莫蘭迪繪畫中的古典意蘊

傅相霖

摘 要：長久以來莫蘭迪一直被看作20世紀一位形而上畫派的畫家，對他作品的關注更多是其表現出現代性因素的一面，而往往忽視了他畫面中對傳統因素的傳承。在20世紀初那個反傳統的時代洪流里，莫蘭迪其實是一位不盲目割裂與傳統的關系，遠離一切輕浮與造作，并借鑒吸收了傳統藝術中對自己有利的因素，走出自己獨特藝術風格道路的畫家。通過對莫蘭迪繪畫中的古典元素加以分析，為欣賞他的藝術提供一個不一樣的角度。

關鍵詞：莫蘭迪；古典意蘊

眾所周知喬治·莫蘭迪（Giorgio Morandi，1890-1964）是20世紀一位與眾不同的靜物畫大師，他那簡約不簡單的瓶子，和諧而神秘的色彩已成為他藝術的獨特符號。不同于其他畫家，莫蘭迪一生的繪畫風格沒有大的起伏變動，基本保持著和諧靜謐的畫面。但由于他那充滿“形而上”色彩的藝術追求，藝術史中常把他和形而上畫派放到一起，在風起云涌的20世紀初的畫壇上被打上新潮藝術家的印記。但其實莫蘭迪早期立足意大利傳統繪畫，研究文藝復興早期畫家喬托等人的畫作，后來著迷于塞尚的藝術追求，其間雖然與當時意大利前衛藝術有所接觸，但也只是淺嘗輒止。在他那些瓶瓶罐罐的作品中其實暗含這一股古典意蘊。

如果對莫蘭迪的藝術有所了解，我們可以知道對于畫面本身的空間、光線、色彩、形式的探索是莫蘭迪藝術的一個重要方面，即對于藝術本身的“形而上”追求。而莫蘭迪的畫面中其實還有一個方面的特征，這個特征是當我們接觸他的作品時最先感受到，卻又往往被忽視的一個特征，那就是對于古典傳統的繼承。

一、在前衛藝術與保守主義之間確立自我

進入20世紀，當藝術家們都爭相打破傳統表現方式的時候，莫蘭迪卻一直與傳統保持著對話，但這種對話的方式并非是對于過去傳統藝術的膽小保留，而是在一個新的歷史環境下，對于過去饋贈的合理利用。莫蘭迪成長在波倫亞這個有著悠久古典藝術傳統的城市，雖然早期莫蘭迪曾經關注過意大利的前衛藝術，但在他的內心始終對傳統懷著一種崇高的情懷。因而像塞尚、莫奈、修拉這些那個時代的大師一樣，莫蘭迪也逐漸在尊重傳統和創新之間找到了自己的藝術道路，1920年之后逐漸形成了比較穩定的藝術風格。或許是受形而上畫派好友卡拉的影響，莫蘭迪選擇了靜物作為他藝術主要的描繪對象。靜物畫是很謙卑和個人化的繪畫形式，不具有社會性、公共性和史詩性的特點，同時與政治性也牽扯不上。對于藝術的態度，莫蘭迪始終是真誠而單純的，只對藝術本身的追求報以虔誠之心而并不想在藝術中尋找宗教社會公理或者國家榮耀之事，這些都外在于觀看本身，會讓藝術陷入被遮蔽的狀態。藝術并非去服務其他目的，而應該在于藝術工作本身。因此莫蘭迪用靜物去表達他的藝術追求，用色調、光源與布景表達他對傳統的尊敬。

二、作品中的古典意蘊

考察一件作品的古典屬性，不外乎從色彩、構圖、用光等方面入手。走進莫蘭迪的藝術世界，首先吸引住我們的就是他作品的色調。莫蘭迪的畫面幾乎很少出現鮮亮的顏色，土黃、米白、灰藍色、橙灰色是他的常用色。但他的用色其實都非常的考究，在灰色系列里尋求豐富的變化，因而使畫面形成一種雅致的高級灰色調。這些單看起來毫無神氣的顏色，經他巧妙經營，不但不顯臟悶，反而煥發生氣，顯得畫面高雅精致，脫盡火氣，造成視覺上寧謐濕潤的效果，如同是莫蘭迪內心世界的色相，透露出畫家溫文爾雅的修養和恬淡超逸的品格。我們觀賞起來，不僅覺得賞心悅目，而且會有超塵拔俗的感覺。當我們拿莫蘭迪的作品與早期文藝復興大師喬托、馬薩喬、弗朗切斯卡等人的作品相比較，就會明顯發現莫蘭迪藝術與傳統之間的聯系。尤其是喬托，莫蘭迪作品中的“拙意”和灰暗的色相在喬托的畫面中能找到明顯的師承關系。莫蘭迪靜物畫中樸實稚拙的形象恰似喬托作品中笨拙可愛的人物，而色彩上的相似則更為明顯（圖1、圖2）。莫蘭迪的顏色就像畫在石膏打底的墻上，而一些材料也表明莫蘭迪確實在追求濕壁畫的創作感覺。雖然莫蘭迪畫面的色彩弱化明度與純度，但他通過讓色調的對比與色彩的明度相聯系的方式，使畫面依然顯得透亮而不至于發悶，并采取漸變與暈染相結合的方法來實現色彩與色階的復雜變化，以達到色調的含蓄。莫蘭迪的畫面能帶給人那種幽靜、寧和、清新的感受，和他對色階進行的細微調整是分不開的。

在構圖上，莫蘭迪的靜物畫作品同古典藝術家一樣以永恒、穩定為原則，只不過有人認為他在形式上背離了傳統的構圖法。莫蘭迪將他的瓶瓶罐罐并排擺放，有時像排列隊形一樣的整齊，有時又均勻地分散開來或密集地聚攏于一起，以此獲得另外的一種穩定之感，這一特點在他晚期的作品中表現得尤為明顯。加之他靜物造型上的古拙味道形成的對比關系與筆觸交融的效應，產生出一種新奇的視覺效果。通過這些獨特的處理，莫蘭迪把人們在生活中再平常不過的瓶子變得不平常，從而產生了新鮮的審美感受。但其實，如果我們能夠看看17世紀西班牙畫家蘇巴郎的一些靜物畫作品（圖3），或許就不會奇怪于莫蘭迪這些所謂新奇的靜物擺放方式的產生。蘇巴郎是一個修士，一生過著隱士的生活，他的藝術主要描繪寂靜的僧侶世界。他的靜物畫和他的僧侶生活一樣寧靜而樸素，而這幾個形容詞會讓我們敏感地聯想到莫蘭迪的靜物畫世界。莫蘭迪一生默默專研自己的藝術，也曾因為終生未婚和孤獨安靜的性格，被稱為“僧侶畫家”，一位藝術道路上的“苦行僧”。或許，重視傳統的莫蘭迪，曾經對這位與自己有幾分相似內質的古典畫家有過格外的關注，由此而對他的藝術產生了至關重要的影響也或亦未知。

莫蘭迪在光線﹑空間的選擇和觀看方式上也都把握了一種完全個人的，然而又是古典的精微尺度。對于靜物畫的光源問題，莫蘭迪同樣有著一種古典追求。古典畫作多是在室內完成的，他們的靜物需要一個固定的光源，一種穩定的單側照明光線。與室外的散光不同，莫蘭迪的畫室也有一個穩定的光源。在對待光的態度上，莫蘭迪一直傾向于讓它默默地發生作用。他喜歡那種微側的、平面的光源，它們靜靜地照射在靜物上，是那樣的安靜平穩。對于持續凝視對象的莫蘭迪而言，多變、強烈的光線對物體是一種破壞，缺乏了古典氣息。

莫蘭迪的作品始終貫穿著一種舞臺般的淺空間效果：背景用灰色封閉，大部分作品用橫線分割成地平線，各種各樣的瓶子則在這個舞臺上參與演出。這會讓我們想起新古典主義畫家達維特，“他服從于氣氛的效果，強調線條輪廓，并且運用實墻、中間色背景或不透明陰影，來封住畫面深度，以強調畫中的面。因而他也是在畫面前景的后面，沿著狹窄的舞臺去組織人物形象的效果[1]”。莫蘭迪作品中物體的空間也是依靠物體本身的形狀、所處的空間、位置相互疊加而形成的如古典浮雕一樣的淺空間，偶爾也用燈光效果的投影來暗示物體的相互空間關系。其實，我們還可以關注一下莫蘭迪觀看靜物的方式，這是非常重要的。他與瓶子的距離似乎一直有一種奇怪的分寸，最穩定和微妙的分寸是他選擇了一種不太遠但也非近距離凝視的觀看。這種距離的均衡使瓶子既不過于遙遠而虛無，也不至于過分逼近而產生變形扭曲。“距離產生美”，這在單一焦點和觀看中尤為重要。因而他的作品既不會給人強烈刺激也不會讓人捉摸不到，它們總處在本該如此的地方。就像他本人的形象，“可以親近，沒有高高在上，但也意識到自己的存在與別人的關系”。

莫蘭迪的一生都是含蓄內斂的，就像他的作品一樣。如果說畢加索的作品中有十個畫家的風格，那么在莫蘭迪的繪畫中只有一個大的觀念，即是對和諧之美的詮釋。他尊重傳統卻又有著現代性的理念，他采用古典的形式而表現自己對藝術的“形而上”追求，使他的畫面既具有古典意蘊又具有深邃的哲學色彩。當20世紀之初的現代藝術紛紛改弦更章拋棄傳統之時，莫蘭迪用他自己的方式將古典傳統保留下來，小心地在現代繪畫愈見干涸的水域中航行，默默地注視著現代藝術的發展。在20世紀的最后時光，后現代主義藝術出現“回潮”現象的時候，我們回過頭來再看觀者莫蘭迪的畫面，也許他的藝術默默地走得更遠。

參考文獻：

[1]吳建青.觀看者莫蘭迪[J].美與時代，2006，（09）：64-65.

作者單位：

遼寧大學endprint