“水墨記：自然的雙重性”訪談錄

時間：2015年4月18日

地點：杭州美和院藝術中心

訪談人物：

楊建國：《東方藝術·國畫》主編，本次展覽總顧問

王平：中國國家畫院媒體中心主任，本次展覽學術主持

王犁：現任教于中國美術學院美教系，本次展覽藝術總監

侯昌恒：獨立策展人、出版人，“水墨記系列展覽”策展人

王文杰：全山石藝術中心宣教部主任

“水墨記：自然的雙重性—2015山水畫邀請展·杭州”參展藝術家：

陳 磊 屠鴻輝 楊懷武 束新水 孫 磊 房漢陸 黨 震 王牧羽 許 暢

徐加存 趙 飛 方 勇 閻盈汐 孫維棟 陳明坤 李天鎖 董俊超 陳 端

張天健 楊新收 王永成 黃 威 楊士奎 李 明 楊 瀟

楊建國（北京）：這次展覽題目叫“自然的雙重性”，集合了70后、80后三十多位藝術家，共計100余幅作品到杭州來展覽，展覽幾個月以前就已經開始籌備了。參加展覽的這些藝術家大部分我都比較熟悉，以前有一些展覽曾合作過。這次和策展人提出“自然雙重性”的時候，一開始我們也進行了一些討論。這次活動不僅有北方山水畫家和所謂的風景畫家，還有浙江、南京、福建、以及臺灣的藝術家一起進行的全國性的交流展覽，比較有意義。

“雙重性”提出了傳統文化和外來文化的并置現狀，中國山水畫從歷史發展到今天，受西方文化影響較大，這次展覽確實展現了水墨多樣性的當代現狀。

王平（北京）：走進這個展廳我覺得有兩點印象非常突出：第一就是這個展覽所體現出來的當代品質，它是一個以水墨山水畫為主題的一個展覽。我們中國古典繪畫畫面呈現的不外乎氣象、格調、趣味，以及筆墨與丘壑，師承與獨意。但是從這個角度去看這個展覽，當中所體現出畫家在這方面的能力也很強。他們雖然是在當下的環境中，其筆墨精微也是顯而易見的。

我覺得這樣一個以70、80年代藝術家為主體，再加上少數60年代的畫家這樣一個群體，在作品中現既有深厚的傳承性，又體現對當代藝術的思考，這兩點的結合是這個展覽當中突出的一個印象。

再有一點就是這個展覽中所體現出畫家的綜合素質，首先是他們對于藝術的認識關系。如果他們認識上沒有一個突破，可能會古典就是古典，當代就是當代。藝術家們能夠把古典和當代做到融匯貫通，這就說明他們在藝術的觀念上已經有所突破；在創作中能夠熟練地去運用中國傳統和西方理念，這足以體現藝術家的綜合能力。這些作品是參展藝術家階段性的總結，這個展覽在全國性的交流上是一個很好的借鑒和啟發。

王犁（杭州）：去年的“80水墨記”展覽結束之后，策展人侯昌恒先生和我多次溝通，希望在杭州策劃一個山水邀請展，把全國70后、80后的水墨藝術家約到杭州來一個聚會，考慮是不是可以做一個傳統和當代的對話展，叫“自然的雙重性”。我們聊著聊著這個話題就開始深入進去，我覺得每個藝術家在面對自然、面對傳統時都會存在多重性，每個藝術家都有自己不同的切入方式。每個藝術家在不同階段面對自然、面對傳統時的內心感受是不一樣的，于是就產生了“自然的雙重性”這個展覽。

侯昌恒（杭州）：中國繪畫從魏晉南北朝、隋唐、五代、兩宋、元、明、清至今，歷經了一千多年的發展。山水畫作為中國畫最大科目，同時也是世界繪畫史上最有系統性、最具持續性的一個文化現象。本次展覽立足“自然的雙重性”，我們注重傳統同時也關注當代。

中國傳統文化在近一百多年來經歷了西方強勢文化的劇烈沖擊，傳統繪畫領域也經歷劇烈的裂變。傳統水墨在經歷了‘85美術新潮以后，至20世紀90年代末以來已經呈現多元狀態。

這次展覽從年齡結構上來看以70后、80后藝術家為主；從藝術家活動地域上看，涵蓋了北京、天津、山東、江蘇、浙江、福建、湖南、臺灣等；參展藝術家基本畢業于各大藝術院校，基本囊括了中國最重要的水墨類藝術院校：包括中國美術學院、中央美術學院、南京藝術學院、首都師范大學、山東藝術學院、中國藝術研究院、臺灣師范大學、天津美術學院、魯迅美術學院、西安美術學院、四川美術學院、山東師范大學、福建師范大學等。

70后在本次展覽的比重是比較大，34位參展藝術家中有22位70后，這些青年水墨藝術家不僅具有深厚的功底，同時也在積極地探索、思考。陳磊、羅穎、徐鋼、方勇、許暢、陳智安、劉正杰、房漢陸等參展藝術家都是在傳統領域里追尋古人的同時力求銳意進取；黨震、徐加存、王牧羽、屠鴻輝、閻盈汐、趙飛、姜浩、孫維棟則是當代青年水墨的中堅力量；束新水、孫磊、楊懷武、畢可燕、楊運高、云門張巖力求在繪畫語言中東西方文化的平衡。

這次展覽我們也很關注80后，共有12位80后參展藝術家，他們是黃佳茂、陳明坤、李天鎖、董俊超、陳端、張天健、楊新收、王永成、黃威、楊士奎、李明、楊瀟。這些80后水墨藝術家，我能感受到他們在70后水墨藝術家創下這片天地的基礎上，以一種更積極、更大膽的心態在探索著當代水墨領域的這片新天地，他們即是當代水墨的未來。

王文杰（杭州）：我的理解自然是繪畫的一個永恒話題，中國畫自古即有“外師造化，中的心源”。自然從根本上說只有一重性，后來由于人和自然的關系發生了種種變化，人在這個關系中對自然的態度、理解或者觀念形成了種種的自然特性，所以它又發生了一種多重的一個特性。比如從歷史性的角度來看，人跟自然的關系發生了這么幾個變化，開始的時候人對自然它是帶著一種敬畏的心理；到了農耕時代人對自然的關系又發生了變化，它的關系應該說是一種認識和把握的關系；再到了工業時代，人們對于自然又有了一種新的改變，這個關系是一種駕馭和榨取的關系；到了后現代人開始反思現代性，對于人對自然的這種榨取所帶來的后果和代價進行思考，所以又形成了一種人與自然之間的親和關系。這是從歷史角度講，人因為跟自然關系的變化而產生了種種不同的特性。從共識的角度來講，因為每個人視角的不一樣而產生了多重視角，所以每個人看自然的情況是不一樣的。endprint

黨震（北京）：這次在杭州舉辦的“自然的雙重性”展覽，是我個人近幾年來在當代新水墨大的文化現象當中，比較集中的以山水畫作為一個切入點參加的一次重量級的展覽。它的重要性體現在第一次邀請了涵蓋從60年代末一直到80年代的藝術家，以南北院校為主的，覆蓋面非常廣，年齡跨度非常大，面貌非常多元、豐富，集中展示了目前當代國內的一批青年畫家在山水方面的探索和實踐。

我們對自然的理解是因人而異的，人不應該放在一個具體的文化時空坐標中來看。人如何在一個特定的社會、政治、文化環境中面對傳統文化的傳承，面對現當代文化的研究和體驗？我覺得作為一個活著的流動的生命體，它應該對于文化的理解有其即時效應，同時這個即時效應又承載前期很長時間以來個人的文化建構。

就我個人而言我希望感受與理解自然的樸素、凝重、渾厚，我特別喜歡面對自然，就像我的作品畫面呈現出的荒寒、蕭瑟的情景，在這種比較孤寂、寧靜的氛圍中，我覺得自然呈現出了它的本色，而這個本色往往不是一些華麗的外表，它可能就是普普通通的一條路、一個小土坡、鄉村野外的幾棵樹。在這個很普通的看似不起眼的場景里，我似乎能感受到自然的心跳，或者是一種經過多年以來的文化的清靜之后，內心能生發出來的自然溫度的感知，這種感知在我身上體現的是對普通場景的關懷。這種普通場景會感動我，我會自然地去表達它。

陳磊（杭州）：“自然的雙重性”，我的理解是山水與風景的區別在哪里？山水更多關注的是人文情懷，就像我們在游覽過程中爬一座山，你在攀登到山頂上去遙望遠山，這是風景。在過程中爬到半山腰會有一個小亭子讓你中途休息，到了山頂上面，又有一個亭子等待著你，在風雨中你可以更長時間地觀望大自然的景色。亭子、樓臺亭閣這些人文因素加入在自然里面，山水其實就是更多的人文的情懷在其中。

山水是用動態的方式觀察靜態的對象，風景更多的是用靜態的方式觀察靜態的對象。從技法上講我們在表現山水的時候是用游的方法、動的觀點，用“三遠法”來表現對象。

我們表現山水的時候，現在所去的名山大川都有一條蹊徑在山中蜿蜒著、行進著、上升著，途中都會有小亭子，山頂都有一個建筑，讓你可游可居。

我很感興趣這個展覽，它是“自然的雙重性”，我覺得我們的文化更講究的是這種人文情懷 ，那么山水其實是人文情懷的一種表現方式。比如西湖其實是因為歷來有那么多名人、文化涵蓋在里面，所以西湖才會有如此的魅力。

徐加存（天津）：這個展覽準備得還是挺充足，提前幾個月就開始策劃，邀請的人也比較多，主題也比較明確，圍繞著對自然的認識，從山水和風景的角度來切入，而且是有學術性、有目的性地在做，這能夠起到學術帶動作用。當下我們對傳統和當代的認知有所不同，傳統和當代有區別，也有重疊的地方。我的作品著重夜晚的樹的表達，從時間性、筆墨性上切入我對自然的認識，順其自然地畫我內心想要表達的東西。

屠鴻輝（北京）：在寫生中每個畫家在面對自然時都會有自己不同的感受，這種感受我覺得應該就是應和了雙重性的提法，雙重性實際上是包含了多重性的意思。我在寫生或山水創作中一直試圖用當代人的視覺去總結、研究古人的技法；同時我一直也在力求如何在當下語境中又不脫離傳統的筆墨去發掘古人不曾發現的東西。

孫磊（北京/濟南）：前一段我去法國參加巴黎藝博會，發現西方人看待中國繪畫的方式已經發生了改變。這次展覽能把山水概念和原有的自然系統來建構一個新的模式，叫做“自然的雙重性”，我覺得這個挺有意思。今天在我們的文化里面，自然的視覺方式已展開，也越來越多樣化了，傳統的山水已經僅作為其中的一個基礎性的文化能量。當代的年輕人在著眼于繪畫本體的時候，已經能把這種自然能量轉化為每一個人獨特的當代性認識。

當然操持水墨方式的差異也會導致描摹自然的方式帶來的活力有所不同。中國文化在當今世界開放的語境中，重新審視文人精神、重新審視山水畫關于自然的雙重性問題至關重要。這不僅僅是對我們本民族、本地域視覺表達的展開，同時也是我們走向世界文化語境的通道。

束新水（南京）：參加這個展覽我也是很認真地對我的作品進行了一些挑選，這個展覽的名字叫“自然的雙重性”，我想主辦方是想借助自然這個母題，闡發出多種的意義。雙重性只是其中的兩個方面，我個人的理解：雙重性一種是與自然本體相關的；第二種與內心自然相關的。就是個人對于自然的某些解讀，或者是自己用什么語言、用什么表達方式來抒寫心中的自然。藝術的最高追求就是自然性、樸素性。

我這次參展的作品是《蘇州園林寫生系列》，我的畫面力求“拙、闊、厚”，以突破傳統意義上人們對蘇州園林精致、柔美的習慣性理解，我是在營造自己心目中園林的立體景觀。園林給每個人的感覺是不一樣的，關鍵是你如何用自己真切的情感去訴說、解讀。

王牧羽（北京）：就現在展廳中的作品關系來看，這個雙重性可能在狹義上指我們在傳統和現代之間的視角轉換。就我理解雙重性這個詞可以作為一個契機引導我們更多地思考，其實自然本身可以給我們的這種啟發與視角可能遠不止兩重，甚至三重、四重，這也是我這一段時間對云這個圖像不斷探索的一個核心命題。

談到我的作品本身，從最初把云當成一個簡單的自然風景元素，到后來開始把云看做具有明顯的人格情感的象征意味的符號，再到現在逐漸地把視野看得更開闊一些，超越一般的情感、思想、道德、德威象征。應該說剝離了云本身強加的符號意味，反而凸顯了云的自然屬性。我希望我堅持的風景狀態——云的圖像上聯系古代的、現代的、社會的以及我個人的內心體驗，把對云的理解爭取做得更好。我無法定義自己的創作狀態如何分類，但是希望通過我的探索能夠加深我對藝術的解讀。

李天鎖（河北）：我在創作當中一直在尋求一種詩與風景之間的關系，郊外的一些小土包，還有一些很平常的風景，都能讓我很感動。 我平時畫的雪景比較多，很大程度是在經營一種“白”，我覺得“白”有很大的張力。“白”能很好地和傳統銜接，古人也特別喜歡經營留白、飛白。“白”有一種空、無、禪的意味。endprint

這些作品剛開始的來源是一些黃土高原的圖片，看了之后特別激動，后來就慢慢注意到身邊的一些景色也讓我很感動。在構圖上一直在尋求想找一種設計感，我特別喜歡原研哉、靳埭強這些設計藝術家，從他們身上我也借鑒了很多東西。

閻盈汐（南京）：我理解這個雙重性有很多的角度可以去理解它，一個是從畫面本身，它的定位是山水。我們今天來談山水，實際上山水的概念是被延伸了很多，包括像我的畫實際上沒有山也沒有水，其實是現代工業時代的一個場景。這個展覽山水的概念其實把它也放進去了，我覺得也不只是雙重性，它是一個多角度、多維度的對山水的定義。

另外我覺得這種雙重性還可以從傳統和當下的文化重疊上，還有沖突等這些方面來看也很有意思，而且這個展覽是放在杭州，這就使它的主題更加突出。杭州是一個傳統文化的重鎮，尤其是在山水畫這一塊，展覽的面貌實際上也是多種多樣的，有當代性的、有傳統的，還有很多甚至無法定位的一種角度，所以我覺得這個展覽非常有意義。

房漢陸（南京）：對傳統和風景這個概念，每個人的理解不完全一樣。從我個人的理解，中國山水畫從某種意義上它就是中國的中國畫，畫中國的風景，但它又不同于西方的風景。中國傳統山水講究“三遠法”、散點透視，而不同于西方的焦點透視。中國傳統文化中道家思想的貫穿，決定了傳統山水對自然的認識，藝術家們總是希望能夠達到一個理想的境界——可游可居，這也是中國畫的高妙之處。

中國千年的傳統繪畫我們如何認識、繼承很重要，黃賓虹就是對傳統繼承的一個很好榜樣，我認為他的山水畫是集大成的，它對山水的認識在近現代來說是一個高峰。現在對我們年輕畫家來說，對傳統如何繼承也需要有自己的認識。

楊懷武（杭州）：首先我覺得自然是作為中國繪畫或者是藝術中最高的一種境界，我們說“人法地，地法天，天法道，道法自然”，自然就是合乎美的最高標準，所以這次展覽主辦人把“自然”作為雙重性的題目來呈現；第二，我的理解是它規避了我們所說的山水畫或者是西方所謂的風景畫的兩重概念，把這兩種符號也盡量淡化，都歸于自然的范疇里面里，這可能也是這次展覽主辦人從中國東西方文化的雙重性方面來考慮這個因素；第三，處在中西文化交匯的今天，在當代藝術的領域，我們離不開自己的生活，在這個交匯點上，這次展覽主辦人選擇了東西方交匯的雙重性來組織這個展覽，我覺得他有當下的思考在其中。我們作為一個生活在當下的藝術家，怎么去面對我們的生活，去面對我們的自然，去面對我們日常見到的所有的這些事務，怎么去理解，怎么能表達我們的心境，怎么能從我們的畫中展現出來。

我的作品《南山系列》其實就是我理想中的一種文化符號、精神寄托，它既不是傳統意義上的山水，也不是完全西方化的風景，“南山”是我思考人生寓意的心靈寄托。

許暢（杭州）：繪畫這條路怎么走也是挺苦的一件事，能堅持到現在的人并不多。我認為繪畫是修心的過程，放棄所有與畫畫無關的事情，進入一個很好的創作狀態。享受過程是最重要的，完成的作品帶給你的感動遠不如創作過程，創作結果只是拿來與大家交流的手段而已。別人對我作品的肯定與否定已經和我沒有關系了，我對藝術的堅持是以自我為中心的。

方勇（天津）：“自然的雙重性”這個展覽立意非常好，它首先從古人傳統的脈絡和西方風景的脈絡來談這個問題。面對自然，傳統的視角是“澄懷觀道”、“暢神”的理念，“山水”作為人的內心情懷寄托和文化意義闡釋的一種表達方式，通過筆墨的形式把它作為人文道同的一種載體；而西方風景的理念，更多的是面對自然去挖掘自然本身的自然特性，以及所謂的在西方語境下的自然與人的關系。

當代中國水墨畫家選擇的方式有多種，從有傳統筆墨出發，可以借鑒傳統符號依然可以直達內心；有從西方的角度出發，借助西方的形式來研究、探索人與自然的理念和關系；每個人對“自然雙重性”的理解、表達的不同是一個非常好的立意和起點。

我個人是傾向于筆墨立意，以筆立意、造型來傳達自然萬象。自然的變化是豐富多樣的，自然本身就有它自己的獨特意向和審美特征。傳統脈絡里每個人的稟性有所不同，在筆墨錘煉和自我修為上也是在摸索自己的內心審美點，這是傳統筆墨的錘煉方式。而我們當下人則更注重所謂當下人的內心、現實社會，工業社會與自然多了一重復雜性的關系，這些復雜性遠遠超越古人所面對的，我們面對的不再是一個和諧的、“天人合一”的狀態。我們面對的更多的是一種對抗，人與自然的關系變得更加復雜、矛盾。山水畫家在當下做的不僅僅是復制古人的趣味、技術和形式，更重要的還是自己內心的體驗和投射。藝術家既要有傳統的文化脈絡，同時又要有個體的內心感受。我個人更傾向于以筆墨記憶來傳達所謂的山水意向，這種意向是內心和文脈的雙重結合點，這也是我基本的創作點。

趙飛（北京）：作為繪畫者，我們和自然本來就是一種很親近的關系。當然自然在我們每個人的心中都是不同的，包括這次展覽的幾十位畫家，我覺得自然在每個人內心是有不同的呈現。這么多畫家把各自不同的呈現聚集在一起，形成一種整體的面貌。這里面有一些傳統的，也有一些偏當代的，我覺得都是藝術家內心的一種感受。

我的工作主要是圍繞三個方面：第一個方面就是以創作為主，創作是自己在畫室中進行內心自我的呈現，這是自我狀態；第二是臨摹，學習傳統山水，在這個過程中以求無我；第三是寫生，在自然中藝術家會有非常新鮮的感覺，這種感覺會無形中流露入畫面，這是一種有我無我的狀態。

黃威（北京）：我在西藏游歷三年，生活在藍天白云之下就會對純潔的東西非常感興趣。我的畫面想表達的是在當下這個浮躁的環境中一種安靜的意境，給人一種或者是安靜、或者是躁動、或者是憤怒的情感表達。

陳明坤（杭州）：這次展覽的主題很明確，叫自然的雙重性，主題也很突出，還有一定的內涵，在崇尚人文的基礎上，更要崇尚生活，這是我對這次主題的理解。至于我們在創作過程當中的一些想法，無論從創作技巧和對生活的理解，都處在一個積累階段，也許作品呈現的面貌還不是很成熟，我們還處于一個不斷學習和積累的階段。endprint

在這個積累過程中，我們也會嘗試著去表達自己的意思，或者把自己的想法怎么更好的表現出來。這個時候會遇到一些困難，一個是生活的積累，還有一個是對古人學習的積累。另外我們也可以做到表達，但表達的方式也許沒那么高級或完美。藝術沒有永遠完美的時候，在表達過程中如果我們的積累更厚實，也許作品會更加精彩。

孫維棟（山東）：在當下這個開放、多元的時代，由西方風景畫和中國傳統山水畫而引發，面對自然的山水我們怎么去選擇、怎么去畫、怎么去表現自己的內心世界這些問題，每個人都會有自己的想法。

對于這次展覽我覺得最大的感受就是主題：自然的雙重性。我的理解“雙重性”就是傳統山水在多元化水墨環境下怎么去探索、表現，怎么用各種方法去表現自己的內心世界。

我的作品受黨震老師、段正渠老師、劉進安老師影響很大。這次參展的幾張作品是關于陜北系列，我去了好幾次陜北，每次都是和黨震老師一起去的，我們住在一個老鄉家里，對那邊的自然景色比較熟悉。回來后我根據自己的感受創作的，是集中一段時間對陜北感受的綜合。

董俊超（濟南）：作為中國傳統山水畫的“外師造化，中得心源”中的“師造化”就是師自然。當下我們山水的學習已經西化了，西方的風景畫和中國的傳統山水畫有相通的地方，也有非常明顯的不同之處，但都是對自然的再現和體悟。我喜歡在自然中面對現場直接寫生，同時我對于中國傳統繪畫也是非常喜歡。我喜歡去自然中搜集素材，尋找生活中的點點滴滴再運用到創作當中去，以自己的方式在自然中直接創作、深入體味。

張天健（臺北）：這次“水墨記”展覽我是代表臺灣來這邊做一個交流，在自然、在水墨的轉化上，可以看到大陸這邊一些畫家對于水墨的一個看法，我覺得蠻不錯的。我想借此可以探索在墨彩上的運用、題材上的選用、技法上的應用，或者在深入上都會有很多不同的想法和見解，希望這個展覽可以持續下去，或者有更新的看法、更新的角度在水墨，或者水墨以外的角度去切入。這次展覽集中展示了70后、80后藝術家的作品，大家去看的時候會更清楚我們這一代青年藝術家相對于古代或者前輩們對于水墨的理解會有一種不同的詮釋。

我這次創作以風景為主，畫面注重韻味。我的畫跟傳統山水又不太一樣，是用自己理解的筆墨的獨特性創作的。水墨畢竟是我們中國人的一個文化特色，我把和內心比較貼近的文化契機給展現出來。我選擇用風景去表現寧靜，一個反映內心世界的心象。

我在內容、題材上對于墨彩的控制，與大陸的比如杭州重視筆墨的畫家作品比可能會區別比較大。在筆墨的詮釋上，我希望大家對比一下臺灣、大陸的差異做一個深入的探討。

陳端（福州）：“自然的雙重性”是非常有意思的一個主題，對于客觀自然的理解在歷來中西方繪畫中呈現出的差異非常大，所謂的中國山水畫跟西方風景在訴求上有很大的區別。這次展覽我覺得特別有意思的是畫面處理，大家面對同樣的自然本體，在空間關系、畫面處理上還是呈現出比較大的差別。學院派畫家的風格、圖式、語言上呈現出來的當代性，以及對傳統的理解都有著自己截然不同的方式，這和畫家的地域性、文化差異都有比較大的關系。

首先我覺得我是一個比較典型的南方畫家，我畫的是現代都市轉化下的山水，在我的畫面上可以看出我更多思考的是中國傳統山水體系和現代西方色彩體系的結合、轉化，形成我的繪畫語言。我可能更喜歡比較細膩、細致、寧靜的表達方式，在經營山水樣式的時候更多的注重采風、寫生過程集聚的一些靈感，想辦法用自己的喜好方式在畫面上重新組織，形成自己特有的一種風景。它并不是很具體的某一個所在，而是我內心深處對于遠方風景的一種向往。

楊瀟（北京）：在當代社會藝術的種類呈現出一種很多元的趨勢，我們在這種大環境下如何去看待自己的作品至關重要。水墨作品在當代呈現這種多元的思維，山水畫是比較難的。在當代背景下中國畫發展到今天，我想我們還是應該以一種發展的眼光來看待自己的藝術創作，在這個過程中，我們可以去吸取一些新的筆墨結構、新的思想，而不僅僅是傳統的文人思想。我們如何審視，如何探索至關重要。

楊士奎（濟南）：這個展覽和以往的相比不大一樣，現在這種主題性的展覽我們大家比較推崇，尤其是以自然為主體。參展藝術家有相對傳統的方法，也有相對受西方影響較大的一些畫法，這些作品都放在一塊，有一種對比，甚至是強烈的對比。

大家對于自然的理解不一樣，有一些是關照內心的，有一些是關照外物的。這次來也學到了很多新東西，知道大家對自然外物探索的心理過程。我創作這些作品，是因為之前出去寫生的時候，有過一些感受。有一次夜晚畫一個群山，就覺得特別地受感動，和自己內心的想法特別契合，就畫出了那么幾張，自己特別想追求一種雄渾的感受，一種意境。我之前是畫建筑比較多，畫建筑的時候也會附帶一些山的元素在里面。

這次展覽主題是自然，策展人當時就說要更貼近對自然的理解，人文的景觀要相對弱一些，所以我就畫了這么一批，就想探索一下關于宇宙洪荒、孤寂的感覺，想表達一下那種宏大的感受，慢慢的去做一些探索。這就是我畫這批作品的感受。

楊新收（北京）：我在中國藝術研究院的學習受趙衛先生、方向先生影響比較大，同時畫面受米芾、宋畫的影響也較大，畫面呈現比較細膩的感覺。

做這個展覽的創作之前也對美術史中的一些資料做了研究和分析，我想作為一個當下的創作者如何擺脫之前的套路，如何將現當下生活中的生存經驗、生命體悟帶到自己的創作中去，這是我們藝術家所要面對的重要課題。

王永成（湖南）：水墨發展到今天，有兩個思路可以去探索。按照中國文化傳統的文脈發展過程這樣一直畫下去，順著中國畫傳統的思路進行創作；現在講的新水墨也好、當代水墨也好、實驗水墨也好，就不再按照中國畫傳統的脈絡、思路來進行創作，可能有更新的面貌。我覺得新的和傳統都不是問題，都可以畫出當代人的感受，只是選擇的手段和方式不一樣而已。我覺得這個展覽以山水為主題，表現兩種不同的對山水、對自然的態度，把大家聚在一起，開一個研討會，這是很好的一個話題。

李明（濟南）：我認為自然更多的是一種狀態，是追尋一種自然而然的狀態，包括繪畫、生活，這種自然而流露出來的不做作，這是達到“天人合一”的一種效果。我們應該從自然中吸取，然后注入到自己的作品中，這個過程我認為也是自然流露的，不是刻意去疊加很多東西，這些也必然是與畫家本身的經歷比較合一的，而不是造作出來的，所以我對自然的理解更多的是一種狀態，是能把自己的這種繪畫狀態表現得更真切一些。我比較喜歡感性的作品，現階段受西方的基弗、霍克尼、克萊因等人影響較大。endprint