淺談色彩

摘要：素描和色彩都屬于繪畫學習中的基礎內容，兩者之間是相互影響、相互補充的。大多數人開始學習繪畫都是首先接觸素描，素描是通過運用黑白關系的變化來表現所描繪景物的體積以及空間關系，它的不足之處是無法表現出所描繪景物的色彩。

關鍵詞：色彩；繪畫

[中圖分類號]：J2[文獻標識碼]：A

[文章編號]：1002-2139(2012)-04-0091-02

曾經有個從小學習繪畫的學生，他在素描方面受過訓練的比較多，個人也比較喜愛素描，而在色彩方面卻學習得比較少一些，畫過的色彩習作估計也只有素描習作的一半，這或許是因為黑白關系比起色彩關系來相對簡單，比較容易掌握的緣故。然而，正如上面說過的，素描與色彩之間是有緊密聯系的，素描的進步能帶動色彩的進步，色彩的長進同樣也會帶來對素描的新的理解與認識。因此，對于素描和色彩這樣的繪畫基礎性訓練，都是為了培養我們最為一名藝術家理應具備的審美情趣、審美意識，讓我們知道什么是美的，什么是不美的，為今后的創作打下一個良好的基礎。

無論是素描還是色彩，我們所要表現的景物都存在著自己本身所固有的結構。

在素描中，我們注重的是景物的形體結構。比如，一個球體，當我們在用素描的黑白關系來表達時，會畫出這個球體的亮面、灰面、暗面、反光以及投影。而這種白、灰、黑的關系的產生，就是因為景物本身結構的作用。當光線照射在球體的表面，光線會因圓球體本身的結構變化，發生復雜的反射，有的地方反射的多，有的地方少，還有的地方會受到球體的遮擋，因而產生了這些黑白關系的變化。因此，景物本身的結構是左右明暗關系變化的根本因素。不論光線的方向性如何，即便是在完全黑暗的環境中，景物本身的結構是永遠存在的。因而在素描中，景物本身的形體結構是最很重要的。我們所看到的明暗變化，都是形體結構的變化。

形體結構在色彩中也是很重要的。

不過既然是色彩，我們也就自然應該更關注景物的顏色。那么，通常我們用肉眼所看到的景物的顏色又是怎么產生的呢？其實我們所描繪的景物本身是沒有顏色的，我們之所以會看到五顏六色、五彩繽紛的顏色，是由于每一個景物本身的材質、結構的不同造成的。不同的材質，它們的原子或分子的排列也不同，這就造成了它們在相同光線條件下，對光線的不同的吸收和反射。吸收一部分光，反射一部分光，全部反射的就呈現白色，全吸收的就呈現黑色，只反射紅光的物體呈紅色。例如：我們所看到的砂粒是黃色的，砂粒本身是由二氧化硅構成，二氧化硅吸收了光線中除黃色之外的成分，而不吸收黃色，反射出來，映射到我們的眼睛里，我們看到的砂粒就是黃色的。再舉個例子：鉆石，鉆石其實是透明無色的，它之所以會擁有令人炫目的五彩繽紛的色彩，是因為鉆石上具有無數的面，也可以說它是一種透明的多面體，正是這些不同形狀、不同大小的面對光線進行了不同的反射，從而產生了五彩繽紛的色彩，而鉆石本身的這些面，也就是鉆石的結構。也就是說，物體的色彩是由光的照射而產生，物體的固有色是不存在的。與其說這是一種色彩理論，倒不如說是一種光學理論。印象派畫家認為，景物在不同的光照條件下有著不同的顏色，他們是在忠實地刻畫這些在變動不大的光照條件下的景物的真實性，而這種真實性也就是一種轉瞬即逝的、短暫時間內的景物的印象。在繪畫歷史上，又一個非常有名的小故事：當法國著名印象派畫家克勞德·莫奈在畫《日出·印象》這幅作品時，庫爾貝（居斯塔夫·庫爾貝，法國畫家，寫實主義美術的代表人物）和莫奈一同在外作畫，莫奈一直靜靜地坐著卻遲遲不動筆，庫爾貝問：“不畫了嗎？”莫奈回答說：“不，我等太陽”。可見“光”在色彩中的重要性。

喜愛在室外畫風景寫生的畫家，對于光對色彩的影響都是深有感觸。如果我們在一個即將日落的傍晚去江灘寫生，日落天黑前，天色的變化極快。在整個作畫過程中，或許你剛剛抬頭看到的景物顏色轉眼間就發生了變化。不僅如此，由于天色越來越暗，在你的調色板上、畫面上所能看到的顏色就會越來越少。當我們在昏暗中勉強完成一幅畫后，在燈光下看到的或許完全是另一番景象，而到了白天，在自然光下，再看看這幅畫，又會和燈光下的效果截然不同。印象派繪畫的最重要成就，就是發現和表現出了景物在戶外自然光下的色彩，捕捉到了大自然的瞬間變化。

在國內，很多人剛開始學習色彩都是從水粉入手的，因此當他們在剛開始接觸油畫時，畫出來的作品都會有水粉畫的特性。水粉顏料和油畫顏料的材料、特性各不相同。水粉的覆蓋力不強，顏色經過多次覆蓋后底層顏色就會上翻，使得后畫上去的顏色容易變灰、變臟，因此在畫水粉時往往講究一筆一筆的畫，畫一兩遍就可以了。而且畫水粉時，也會有意的拉開顏色間的冷暖對比。油畫則不同，因為油畫材料本身具有良好的覆蓋力，所以用油畫描繪的景物時顏色的變化一般都比較微妙，通過微妙的色彩變化來表現，這也是油畫的魅力所在。

而對于色彩的學習，基礎的理論知識自然是必不可少的。在色彩繪畫中，最重要的有色相、色性、色調。色相：簡單地說所謂色相，就是指色彩的相貌，比如紅、黃、藍等能夠區別各種顏色的固有色調。在諸多色相中，紅、橙、黃、綠、青、藍、紫是7個基本色相，色相也稱色度。色性：是指色彩的冷暖傾向。由于色相的不同容易產生色彩冷暖感覺和聯想。其實色彩的冷暖不是絕對的，而是相對的，它們在比較中產生。同樣是暖色，紅色比黃色暖，而黃色比綠色暖。色調：例如一幅色彩作品，畫面的色彩搭配總是有著內在聯系的，整個畫面肯定是一個完整統一的色彩整體，并有一定的色彩傾向，這就稱之為色調。在作畫時要盡可能地把握、運用好這些理論知識，通過練習使得這些知識能夠熟練地運用到自己的畫面當中，提高控制色彩的能力，也就是駕馭色彩的能力。當然，有關于色彩的學習不僅要注意對色彩知識的運用，更要注意造型的問題。因為繪畫本身就是一門造型藝術，如果不能解決造型問題，哪怕色彩運用的再好，也將是徒勞的。正確的顏色應該放在正確的位置，這樣兩者結合，才能完成好的作品。

在人物寫生方面，除了要注意上述的色彩、造型問題，做到色中含型，型中有色的目的之外。對于整個畫面色調的把握也是非常重要的，要根據模特的膚色來調整畫面，每個人的都擁有一個與生俱來的膚色的色彩屬性，就像人一生下來就有的血型一樣。不同膚色色彩屬性的人，所適合的顏色也不相同。因而，作畫是也應考慮模特本身的膚色和環境色之間的關系。比如有些人適合配冷色系色彩，會讓模特看起來精神飽滿，而如果使用暖色系的色彩，就會使臉色蠟黃、無精打采的感覺。

最后談談在色彩的基礎學習中應該注意的一些問題。剛開始作畫時，面對著一個新鮮的面孔，一個新鮮的景物，第一感覺第一印象是感性并富有激情的，往往這樣的第一印象是最能客觀表達作者對象物體情感的時候。而隨著畫面不斷的深入，這種感性會逐漸被一種理性的判斷所替代，這是一個不可避免的過程。但繪畫是一種表達的媒介，需要興奮、感性與沖動，因此在理性刻畫人物、景物的過程中，畫家們都會盡量地讓自己保留第一眼的感覺，想辦法讓畫面更富有趣味，避免呆板。另外，在作畫過程中存在著很多偶然性，顏色與顏色之間的調和會不斷生成各種偶然性，因此在作畫過程中還要學會如何保留這種偶然性帶來的自然美感，讓畫面的色彩在變得豐富的同時又不顯稚嫩。

色彩是一門繪畫藝術，學習中需要不斷的練習的，最終目的是為了學會通過色彩來進行表達。在學習過程中，當在畫面中遇到困難時，應該沉下心來，從局部入手，只要認真對待，就一定會有新的收獲。另外，在業余時間臨摹一些好的色彩作品也會讓自己對色彩的理解不斷深化，讓自己對色彩的運用和表現更加純熟。

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