一直不變的是一直都在變化

王躍+張小斐

人的生命七年會完成一次代謝，得到新生。而對于一項事業，七年也是一次蛻變。青年藝術100，便在今年迎來了它的第七個年頭。主題“破折號”，寓意“破局”與“轉折”。

8月1日到8月15日，2017年青年藝術100啟動展正在今日美術館二、三號館里盛大舉行。來自全球不同國家的150余位青年藝術家的400余件藝術品，涵蓋了油畫、國畫、版畫、雕塑、裝置、影像、行為藝術等，全面、立體地呈現出青年藝術最鮮活的生態。

與藝術家遲群見面的情景至今令彭瑋難忘。遲群的同學是彭瑋的同學的姐姐，就憑這么一個七折八繞的關系，彭瑋找到了她。當時，遲群剛剛從中央美院畢業一年，租住在居民樓里一心搞創作，一進門，彭瑋就看到了擺滿屋子的畫，畫中是抽象的直線和格子，屋里彌漫著顏料的味道，有點嗆人。那時的遲群默默無聞，只憑著對創作的自信和對藝術的堅持，不停地畫。“許多人不理解她的畫，正是在備受打擊的境況中，我們找到了她。”彭瑋說。在遲群如今已頗具規模的簡歷上，青年藝術100是她參加的第一個展覽。此后，她連續參加了4次青年藝術100的展覽。終于，從2014年開始，她受到了井噴式的關注，作品賣出的數量也從前兩年的每年2、3幅一下增長到20多幅。今天，遲群已被稱為“80后抽象一姐”了。彭瑋將青年藝術100比作黃埔軍校，在它培養出的一批批青年藝術家中，遲群是最具代表性的一位。

青年藝術100好像一個年輕藝術家的競技平臺，藝術總監彭瑋介紹，“在開展之前許多藝術家可能沒有這樣的意識，認為它無非是個展覽，而當在同一個空間中，看到其他的作品，他們就會有比較。他們很樂意在這個平臺分享，同道中人聚集在一起，相互碰撞后也會更清楚地認識到自己。”藝術家們也因此而產生友情。他們甚至組建了一支足球隊就叫“青年藝術100”，和其他行業的球隊打比賽。創始人趙力說，藝術界以前都是以同校同班、同城、同齡而形成劃分，而青年藝術100的出現打破了這種格局。不一定名校畢業作品就好，無論是科班或是野生力量，全國各地的年輕藝術家在這里是平等的。最后，他們也會構成一種新勢力——從青年藝術100走出來的。

當然，七年之癢也是有的。“一直都是重復以挑選100名藝術家這種模式，長時間工作下來，肯定就會有一種厭倦情緒。”彭瑋坦言。所以，今年的主題叫“破折號”，所謂“破”，即打破原有的限制、規范和經驗，“折”即尋求一個轉折，一個新的開始。

“從另一個方面說，我們一直不變的就是一直都是在變化。所以每年我們在大的選拔制度不變的情況下，配合不同時期的環境和藝術家的需求調整，不斷推出新的內容和表現形式。”啟動展場地的變化正印證了這一點。從798里幾個零散的空間到在農展館里呈現的三年藝術大party，這次，青年藝術100走進了今日美術館。在農展館辦展，為的是讓藝術走向大眾，回歸藝術空間，則需要關注作品與空間，以及作品之間的關系，讓青年藝術回歸到學術的語境中來。

除了在美術館里舉辦啟動展，青年藝術100還有其他新動作。在城市中不同場所舉辦平行展，打造一個ARTMAP，全球藝術漂流計劃和A80藏家計劃也在進行中。趙力說，今年的啟動展將會成為一個青年季，“讓青年藝術家拿出作品后進行交流，當季100個人見面討論，還有往屆的加起來就有600多人，這是只有青年藝術100才有的交流。相互提出意見，進行碰撞。作品放在農業展覽館和放在美術館是不一樣的。在美術館，你感受到對作品的不同層次的批評和贊賞，真是一個全新的生態。”

創立者說

Q：七年中，青年藝術100見證了青年藝術生態和藝術家群體的哪些變化？

趙力：上世紀90年代時青年藝術家大多在北京北漂，條件也不好，2000年左右，在中央美術學院周圍就有很多藝術家聚集；而近五年他們回到了自己的家鄉，像謝天卓這種藝術家，他們不愿離開自己創作的土壤，讓他來北京他也不來，他怕離開后丟失靈感。在這之前，藝術家想要出名就得來北京。但現在通過我們的平臺，可以讓全國甚至全世界知道他們，這是之前沒有的。現在通過網絡，地域差別在變小，我們的平臺也能夠讓藝術家找到自己的獨立性和獨特性。如果所有藝術家都聚集在北京，其他地方的藝術怎么辦呢？

創作性的生態也是很好的改變。通過與陽光100合作的麗江雪山青年藝術季活動，藝術家去其他地方進行創作，一方面，好多藝術家可以共同交流，改變了創作者的性格。之前藝術創作都是在一個封閉的環境孤軍奮戰，這次，來自五湖四海的藝術家聚集在麗江，40人規模分兩期的麗江駐留計劃，這種群居的方式，讓他們可以分享自己的想法。另一方面，他們離開創作地，了解其他地方的文化，比如在麗江了解到東巴文化，以此為創作靈感進行藝術創作，比如黃啟佑，整個風格都變化了。

Q：青年藝術家在創作上有什么變化？

趙力：剛開始做這個項目時，覺得青年藝術家更注重個人風格，怎么比別人畫得好，畫的細，還形成自己的風格。現在藝術家好多是留學回來的，視野很廣，面很寬，不像之前拘泥于怎么畫得好看。他們并不認為藝術分類是重要的，不計較于某一個東西，都去嘗試。第一年他參加的作品可能是架上繪畫，第二年是裝置等等。

第二是藝術家的低齡化，越來越青春洋溢。時間的積累轉為視野、創意，創作具有跨越性，比如藝術和科學、技術等。互聯網方式的創作，先打印后創作。越年輕可能越活躍，這可能會顛覆靠時間來積淀的方式。

第三是創意思維，不是靠技術、年齡，而是靠思維，到人工智能的時代，最大的特點就是創新，現在這么關注藝術，藝術最大的特點就是聯想和想象。我們在展覽中看到了一個全新的以創新為主體的群體，這是不可逆的。

評委說

向京：年輕藝術家的創作也會陳腐天性逼人的作品更容易亮眼

Q：你總共做過四屆的青年藝術100的評委，這些年青年藝術有哪些變化、收獲讓您感觸較深？

A：在資訊發達的今天，年輕藝術家的創作更容易獲取豐富多樣的營養，但落實在具體工作，原創性變得更艱難了。早期的藝術家可能在信息匱乏的情況下，憑空造車，或者在誤讀中理解，自我編造自我說服，自我系統更強大，現在年輕藝術家出國容易，獲得資訊容易，而大家的起步差距拉近，特殊性很難做到。

另外，年輕藝術家的生態看似繁茂，實際出來也很難，選拔的平臺很多，但后續相關的生態鏈依然不夠健康完善，專業的畫廊、美術館、藝術批評這些重要環節都很缺失，這樣的生態不易持久，尤其在藝術家數量逐漸加大的今天。

像青年藝術100這樣的項目也是因為這樣的生態基礎應運而生的，在國外找不到先例，所以做起來也是摸著石頭過河。早期它只做簡單的選拔平臺，海選只能做到粗放地收集，真正的選擇還得用更細的篩子和更長線的計劃，后續深入有針對性地做一些撫育工作，在一百里再次遴選，做一些小型的群展個展，這都會深化對青年藝術家的扶助。在中國發展迅速的這些年，任何項目能堅持做幾年都挺值得尊敬。他們在向藝博會式的形態發展的同時，也堅持做一些和國外非盈利機構的合作、送年輕藝術家去國外參加駐留項目、學術討論之類的活動，都是在針對中國現有生態的缺陷和可能性做些有益的嘗試。

我參加青年藝術100的評委工作也是對年輕藝術家的生態有好奇，畢竟平時接觸有限，希望透過這樣的機會多做一些觀察。每個平臺都有它趣味上的傾向性，做過幾屆之后，自然有些類型的藝術家會自動退出。我目前感覺青年藝術100的選拔，不能簡單代表當下年輕藝術家的創作狀態，真實的創作應該形態更多元。也能理解每個平臺自己的價值取向，只有更多這樣的平臺出現，藝術家的出口才會更多，藝術創作才會豐富有趣。

Q：作為評委，什么樣的作品最能打動你？

A：原本是想做個觀察者，對年輕藝術的創作狀態做個了解，做過幾屆之后也會看到，年輕藝術家的創作不見得多年輕，很多創作是很陳腐的，這和我們糟糕的藝術教育有關，和藝術生態很多知識輸出缺失有關。藝術家的成長沒那么容易，藝術院校都在擴招，但教學并沒有太大的改進（某種角度看可能更糟）。青年藝術100因為海選范圍非常廣泛，所以能看到大量的平庸之作。我深刻回憶起自己當老師時的痛苦，很多孩子在學習藝術的道路上，已經走向腐朽，對藝術的理解是范式和套路。成功學的思維又會影響一大批人前赴后繼，現今人人都可以輕易獲得信息，可惜在信息面前，人人平等，創作里的各種車禍也是評選時的槽點和笑點。

作為“前輩”，很多幼稚的套路會被一眼望穿，那種天性逼人的作品反而更容易亮眼。如同藝術需要學習，需要知識撫育，但好的藝術家和好的作品恰恰都是無可解釋的，并不憑借既有套路出牌。這種判斷全然直覺化，有時就像一種眼緣，從幾千張作品里，有一些品質還是可以透露出來，打動人心。這樣的作者不多。

而另一方面，學習能力消化能力強的作者同樣令人欣賞，只要他/她擅于整合學到的東西，我認為也是新時代賦予人的能力。藝術家需要全面，雖然我們不過是憑著幾件作品的圖片來挑選藝術家，但參加這樣的選拔對參賽者的要求就是更綜合的素質，而且在暫時性的選拔之后，未來的藝術之路也只有靠每個人的綜合能力來繼續前行，我也相信這是時代對于藝術家的要求之一。

遲群：只用單純的線來真實地表達自我

對應主題“轉折”，今日美術館三號館內展出了往屆青年藝術100中的19位優秀藝術家的最新作品，呈現他們在藝術實踐中的蛻變。距離入口很近，在非常顯眼的位置上，藝術家遲群的作品占滿了兩面墻。可以說，遲群是這里最資深的一位藝術家，也是與青年藝術100緣分最深厚的一位。

遲群是科班出身，畢業于中央美院壁畫系。2007年正在讀研的她，開始將繪畫從具象轉向了抽象，因為一直成長在學院中，她很想打破學院里傳統的繪畫方式，她開始思考，“如果只用單純的線是否能完成自己的表達？然后，我就把這種具象的敘事慢慢地去掉，回歸到單純的線，漸漸地，線越來越豐富，跟我自身的經歷、情感相結合起來。”

在對抽象的探索中，遲群是自信的。2010年，她的畢業創作得到師友們的廣泛認可，連譚平老師都收藏了她的畫。可是，一走出校園，步入社會，她發覺了落差。當時的大環境是，抽象畫是個冷門，很少有人能理解她的作品。有人勸她改畫具象，但她堅持。遲群在美院附近的方舟苑小區租了一個三居室，一年中，她繼續畫她的線，沒有展覽，也沒有賣畫的收入。她要靠家里的接濟和偶爾兼職教教畫應付房租。

那一陣子，遲群在創作中常使用砂紙打磨畫板，這投射出她當時的狀態：感受到傷害，卻沒有保護自己的能力，茫然無措。當青年藝術100的彭瑋敲開她畫室的門時，看到的就是她已打磨到發光的畫面，里面還用了不少切線，寓示挫折。彭瑋覺得很有意思，后來又帶來了趙力。“當時我很緊張，趙老師看了作品后，說了說他的感受，我覺得他是真的理解我。”尤其在面對了很多質疑之后，這份理解愈發顯出珍貴。遲群和青年藝術100從此結緣。

2011年，遲群參加了第一屆青年藝術100，成為被主推的藝術家。經歷了三年的積累和各種機會的曝光后，2014年，她的事業迎來了高潮。她舉辦了三次個展，作品還去到韓國、澳大利亞、德國、哥斯達黎加展出。今年，她在國外的首次個展《常在——線的世界》將在德國波恩當代藝術館舉辦。

七年來，遲群與青年藝術100互相支持，陪伴了彼此的成長——她已從一位籍籍無名的美院畢業生成為人們口中的“80后抽象藝術一姐”，而青年藝術100也完成了第一個七年的蛻變，已成為藝術界一個響當當的品牌。

Q&A

Q：你作品中線的變化表達了什么情緒？

A：線表達的是我的態度，不想別人直接看到，要有一種轉化。我的創作最初是一條線，表達我單純的一個人。線之間的交叉，表現了我從獨立的個人到家庭，身份給了我一種附加，我在秩序里。我老公家里是一個大的家族，他們注重族譜，所以我從一個人的身份進入到他們家族，就會有脈絡關系，這種相交的關系給了我一種秩序，我在這種秩序中完成自身。當然這個過程中也包括我跟社會慢慢形成的一種融合的關系，線從淺層到復雜。這是我個人經歷的展示。

Q：你新作品《四條線-灰綠》的靈感來自哪？

A：其實我當時想要這個線有秩序的變化，這幾條線系列化，并形成很好的銜接，從形式上我怎么把經歷放在繪畫的背后，它是含蓄，有深度的。去年我生了小孩，從家庭到有孩子的過程，經歷了好多身份中的交叉關系，我如何調配自己去適應這種關系，讓自己能更加單純地抽離自身，但這個東西是背后的影響。作為媽媽和家庭的關系，可以說是力量和限制。

Q：你的作品顏色飽和度都很低，為什么？

A：之前濃烈的藍色、紫色對我的沖擊太大，當嘗試過濃烈后，想用色彩將它裹挾住，融合在里面，希望遠觀是灰色，近處看則是有層次、有包容度、有厚度的。我自身的感受是，顏色是一種退在后面的，欲說還羞的狀態。

波河沿岸：觀看的理想狀態，日常經驗的非日常化

“波河沿岸”在意大利文中是“Lungo Po”，是都靈市中心一條與波河緊鄰并行的街道的名字。波河是意大利最大的河流，那條名為“Lungo Po”的大街就是小組主創張柘、李歌吟、郭梁曾居住生活、各自進行藝術創作的地方。他們都曾就讀于都靈國立美術學院，成為朋友，2015年回到北京后，因對藝術的共同理念而創立了藝術小組“波河沿岸”，這名字是對他們過往生活經驗的記憶。后來，從加拿大學習版畫歸國的王雪宜也加入其中，就形成了現在的四人陣容。

他們擁有一間自己的工作室，在藝術創作的同時也會進行版畫教學，以及和其他領域的跨界合作。四人個性鮮明，平時他們會進行獨立的創作。王雪宜喜歡做與現代生活有一定距離的，有點神秘感，需要想象的東西，她會被中世紀的元素、被紙的古老和自然而吸引。李歌吟喜歡新媒體，會因具體的事件觸發而產生一個主題，后續地去創作。比如朋友的妹妹被家暴流產，她便以B超為主題設計出一個裝置，后來又用地毯等不同材料進行持續創作。張柘學習的是繪畫，后來發現繪畫不足以表現其想法，又開始做裝置，他對“認知”、“身份”進行著持續的思考。而郭梁進行攝影、裝置和視頻的創作更多，更關注人的命運和感情。

當然，他們在一起也會經常碰撞出有趣的點子。比如，這次參加青年藝術100的裝置作品《不竭之棰》系列。他們用單面反光的玻璃制作出四個盒子，盒子里的每個面是鏡子，盒子外面是玻璃，樹枝從盒子里生長出來，從任意角度都可以看到無盡的反射，“通過透視反射制造出來的視覺效果，跟你觀看的物，有一個互動，它改變了你與直接觀看的物象之間的互動關系，同時有實體將它禁錮住，你就無法觸碰到它。我們試圖營造一個無限的觀看空間，在這個抽離于日常生活的空間里，有限與無限、連續與分離、實物與虛像、觀察與存在都曖昧不清、相互糾纏。也許這恰恰是觀看的理想狀態——日常經驗的非日常化。”這是他們關于“觀看”的思考。

彭璐：從作品中看到真實的自己

黑色的背景，沒有面孔的肢體，畫框中出現的舞臺，窗戶，這些元素構成了一種暗黑、神秘的氣息。彭璐說，它們表面上是暗黑的，其實是將物象拆解，再進行選擇。“我想把自己不想明說的東西，找到一個最恰當的方式做成作品。我的作品都沒有具體的形象，也盡量把情緒去掉，帶有環境的描寫，更多的是表達狀態。雖然具體的形象和表情都不存在，但性別和肢體語言卻被我保留了，我想表達的，是向內深挖的自我，是對周遭環境的一種反應，雖然從我個人出發，但我想許多體會或許置身現實世界的人也許會在作品中找到共鳴。”

1992年出生的彭璐，去年剛從中央美術學院版畫系畢業。大學時，她沒想過做個藝術家。她花了一年時間輔修服裝設計，并在時尚雜志社實習，但一年后，她才發現自己就是千千萬萬個普通的喜歡衣服的女孩而已，“而做藝術家可以忠于你自己”。彭璐在藝術上天分很高。畢業展覽上，她就被畫廊相中，一年后的此時，她的個展“烏有之屋”正在Link Gallery畫廊展出。

彭璐與男友譚英杰一起在羅馬湖附近的工作室里生活、創作。譚英杰畢業于中央美院雕塑系，也是職業藝術家。平日，兩人會看很多展覽，聊一聊社會上的新聞和對生活中的現象進行反思，“有時候你挺無力的，所以只能做成作品，我的創作不是很尖銳直白，是多層的隱喻，可以傳達社會功能。”

彭璐也喜歡和同齡的藝術家聚會，去彼此的工作室轉轉，討論創作，互相給予建議和支持。她說，“年輕藝術家需要被鼓勵，做事情需要他人的看法，藝術家又堅強，又脆弱。怕拖對方的后腿，就會努力追趕。”

對于彭璐，藝術創作的魅力就是找到自己的獨特性。“也許在創作前不清楚自己是什么樣的人，但從做出來的作品中，反過來能看到真實的自己。”她希望在藝術家的職業道路上堅持下去，把作品做好，“有多大能力就做多大事，藝術是自由的，但內在要自律。”