如何把握歌曲演唱的舞臺表現力

[摘要]高職學校的音樂教學中，演唱是一個基本技能。培養學生在舞臺上對音樂的表現力，需要握住最基本的演唱心理，需要讓學生深入領略歌曲背后的文化因素，從音樂文化的角度判斷自己如何才能有效地表達一首歌曲，此中存在著斟選的過程。舞臺演唱中，歌唱者的表情與動作應當成為對歌曲理解后的自然行為，強調自然。教師對學生個體的指導與對演唱范例的精心研究，也可以讓學生更好地把握歌曲演唱的舞臺表現力。

[關鍵詞]高職學校；歌曲演唱；舞臺表現力；把握

中圖分類號：J616文獻標志碼：A文章編號：1007-2233（2016）12-0068-02

高職音樂教學中，歌曲演唱是一項基本教學任務，通常情況下，學生對演唱有著基本的認識，知道其是將音樂作品通過自身的聲音轉換為聲樂的表現過程，也知道好的演唱者一定需要優秀的音色與音調，還需要有精準的音樂感覺能力。應當說這樣的認識基礎對歌曲演唱的教學奠定了堅實的基礎，但同時也應當看到，僅有這樣的認識還不足以建立對歌曲演唱的全面了解，也不足以成為一個優異的歌曲演唱者。很顯然，歌曲演唱還有一個更重要的維度，那就是舞臺表現力。

舞臺表現是歌曲演唱者在舞臺上對原有歌曲演唱理解的再演繹與再創造，舞臺表現力直接決定了歌曲演唱者能否有效地將對歌曲的理解，轉換為對聽眾的吸引力。那么在歌曲演唱中如何把握舞臺表現力呢？通過對諸多實踐案例的研究，筆者提出如下三點供同行們思考：

一、舞臺表現力要以良好的演唱心理為基礎

舞臺表現力，是體現歌曲演唱者將自身對的演唱的歌曲的內在理解，轉化為外在表現的過程。這個表現首先是通過樂音表現出來的。在教學實踐中筆者發現，很多學生在初次登上舞臺的時候，總會或多或少地表現出失卻日常訓練水準，出現跑調、顫音等現象，究其本質，還是演唱心理不過關的原因。其實這也是一個老生常談的話題，但有效的轉化措施卻似乎并不多見，最常見的訓練手段往往是進行多次的重復訓練。

筆者以為，一定量的重復訓練肯定是必要的，但重復訓練對演唱心理的提升卻并不必然與訓練次數成正比例關系，因此這里還需要做好一些細節工作。比如說，教師要分析不同學生的演唱心理，這個心理除了一般的規律性內容之外，就是學生的個性心理，演唱心理與其他心理有所不同，其與學生的家庭教育、學習經歷有著相當密切的關系。通常，進入高職學校就讀的學生在此前的學習階段，都有過不少受批評的經歷，這些經歷對學生的表現心理基本上都是負面的影響，因此舞臺表現力的把握過程，某種程度上講，就是讓這些學生變得自信的過程。筆者所采用的有效辦法之一，就是跟學生“自暴己短”，告訴學生自己在學習時代曾經遭遇的困難以及是如何克服的。在教學中筆者發現，其實高職學校的學生并不會刻意模仿教師當時的具體行為，他們只是需要一個能夠讓自己變得自信的心理環境，當聽到教師（當然也可以是其他優秀的演唱者）也有與此類似的心理歷程時，他們會放下心理包袱，從而真正地將自己在日常訓練中的基本功充分表現出來。

同時，對于一些情況更為特殊的個體，教師可以采取一對一輔導的方式，讓他們學會在舞臺演唱時有“目中無人”的心理狀態，讓他們知道自己站在舞臺上唯一的目的就是將自己的演唱本領體現出來，至于其他的根本不需要顧慮，就算演唱失敗，也是自己前進道路上的一個有價值的路標。這樣的心理激勵，對于一些心理承受能力比較弱的學生，往往也能起到一定的作用。

因此，舞臺表現力把握的一個最重要的基礎，即舞臺上的自信心理由此就得到了滿足。

二、歌曲演唱者要善于用歌曲演繹音樂文化

解決了基本的演唱心理問題之后，舞臺表現力的另一個關鍵就是演唱技能所承載的音樂文化演繹的問題。作為高職院校的音樂教學，需要將舞臺演唱建立在一定的高度之上，需要讓學生認識到舞臺上的演唱并不只是唱一首歌曲，也不完全是追求音色的完美，而是力圖通過自身的努力，讓自己的演唱變成一種文化的演繹。因為舞臺表現力的最終體現，是通過文化去抓住聽眾的，只有當聽眾在演唱者的聲音當中對所聽到的歌曲產生一種心靈上的共鳴的時候，才能證明演唱者的演唱是成功的。而這就意味著在把握舞臺表現力的時候，學生至少應當做到以下兩點：

第一，全方位理解歌曲。每一首經典歌曲都有豐富的內涵，也都有復雜的譜寫背景，只有了解這些背景與內涵，才能真正把握這首歌曲的“魂”，而這也是在舞臺上表現的精神基礎。很多時候我們看到學生演唱不同風格的歌曲時，都是一種表現形式，也看到一些學生無論在唱什么風格的歌曲的時候缺少一種自我斟酌、自我挑選的意識。筆者以為這反映了學生沒有研究歌曲內涵與辨別自身演唱風格的不足，沒有一種挑選最適合自己演唱風格的歌曲的意識，導致了舞臺表現時難免缺少深度，有的甚至是顯得相當膚淺。

第二，對歌曲進行二次創作。任何一個演唱的過程，都是演唱者對歌曲進行二次創作的過程，這個過程中，需要將演唱者自身對歌曲的理解滲透其中，這也就使得演唱的過程既有對原曲意味的演繹，又有自身解讀的演繹。二次創作說來簡單，但練起來十分復雜，演唱靠的是真功夫與真實力，最終的表現形式主要就是聲音、音調的高低轉承，響度的前后銜接，音色對聽眾的感染力大小，都需要演唱者在演唱的過程中把握得恰到好處；同時，一首歌曲表現出來的或喜慶或憂傷，或大氣磅礴或婉約優雅，也都是需要演唱者去思考的，而這些其實都是二次創作的過程。這個過程中有大量個性化的任務，要求演唱者既不傷害原曲意味，又能演繹出新的內涵，一旦達到這樣的水準，那舞臺上的表現力將是毋庸置疑的。

當然，對音樂文化的理解除了這兩點宏觀闡述之外，還有一些細節要求，這需要在教學中根據具體的教學案例進行分析，此處不贅述了。

三、恰當的表情與動作是舞臺表現力的雙翼

其實演唱并不完全是聽覺的藝術，某種程度上講也是視覺的藝術。演唱即使不像舞蹈那樣有豐富的動作，但基本的動作與演唱者的表情，還是應當受到演唱者的注意的，這也是把握舞臺表現力的一個不可忽視的方面。

盡管表情對于演唱者來說，表情只是舞臺表現的一個側面，但如果到達一定的高度，就會認識到演唱者的表情其實對于更多的場外觀眾（譬如直播）而言，有著更為直接的意義。演唱者總追求一曲成名而天下皆知，有著這樣的追求，就不能忽視表情。在筆者看來，演唱者的表情其實集聚了對音樂理解的全部，大多經典的歌曲中，都會有情節跌宕的一面，不同的地方需要演唱者以不同但又不夸張的表情演繹出來（這一點可以在教學中多研究演唱大家的舞臺表演）。而動作的要求，筆者更傾向于一種自然而不做作的教學指引，即演唱一首歌曲時，情到自然處，動到適當時：一步邁出，一手揮舞，都應當是感情自然流露的結果，隨手揮灑但求恰到好處，這樣可以讓聽眾感覺到自然，從而也就抓住了聽眾，進而表現了一種舞臺表現力。

綜上所述，高職音樂教學中對歌曲演唱舞臺表現力的把握，需要結合歌曲與歌唱者兩個方面的因素，從后者演繹前者的角度進行深度思考，如此，教學目標即可達成。

[參 考 文 獻]

[1]李亞南.淺談如何提高學生的舞臺表現力[J].音樂生活， 2006（10）：62—63.

[2]王琪.淺談如何提高歌者的舞臺表現力[J].音樂大觀， 2014（07）.