淺析繪畫中的色彩

胡俊

摘 要：本文從傳統繪畫的色彩表現，簡述色彩理論的形成及其在傳統繪畫中的運用，從而體現藝術家從描臨自然的奴役中獲得解放，色彩成為藝術創作中藝術家自由發揮創作力、想象力，實現藝術追求、藝術理想的武器，凸顯出自身無限非凡的魔力和光彩。

關鍵詞：傳統繪畫 色彩表現 魔力 光彩

畫家的色彩觀決定著色彩在繪畫創作中的使用方法和表現限度，并形成特定的色彩理論服務于被限定的繪畫表現形式。

傳統繪畫的色彩表現，遵循嚴格的色彩理論要求。縱觀西方色彩學的發展史，從歌德的“色彩論”，到1810年龍格的“色地球”，到1839年謝弗勒爾發表“論色彩的同時對比規律與物體固有色的相互配合”一書，都全面對光的形成因素、組成結構、功能等等做了深入細致的分析研究，揭示了光線、色彩的奧秘，同時也成就了繪畫色彩學的一場革命，掀開了人類繪畫藝術史新的篇章，促成了印象派及后印象派的誕生。它的形成來源于19世紀初期科學技術的進步，特別是受到現代物理學、化學、生物學及光學理論的發展的影響。

色彩來源于光，光產生色彩；光是色彩之母，沒有光就沒有色彩。光，是一種人類肉眼可以看見（接受）的電磁波。但光波本身是沒有色彩的，是通過人眼來感知的，但至今還不十分清楚人腦是如何辨別這些波長的。牛頓最先利用三棱鏡將白光射線分離并投射到熒幕上，呈現為連續的七種色帶，第一次觀察到光的色散，分別是紅、橙、黃、綠、青、藍、紫。如果將這七種色光用聚光透鏡加以聚合，又會重新變為白光。假如其中兩種色光以適當的比例混合后能產生白色感覺時，則這兩種顏色就稱為“互補色”。主要的三組互補色，分別是：紅色和綠色，橙色和藍色，黃色和紫色。每一種色光是所有其他色光混合形成色光的補色，例如：我們將紅色光分離出來，用聚光透鏡將剩余的橙、黃、綠、青、藍、紫六種色光聚合起來，獲得的調和色光將是綠色，即綠色是紅色的補色，并且一定找不到其他的色相。

可見物呈現出的色彩是指物體通過表面分子結構吸收其中六種色光射線，未吸收的一種色光射線反射出來的顏色，正如我們所看到樹葉是綠色的，那是因為樹葉吸收了除了綠色的其他六種色光，是光產生了顏色。一般來說，不同色光相加形成的新色光，純度不變，如：藍色+黃色=綠色，綠色光的鮮明度（純度）不會增減。這種色光調和的方法稱為“加色法”，常應用于攝影成像技術、舞臺燈光效果及影視藝術等視覺藝術中。

繪畫使用的色彩——顏料，均為物質性的，都是吸收性的色彩，色彩相互調和形成新的色彩，其純度會減弱，調和的色彩種類越多，獲得的色彩純度越低。物質性色彩調和的這種方法，我們稱為“減色法”。當互補色或包含紅、黃、藍三原色的結合體以一定的比例調和時，其減色的結果是黑色。

世界萬物呈現的五顏六色均是由紅、黃、藍三種顏色調和而成，稱謂“三原色”。這三原色按照不同比例和強弱混合，可以產生繪畫創作需要的各種色彩。其中兩種色彩相加形成的顏色，稱為“間色”，也叫“二次色”，如：紅+黃=橙，黃+藍=綠，紅+藍=紫，特征是調和后的顏色純度減弱、灰度提高。三種以上顏色相互調和成為有色彩傾向的灰色，稱為“復色”，如：紅+藍+紫=紅紫灰，黃+藍+紫=黃綠灰等等。色彩調和次數的多少決定了色彩的飽和度，飽和度越高，色彩越鮮亮；反之，則越灰暗。

遵循科學實驗取得的結果所形成的色彩學為傳統繪畫藝術的創作、探索及繪畫教學提供了整套的強大理論支持。在傳統繪畫藝術中，原則上規定不能直接使用原色，甚少使用間色，認為過多使用原色、間色，畫面色彩會顯得生澀，被認為沒有色彩修養、品質，一般是未受過專業訓練的初學者。繪畫一般必須使用經過調和的色彩，利用“灰色”作畫。在19世紀以前的歐洲，特別是俄羅斯繪畫藝術，至今仍然堅持這一原則。

在繪畫中怎樣表現光、空間、體積感？傳統繪畫的表現方法：1.通過黑白對比，受光面亮背光面暗。19世紀以前的歐洲繪畫多采用單一色彩的深淺變化表現。2.印象派時期，除了延用色彩明暗度對比的手法，還發現了色彩的冷暖對比、色度對比，條件色的使用。色彩的冷暖特性，即色性。根據心里感受，把顏色分為暖色調（紅、橙、黃），冷色調（青、藍）和中性色調（紫、綠、黑、白、灰），暖/冷色調分別給人以親密/距離、溫暖/涼爽之感。但又是相對的，如：大紅和橘紅對比，大紅顯冷，橘紅顯暖。離開了人，色性便不存在。色度是指色彩的飽和度和明暗度。不同波長的色彩，其鮮亮度不同，如：黃色的波長比藍色的長，就顯得更鮮亮。條件色分為固有色、光源色和環境色。固有色即物體本身固有存在的色彩。如：草地是綠色的，海洋是藍色的。光源色指發光體產生的光是有色彩傾向的，如：陽光是黃色的，火光是橘紅色的。環境色則指物體受光后，物體受周圍物體影響所呈現的色彩，如：白色物體放置在紅色環境中，白色物體略呈現為紅色的意味。光源色具有色彩傾向，即有色彩的冷暖特性，當物體受光照射時，物體受光面的色彩除略顯光源色色相外，還呈現冷和暖的感覺，如：篝火旁圍坐的人群，人的面頰受火光照射顯得溫暖、紅潤而熱烈，暗部陰冷紫藍色彩帶著綠色。通過色彩冷暖的運用（圖一），可以準確生動地塑造出人物臉上洋溢的幸福、歡樂，真實、完美地再現了熊熊的火焰。也可以這樣說，只有明暗黑白對比關系描繪的畫面，光線不具有更真實的感受，沒有空氣感、沒有人情味。而使用了冷暖特性進行繪畫表現的，畫面顯得更加貼近自然、更真實，有身臨其境、心生情懷的感覺。孩童、初學繪畫的人，開始一般采用固有色彩來繪畫，表現星空一定是深藍色的，白色代表月亮和繁星，綠色代表樹葉……畫面顯得生硬、虛假、不真實，其原因是作畫時沒有考慮光、環境對物體的作用，物體本身固有的色彩受到條件色的影響會發生變化，此時物體的色彩已經不再是原本固有的色彩了，夕陽西下時天空不再是固有的藍色，而是變為絢麗的紫色，白云也變為彩色。在繪畫表現中，條件色的運用使畫面中的物體相互關聯、相互影響，形成有序、真實、生動、統一的畫面效果（圖二），畫面色彩鮮活豐富，能夠正確地指出各種色彩之間的關系、色彩產生的道理。

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人類進入20世紀，現代繪畫藝術中的色彩觀發生了巨大的變化，產生了新的色彩認知，色彩被還原為本真的自然屬性和承載著人類文化情感表達的附屬屬性，重新回歸藝術創作，拋棄了之前歷史上人為設限的色彩理論，形成自由、開放、客觀、兼容并蓄的新繪畫色彩觀。色彩也作為視覺藝術創作中的獨立重要元素之一，得到人類社會前所未有的尊重、理解和認識。

英國藝術批評家和理論家赫伯特·里德認為，“整個藝術史就是一部關于視覺方式的歷史。我們所見的東西并不決定于固定不變的光學規律，而是決定于發現或構造一個可信的世界的愿望”。現代藝術提出反傳統，建立藝術新秩序的口號并以實驗性為其手段，對繪畫藝術在多方位和多層次上自由地實驗各種各樣的觀念和材料的應用的可能性做出了歷史上空前的更廣闊的努力。20世紀常重復這樣一句話：“繪畫不是追隨自然，而是和自然平行地工作著。”藝術家從描臨自然的奴役中獲得解放，色彩成為藝術創作中藝術家自由發揮創作力、想象力，實現藝術追求、藝術理想的武器，凸顯出自身無限非凡的魔力和光彩。

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作 者：胡 俊，昆明理工大學藝術與傳媒學院副教授，主要研究方向為油畫創作。

編 輯：郭子君 E-mail：guozijun0823@163.com