，這段看似復雜且頻繁變換的現代節拍，其實際音樂效果完全不亞于民間音樂般生動、鮮活，氣息連貫的自由的表達，完全是作曲家內心體驗的自然流露，這樣富于個性的寫作兼顧了音樂的藝術性、現代性、個性與民間音樂屬性，也足以說明，阿根廷音樂文化傳統已深入到希納斯特拉的精神層面與血液之中，聽者也能夠透過作曲家對于節奏節拍的把握感知到民間音樂的精神意蘊。

在希納斯特拉創作的中后期（20世紀50年代末至70年代中期），其音樂語言發生了較大轉變，他采用序列思維、點描手法、不協和音響、頻繁變節拍、連音節奏、回文結構等體現“先鋒音樂”觀念的創作技術，使作品表現出不同于以往的戲劇張力與色彩。但是，作曲家并未完全脫離阿根廷音樂文化資源（如題材、文化特征等）以及傳統的創作技術與觀念，并始終堅持以情感表達為目的的創作初衷，這些都使得他不同時期的作品在文化內涵與創作觀念上建立了一種自然的連貫性與一致性。

對于多元文化的兼收并蓄

希納斯特拉的音樂始終與阿根廷傳統文化保持密切關聯，同時其音樂語言形成的另一種來源是歐洲傳統與現代音樂資源，對于非本土文化的借鑒和吸收，促使希納斯特拉以更開闊的視野、成熟的心態面對和把握音樂創作，他的整體音樂風格也更加開放和多元化。

希納斯特拉12歲進入威廉姆斯音樂學院學習鋼琴、音樂理論與作曲，20歲進入國立音樂學院系統學習作曲。1945年12月，他因獲古根海姆獎學金而赴美國游學，期間接觸到西方現代作曲技術與先進的教學理念，還參加了作曲家科普蘭在泰格伍德舉辦的作曲大師班，短暫的游學經歷，成為促使作曲家脫離初期創作階段的重要轉折點。40年代末開始，他始終保持與外界的聯系、接受委約創作、展開創作實踐，與此同時，還積極投身阿根廷現代音樂事業和教育事業的建立與發展之中。豐富的閱歷及知識結構的不斷拓展使作曲家在思維、觀念和創作方面都具有更為國際化的視野。另一方面，我們能夠看到不同作曲家與音樂風格對希納斯特拉的影響，如創作早期對于標題音樂和具有描繪性寫作手法的迷戀，以及富有詩意的表達均來自學生時代演奏德彪西音樂的影響；在早期的管弦樂《帕納姆比》（1935—1937）第二樂章中，引用斯特拉文斯基《春之祭》的片段，在晚期管弦樂《卡薩爾主題變奏曲》（1976—1977）中引用《焰火音樂》的片段。需要指出的是，希納斯特拉對于節奏的理解和把握明顯受到斯特拉文斯基“原始主義風格”⑩音樂的啟發，如對于常規節奏模式的突破。此外，巴托克音樂中充滿力量感的節奏、連續反復的音型、打擊樂般的鋼琴音樂和弦樂四重奏作品也深深地影響著希納斯特拉，他還通過仔細研讀其作品展開自我的作曲實踐。

20世紀50年代末，新維也納樂派的美學觀念促使作曲家進入到一個更具創造性和探索性的全新的創作時期，這一階段的創作涵括多部協奏曲、交響曲、歌劇等，作品的數量、題材與體裁不斷拓展，音樂語言愈加豐富和包容，音樂的戲劇張力與感染力愈發強烈。值得特別提及的是，風格的轉變看似順應“潮流”，但希納斯特拉卻從未追隨他人的腳步，而始終堅持自己的藝術觀，他認為：“藝術首先是被我們的感官感知到，然后影響我們的情緒直到最終喚醒我們的智慧……沒有感情的藝術作品只是冰冷的數學研究，而沒有理性控制和技術手段，那又將只是一團混亂”{11}。我們不難看出，作曲家接受“新思維”的目的是實現情感的表達，進而探索和建立獨特的自我音樂語言，或許，這也是希納斯特拉認為貝爾格的敏感與自己最為接近的原因所在。

《第二弦樂四重奏》（1958）是新創作時期開始的標志，在這部作品中我們能看到現代技術的初步嘗試。由譜例8a可知，作曲家為第二樂章設計了一個十二音音列，音列的前六個音按照三度關系排列（bA-bC-bE-G-bB-D），后六個音則具有復合和弦的特點（F/#F-A-C/#C-E），毫無疑問，這樣的鋪陳更明顯地表現出音高材料中的調性因素。此外，“巴赫動機”（bE-D-F-E）也隱藏在原始序列的設計之中，它以對比材料的姿態運用于作品中。在筆者作具體分析時發現，音列原型看似是整個樂章的音高基礎，但實際上由該音列派生的其他音程（如大小三度、小二度、三全音和純五度）也占據著重要地位，甚至還具有動機貫穿的意味（見譜例8b），從此角度看，作曲家顯然在刻意回避嚴格的十二音序列寫作原則。

音樂風格的轉變使希納斯特拉在創作上探索了更多的可能性，也使他真正地突破了傳統觀念的束縛。通過大量的創作實踐，他的創作更加成熟，盡管一些作品的構思和音樂語言略顯抽象，但對于情感表達的追求，對于結構、旋律的審美喜好和對于地域文化的關注，依然使作曲家的個人風格具有獨特的標識性，更重要的是他沒有在這種轉變中背離初衷，不僅如此，還在兼容并蓄的探索中顯示出對自由表達的渴望與追求。20世紀70年代中后期開始，如前文所述，希納斯特拉表現出一種回歸的傾向，音樂形式化繁為簡，音樂的表達更加灑脫自由，作曲家基于對母語文化的深刻認識和純熟的筆法創造了真正屬于他自己的音樂語言。

結 語

希納斯特拉一生的創作道路是一個持續發展的過程，筆者認為從不同時期的作品來看，促使作曲家在創作上不斷自我認知與突破的重要原因是他對于個性的崇尚和追求，而個性即意味著創新。希納斯特拉認為：“無論我的創作是何種風格，它都是我，如果一位作曲家的個性足夠鮮明，他會有主觀的表達，而不會去關心是何種風格”，在他看來，潮流和風格是瞬間的、暫時的，而“人”是持久的，因此他常對學生講：“你必須知曉技術，然后你必須深入自己的內心，在這之后，你必須付諸行動，你必須創作。如果在音樂（作品）的背后沒有一個真實的人，那么若干年后它就會死亡。”從這些若干個“必須”中我們不難感悟到希納斯特拉對于個性追求的執著，對他而言個性居首位。在近半個世紀的創作生涯中，希納斯特拉敏銳地感知著來自母語文化、歐洲傳統與現代文化和音樂資源的影響，經歷著“萌芽與發展”“兼容與突破”“回歸與綜合”的成長式的創作過程，最終建立了獨樹一幟的自我音樂語言風格。正如彼得·斯·漢森（P.S.Hansen）所言：“阿爾貝托·希納斯特拉是20世紀南美最杰出的作曲家。他是一位兼收并蓄主義者，成功地吸收了他那時代中多種風格上的創新，并在他的非常成功的作品中賦予它們以個人的色彩。”{12}

① 何郁欣《希拿斯特拉鋼琴作品研究：阿根廷民族音樂素材與其創作手法之關聯》，臺灣中山大學音樂系2001年碩士學位論文，第54頁。

② 根據《阿根廷史》（喬納森·C·布朗著）一書的介紹，殖民時期，克里奧爾人（或稱克里奧約人，Criolle）是指阿根廷出生的西班牙人，而在19世紀末，阿根廷出生的、具有混合種族背景的人也被稱為克里奧約人。

③ [美 ]尼·斯洛尼姆斯基《拉丁美洲的音樂》，吳佩華、顧連理譯，人民音樂出版社1983年版，第89—90頁。

④ 仇新華《“高喬人”與阿根廷》，《世界知識》1982年第11期，第14—15頁。

⑤ 李紫瑩《阿根廷高喬人和高喬文化的保存》，《北京城市學院學報》2008第4期，第101頁。

⑥ 王雪《拉丁美洲音樂文化》，人民音樂出版社2009年版，第176—177頁。

⑦ Lillian Tan， “An Interview with Alberto Ginastera.”America Music Teacher 33/3（1984）， p.7.

⑧ 王雪《拉丁美洲音樂文化》，人民音樂出版社2009年版，第207、208頁。

⑨ 希納斯特拉作品中的許多節拍手法看似受啟于現代音樂，但實際上卻深受民間音樂的影響，如民間歌曲的旋律為二拍子，伴奏為三拍子，交錯節奏的情況較多見，此外包括節拍交替、自由節拍等。

⑩ 彭志敏《新音樂作品分析教程》（上/下），湖南文藝出版社2004年版，第442頁。

{11} 陳哲《民族語匯的建構與現代語境的升華——析吉納斯特拉〈第一鋼琴協奏曲〉》，中央音樂學院作曲系2015年碩士學位論文，第6頁。

{12} [美]彼得·斯·漢森《二十世紀音樂概論》（上、下），孟憲福譯，人民音樂出版社1981年版。

張一 博士，天津音樂學院作曲系講師，《天津音樂學院學報》編輯

（責任編輯 張萌）