淺析聲樂藝術實踐中表演技巧的培養

張慶果

【摘要】表演技巧有著時代性要求、真實性要求以及想象力要求。要培養聲樂藝術的表演技巧，則需要情感投入、變換角色、面部表情、手勢動作、眼神交流等各個方面。鑒于此，文章首先介紹了在聲樂藝術實踐中對于表演技巧的具體要求，然后提出了幾點關于培養表演技巧的方法，能夠提供一些借鑒和參考。

【關鍵詞】聲樂藝術；具體要求；表演技巧

眾所周知，聲樂是通過人的聲帶，配合舌頭、口腔和鼻腔，共同作用于氣息發出的有節奏、有連續性和悅耳的聲音。這種表達方式的最大魅力在于利用人聲直接表達真實人性，并且直達觀眾的內心深處。就目前而言，聲樂藝術體現的根本原則包括三種：唱情、唱韻味、唱意境。作為一門實踐性比較強的藝術種類，聲樂自身具有一種感人至深的藝術力量，其藝術實踐表演技巧對音樂教學研究具有重要的作用。當前，聲樂藝術表演技巧呈多元化發展趨勢，可以通過眼神和動作等來表達不同的情感。想要做到這一點，聲樂表演者必須能夠做到表演的協調性和聲音音準的完美統一，只有這樣才能在真正意義上確保聲樂藝術的可持續發展，從而推動整個音樂文化的高速發展。

一、表演技巧的具體要求

隨著時代的發展與生活水平的提高，人們在物質基礎得到保障的同時，對藝術的要求也越來越高。其中，聲樂藝術中的表演技巧也比起過去有了很大程度的提升。以往大量的實踐結果表明，精確恰當的表演往往能夠有效促進聲樂藝術的形象塑造和情感表達，大大強化藝術表現力和感染力。那么作為表演者如何能夠做到呢？首先需要表演者通過自身全部的激情，自我與作品的完美融合，引發觀眾和自我表演的共鳴。而這一切的實現都離不開表演技巧。換言之，表演技巧在聲樂藝術實踐中有著獨特的價值。總的來說，當前表演技巧在聲樂藝術實踐中的具體要求主要體現在以下三個方面。

（一）時代性要求

藝術是源于生活而高于生活的，演出的作品必須能夠隨著時代的改變而改變。聲樂作品作為特定歷史的時代產物，本身就具有強烈的歷史印記和獨有風格。比方說巴赫時期的作品具有明顯的內部結構與多聲部線條組合的屬性，莫扎特時期則具有內部結構的邏輯性和連續性特點。隨著時間的不斷推移，聲樂藝術的表演形式和技巧相比過去已經有了很大的不同。當前的作品更加傾向于青春和愛情氣息，這樣一來創作者和聲樂表演者就必須以時代精神對原作進行豐富和二次創作，只有這樣方可發揮聲樂表演者的藝術特長和創造個性。

（二）真實性要求

這就要求表演者在表演中善于把握與理解原作，最大限度地體現出表演者的感悟能力與分析能力，同時還要在細節上體現出表演者極高的藝術修養。想要做到這一點，演唱者務必可以真正意義上理解聲樂作品內的詞曲以及原創作者的創作意圖，然后淋漓盡致地展現在觀眾的眼前，從而讓作品內容如抑揚頓挫的歌詞語調、語氣的輕重緩急、旋律的高低起伏、動作的豐富多彩充分展現出來。除此之外，應該結合劇本做好巧妙構思詞曲和高潮布局，然后合理運用肢體語言恰如其分地表現劇本內容，這一點也極為關鍵。

（三）想象力要求

前面已經提到，聲樂作品本身具有明顯的時代氣息，隨著經濟的快速發展和人們意識的不斷改變，藝術創作成為一門非常重要的功課。歸納來說，就是需要將藝術想象力與情緒情感、形象思維有機融合。觀察發現，在聲樂藝術實踐中，合理運用表演技巧能夠很好地完成藝術想象。通過表演可以實現聲樂作品在形象思維中的想象。利用藝術想象將自己的演唱與生活積累相結合，與此同時將自己盡可能地融入到作品的意境當中去，從而展現作品的內涵，達到聲情并茂的目的，只有通過情感的深刻表達才能引發觀眾產生心靈上的共鳴，為欣賞者帶來真正的藝術享受。

二、培養聲樂藝術中的表演技巧

（一）情感的投入

人是一種有感情的動物，表演者必須將自己的真實情感全身心地投入到聲樂作品的表演之中。需要注意的是，這里所指的情感并非隨意產生的，而是有機結合劇本在舞臺藝術要素的情感體驗。通常地說，很多表演者在表演過程中尤其是那種觀眾非常多的場合多多少少都會產生一種緊張感，因此在壓力作用之下一部分表演者在表演中往往只關注音樂技巧的表現，而忽略了作品真實情感的流露，這樣會直接導致藝術作品的表現力不足，讓人感覺干巴巴的，缺少與觀眾的情感互動。當前投情技巧主要包含三大類。

第一，深刻理解聲樂作品。想要讓觀眾感動，表演者首先要做的就是深刻理解作品的內涵，只有把握創作品想要表達的思想并且結合自身的表演風格才能自然而然地迸發出強烈的情感，方可與觀眾在藝術表演中產生情感交流。第二，熟練掌握演唱技巧。解決這個問題最好的辦法就是表演者在平時對演唱技巧進行不斷反復地練習，一直達到非常熟練的程度。通常來說，在聲樂表演中大部分時間都是歌唱環節，而且聲樂作品的表達需要搭配多樣化的音樂技巧，這一點對于表演者的要求比較高。表演者需要靈活機動而且熟練地把握演唱技巧，在演唱過程中才會游刃有余，從而留給自己更多的時間醞釀自己的情感。第三，表演者完美地融合作品。投情的最高境界就是表演者建立在原聲樂作品的基礎上所產生的情感與創作者的情感高度融合在一起。不同的聲樂作品，表演者由于時代背景不同，往往無法深刻理解創作者在特定歷史背景下所思所想。這就意味著絕大多數聲樂作品的表演者很難真正融合原創作品。

（二）變換角色

戲劇、話劇、電影的表演者在演出中的角色通常都是不變的（特殊情況除外），而聲樂作品的表演者需要在演出中同時擔任多個角色，具有一定的靈活性，同時角色與角色之間存在兼容性。舉一個例子說明，在表演者登臺演出和聲樂作品前奏部分中，表演者的身份是不同的，前者只是一個純粹的演唱者，然而后者就已經成為聲樂作品的主人翁角色，但是不管角色怎么變化，都必須最大限度地保證表演者角色所抒發出來的感情與表演者的動作實現高度統一。

（三）面部表情

觀眾看到表演者的第一時間會是面部。實踐表明，合理利用面部表情能夠給觀眾一種活靈活現的感覺，充分顯示出表演者歌唱的生動性，從而大大增強整個聲樂作品表演的表現力。具體地說，表演者可以通過掌握面部表情的相關技巧表達人物的各種心理變化。比方說，在手部動作不發生變化的情況下，表演者可以通過皺眉來表現人物內心的苦惱，通過提眉來展現內心的愉悅之情，通過挑眉來表達人物的桀驁不馴等等。演唱者還需要根據不同的作品內容來靈活地運用面部表情，展現出不同的含義。例如，在演唱關于大自然的歌曲時，歌曲內容包括“青山”“流水”“田野”等場景，而演唱者則需要通過面部表情來展現出對大自然的熱愛，始終保持面部表情的自然放松，才能夠讓觀眾貼近自然。

（四）手勢動作

這是除了語言之外最直接表現人物情感的方式，在聲樂作品的表演中指的是身軀、四肢所做出的，觀眾可以直接看到的動作。由于表演者往往是站在舞臺燈光之下的，觀眾（尤其是離舞臺比較遠的觀眾）主要是看到表演者的手勢，就這一點而言，表演者自從登上舞臺開始任何一個動作都成為表演的組成部分。為了使作品情感表現出最佳效果以及給觀眾更好的視覺體驗，表演者必須很好地協調自己的四肢，除此之外，還要保證動作的連貫性以及手勢動作結合音樂技巧，使得手勢動作可以增強表演的效果。現在的手勢動作可以分為多種類型，第一種是指示性手勢，指的是表達方向和指令的手勢；第二種是象征性手勢，指的是用來表達視死如歸等比較強烈情感的手勢；第三種是情感性手勢，指的是用來輔助表演者開心、悲傷、憤怒等情感的手勢動作。

（五）眼神交流

眼睛是心靈的窗口，眼睛能夠充分展現人物的情緒變化和內心活動。從這一點來講，眼睛可以被認為是聲樂藝術作品表演技巧的核心和靈魂。觀眾通過表演者的眼睛可以直接窺視到內心活動，同時還能夠通過表演者的眼神變化來感受到情節的跌宕起伏。因此，表演者在平時的練習過程中要不斷提高自己用眼睛說話的能力，通過運用眼神的不斷變化來調動受眾的情緒變化。

三、結束語

隨著時代的變遷和生活水平的日益提高，人們對聲樂藝術的要求也越來越高。走位聲樂藝術實踐中的表演者必須能夠很好地把握原則性問題，包括時代性原則、真實性原則以及充分發揮想象力原則。那么聲樂表演者在舞臺上如何能充分地展現自我呢？除了具備一些必要的表演技巧之外，還必須具備非常高的心理素質。在表演中出現一些非表演技能的失敗表現屢見不鮮。通過分析多種表演實踐案例，筆者認為出現這種現象的根本原因就是表演者的心理在表演過程中失控，進而出現緊張，造成聲音的不平穩和抖動等。為了克服這些問題，表演者在平常要不斷地通過投情、手勢動作、面部表情、眼神等訓練，提高對于作品的表現能力，然后將原創作品賦予一定的時代氣息，通過自身獨一無二的演繹完美地呈現在觀眾的面前。這就需要表演者真正理解各種不同類型的聲樂作品特征，做到有的放矢，全面提高聲樂作品的表現能力，與觀眾產生良好的共鳴，讓觀眾通過聲樂體會到藝術作品當中所表達的喜怒哀樂，并且對自己的生活產生啟迪作用。

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