創造自如的演出空間——淺談燈光與舞臺演出的融合之道

■崔鵬

林林總總的舞臺演出，無論是話劇、歌劇、舞劇、戲曲等各類舞臺劇，還是演唱會、頒獎禮、開（閉）幕式等大型演出活動，燈光照明不可或缺。從最初的基本照明時代發展為當今以提升藝術質量和深化創作主旨的大“光景時代”，燈光的發展日臻成熟。其實就舞臺演出本身而言，筆者認為舞臺上所呈現的畫面無非有兩種：靜態畫面和動態畫面。演出中兩者交替出現，配合演員的調度和劇情（或環節）的起承轉合完成整個演出過程。因此，在實現基本照明功能的前提下燈光在舞臺上的主要任務就是：圓滿流暢、動靜皆宜、進退自如的全程參與和融入。我們要在美學基礎上通過燈光特有的藝術手法創造完成好舞臺上每一幅視覺畫面，無論是靜態的還是動態的。這也是燈光設計師的藝術創作方向和目標。以下我就此來淺談一下自身的體會與心得。

一.創造符合演出風格和藝術品位的靜態畫面。

如果把舞臺演出比作一幅幅流動的圖畫，那燈光就像畫家手中靈巧的畫筆，渲染出一幅幅絢麗多姿、空靈嫵媚、亦夢亦真的舞臺畫卷。

舞臺演出在觀眾眼里可能首先是一個個靜態畫面，而且這每一個畫面都是舞臺創作者們的心血之作，編、導、演和舞臺各創作部門無不竭盡所能，力求精美。藝術創作都有一定的規律和標準，舞臺畫面創作也一樣，舞美設計師搭建了一個基本舞臺框架結構，配合導演的調度和演員的走位，燈光在光區、光色、光束等加以創作和處理，就形成了一幅幅特定環境和時空下的視覺畫面。其藝術創作依據和標準主要有：

首先要有合理和藝術的構圖。根據不同的舞臺場景和劇情，配合燈光不同光位和光區的控制，可以創作出既符合藝術美感又適合規定情境的舞臺畫面構圖。要注意構圖中的主次關系和空間處理。該飽滿的要飽滿，該簡潔空靈的也要學習國畫的留白處理，要有理有利、雅俗共賞。

其次，舞臺畫面的色調處理與把握。如同所有美術創作的色彩要求，演出整體畫面的大色調要統一，具體細節畫面要注意光、景、人三者相互間的色相、明度、飽和度的關系和影響，盡量做到交相輝映、相得益彰。需要注意的相互關系和影響有：光色和服裝顏色，光色和背景色，服裝色與背景環境色等，同類色配合（如紅色系光配黃色系服裝）相對協調，非同類色系配合要注意慎用對比色，此類用法用好了很出彩，比如深藍色的環境色氛圍里一點橙色光強調主體，的確有點睛之美。但用不好也會成為低級錯誤，比如紅光打在綠色服裝上，會造成視覺上的“臟”，有專業水準低級之嫌。明度上較亮的主體應盡量與較暗的背景有一些反差，以突出演員表演和創作主題。光、景、人三者在色彩明度和飽和度上應該注意。三者的色彩飽和度要區分開，有濃有淡，主次分明。

最后，舞臺畫面的光比處理。解決了光區和光色，就需要考慮光比問題。人物和背景之間、前后背景以及前后人物之間的光比關系都應根據情境需要和視覺美感分清主次、虛實，在某些特殊舞臺表演情境中，比如奧運開幕式中的“人在畫中舞”的LED畫卷上的飛天舞，就需要用燈光強調刻畫主體人物——女舞者，同時弱化周圍光亮，主觀的光比變化帶給觀眾視覺上鮮明的主觀鏡頭，從而達到出神入化的表演藝術魅力和博大精深的中華傳統文化的有機融合，這無疑就是此類舞臺畫面成功創作的最佳實例。

要想實現舞臺靜態畫面的藝術水準，燈光師除了熟悉現有燈具等相關硬件和控制系統之外，必須具備和掌握一定的美術知識和美學功底，這樣才能從硬、軟件兩方面保證舞臺畫面的藝術水準。

二.創造契合演出風格和情境需要的流動自如的燈光變化（動態畫面）。

隨著科技的發展和燈具功能的不斷加強，燈光在舞臺上的表現空間越來越大，手法越來越多，舞臺上時空交錯、光怪陸離、變幻無窮，為觀眾帶來了強大的視覺刺激和享受。“當代舞臺燈光在舞臺上已經完全成為一種新的東西，一種通過時間秩序下形成的空間秩序。”——捷克著名舞臺美術設計家斯沃博達如是說。這說明燈光技術帶來的不僅僅是舞臺視覺上的變化，更重要的是如何運用好這些技術和手法，做到“燈盡其用、人盡其才”，尤其是解決好舞臺流動畫面相應的流暢性和藝術性。筆者認為，在與創作團隊充分溝通解決好整體演出風格和相關技術問題之外，燈光師在舞臺畫面創作上應注意這樣幾點：

首先，所有動態變化畫面要符合規定情境和演出需要，動之有理，言之有物，“不搶戲”。燈光永遠是隸屬于整體舞臺演出的一部分，任何超越劇情需要和整體風格之外的表現都是錯誤的。這一點必須明確思想，要合乎情理和心理，符合演出的整體風格和具體氣氛需要，如果單純片面的強調其藝術性和視覺美感，勢必造成燈光與整體演出風格氣氛的脫離，觀眾對燈光注意力多過演出本身，難免“舍本逐末、嘩眾取寵”之嫌。要做到這一點就要保證所有燈光變化的點（行話“Q點”）必須精準。而精準的主要根據就是切實符合演出當時的情境氣氛需要而不得不變，這話說起來復雜，舉例來說較易理解。昆劇《精忠報國》里岳飛最后飲毒酒一幕，演員舉杯先大笑幾聲而后一飲而盡，燈光Q點有兩個選擇，一是大笑，一是飲酒，光效是舞臺天幕一片血紅既形象又意象，整片天幕的血紅夸張而又到位的表達出當時的悲壯氣氛。稍加分析，Q點變化自然在一飲而盡這個動作更具說服力和氣氛需要，但若選擇前者為變化點勢必“搶戲”和突兀。燈光變化對演出整體視覺效果的重要性由此可見一斑。

其次，燈光的變化必須符合整體演出風格和具體音樂節奏。從風格上講演出可以分為兩大類：寫實的和寫意的，比如話劇和歌（舞）劇。當然一種演出形式本身也可能同時有寫實和寫意兩種表現形式，無非是所占比例大小而已。節奏性本身是演出鮮明的外在風格之一，包括演員表演節奏、舞美空間變化節奏以及音樂變化節奏等，這些節奏既相互統一又相對獨立，燈光在完成時空變換和情感表達的同時，必須配合好這些節奏變化，既不能雜亂無章，也不能一成不變。整體光色、光強以及光比方面要合理運用、用心把握。這方面寫實性的演出相對寫意性的演出變化要少些，比如話劇中，清晨、白天、夜晚等環境里光線也應該有相應的變化，這都屬于符合客觀規律的正常變化。但像歌舞劇等寫意性演出相對就變化多些，也更主觀，這就給燈光提供了較多的表現空間和機會，同時也提出了更高的藝術要求，怎樣避免花哨、繁瑣，力求洗練、大氣，精益求精、恰到好處是燈光師在視覺畫面上一直努力追求的目標。在配合演出節奏的同時，燈光的自身也應具備一定的節奏，“動如脫兔，靜如處子”用在此處也不為過，這支有靈性的“光筆”在舞臺的整體畫面中如何揮灑自如、張弛有度、游刃有余，就看燈光師的功力了。

著名燈光大師金長烈教授曾經說過：“戲劇空間是動態空間、劇情發展的空間、人物流動的空間、時間藝術與空間藝術完美結合的空間”,“劇場藝術是一種 ‘活的藝術品’”,“舞臺藝術家追求的是舞臺上一幅幅‘織在時間上的圖畫’”。的確，有時舞臺美術師就像隱藏舞臺之后的魔術師一樣，與舞臺上變幻時空、穿越古今、創造奇跡，但是，如果沒有美學和品位的鋪墊，沒有理論與實踐的歷練，沒有情境與氣氛的需要，再好的時空畫面、視覺刺激也只能是曇花一現、過眼云煙，留不下一絲痕跡。所以，做為一名優秀的舞臺燈光設計師，美學功底的修煉和藝術實踐的浸蘊一樣也不可少，同時還要時時刻刻關注相關舞臺科技動態，緊跟時代步伐，方能立于不敗之地。