淺談高等美術院系教育的創造力發揮與個性表現的問題

徐 芬

摘要：提出了我國現階段高等美術院系美術基礎教育出現的問題：注重摹寫、模仿能力訓練；灌輸式的教學方式抑制了學生的想象力；忽視個性的教育，并針對這些問題采取的系列措施：教學的多樣性并加強教師在基礎教學的指導作用；加強學生個性的培養，但同時要注重基本功。體現了創造力的發揮和個性表現在高等美術院系基礎教育中的重要地位及作用。

關鍵詞：創造力；個性

美術基礎教育，是一個以美術造型元素學習為核心組成的系統學習過程，通過這一知識的學習促進學生的造型能力、表現能力、欣賞評價能力、審美能力，更重要的是創造能力得到全面發展。整個課程內容分為基礎領域(核心領域)、拓展領域、研究領域三大板塊。基礎領域是美術系統教育的骨架部分，拓展領域和研究領域是肌肉部分，學生個體知識經驗是不斷為肌肉提供營養的血液部分。

美國心理學家格茨爾指出：“創造性不僅用來解決那些人類生活中已經存在的問題，更重要的是預見和研究那些人類生活中尚不知道的問題。”長期以來，在高等美術院系基礎教學中，人們的思想觀念逐漸形成了一種思維定勢，即教師在教學中扮演重要角色并起決定作用，教師的講授、示范、層層評價等整個教學就是教師與學生的授受過程。教學質量也是學生從教師那里學到課本知識的質量。于是，教師滿堂灌輸，學生死記硬背成了該課天經地義的教學邏輯。這一切無疑就是“以教師為中心”的傳統教學模式，其結果便是教學的重心轉移到了教師如何有效的轉播知識上，而忽視了美術教學的基本原則，即“教師之所以進入教學過程，根本目的是為了學生的‘學，為了‘學，能夠最終擺脫教師‘教，最終走向獨立地、自主地獲取知識的王國。”從而也就形成學生思想上的惰性，造就出學生的作品存在著一致性。

我曾經看過這樣一篇文章：美國學生畫蘋果，老師拎著一籃蘋果，讓學生自己隨便拿一個去畫；而中國學生畫蘋果，則往往是由老師在黑板上畫一個標準的蘋果，規定好先畫左，后畫右，這邊涂紅，那邊涂綠……結果雖然只有中國學生筆下的蘋果畫得最像，但卻是千篇一律。這篇文章提示我們，美術教育過程的實施，是培養具有創造性的人才。創造力是高素質人才的主要特征。在教學過程中，教師只有引導得法，學生才能創造出意想不到的好作品。對于學生來講，我想重要的不是畫得像不像的結果，而是在于“畫”的過程。固然，中國的學生畫得很像，可是他們僅僅是機械地重復了老師的動作，并沒有運用自己的創作思維，這樣在無形中就抑制了學生的想象力和創造力。而我國現行學院美術基礎教學正存在著這個問題。如果不是回避問題，我們應該承認，當前不少美術學院的基礎教學中都不同程度地帶有“畫匠作坊”式的教學模式。

在學院的美術專業基礎課程中，人們習慣于把素描寫生，色彩寫生作為基礎訓練課程，而把帶有某種主題性的創作才視為“創作”課程。這一習慣的思維模式自五十年代以來沿襲至今，少有變異。這無形中便把基礎訓練與創作實踐割裂并對立起來，在二者之間劃拉一道鴻溝。目前，在大多數的美術專業的四年教學計劃中，第一、第二個學年基本上是以素描寫生與水粉寫生為主，學生們所受的技法訓練只是面對實物的再現性摹寫。無論是教學大綱的理論要求還是教師在課堂上的實際教學，均未超出此界限。學生們只是一味摹寫眼前的對象，而絲毫不涉及創造性的思維，諸如構思立意、構圖布局，以及將物象按照主觀需求作多種可能的非現實自由組合聯系，等等。即使期間穿插了其它一些課程，如人體解剖、工筆白描之類，也仍跳不出再現性摹寫的技法框框。久而久之，學生便成了客觀對象的俘虜，藝術創造能力得不到發展。到了第三學年，開始分專業了。按說，此時應該開始重視和加強創作課的訓練。可是第三學年仍然延續著前兩年的再現性摹寫訓練，只是將工具材料作了些變化而已。學油畫、水彩的仍是寫生訓練，對象還是一、二年級的老課題：靜物、人物、風景；學國畫的則臨摹古人占去了大部分時間。如此，整個大學四年的四分之三的時間幾乎被摹擬性的寫生練習占去了。學生們也由此養成了離開對象便不會畫畫的惰性，更何談創造性的思維與實踐?

在長期的教學過程中，還有的老師比較注重學生模仿能力的訓練，圍繞著以“看畫”、“臨畫”、“改畫”為主要內容展開的，以大家“都一樣”為結果的。學生模仿自然，模仿客體，模仿老師，模仿得“惟妙惟肖”通常會得到鼓勵，而對學生的創造能力重視不夠。當然模仿能力作為基礎教育的一個部分是必需的，但模仿卻不應成為教學的終結，永遠的模仿就意味著停步步前。教師應該讓學生明白，“肖似”與“逼真”不是藝術美的真實。齊白石畫《墨荷》，并沒有去表現荷花的紅與綠，而是綜合了荷花的本質，夸張荷花“出淤泥而不染”的精神，這正是藝術家“似與不似之間”的藝術表現。繪畫的“真實”，決非等同照相機所拍攝的“逼真”。機械的模仿形同一臺照相機拍出的作品，永遠是不斷的“再現”，而作品的藝術表現則是人們用智慧改造自然，創造自然的結果。例如達·芬奇的《蒙娜麗莎》通過形似的微笑，賦予她青春的活力。畢加索之所以被稱為“世界上最年輕的藝術家”，就在于他從不肯模仿別人，也不肯重復自己，因而他的藝術生命始終是旺盛的、永恒的。

教學方法是美術教育的最關鍵環節之一，它直接影響到美術教育的實際效果。長期以來，我國美術教學方法陳舊、單一，理論灌輸式是其一貫手法，沒能切合美術教育的實際需要，開發更多的、更加行之有效的、更加切合學生心理特點的教學方法。

我國有一位教育家曾做過這樣的實驗：他用粉筆在黑板上點了一個點，問剛入學的孩子這是什么，有的說“是一顆綠豆”，有的說“是老鷹的眼睛”，有的說“是一滴雨點”……而問中學生，他們只會一個一個地往上累加語法成分。可見我們有些學生的寶貴想象力已經被禁錮到可悲的地步。沒有想象就不可能有刨造。美術史上有創造性的藝術大師們都非常重視想象。試想，如果沒有想象，飛機不會產生，電話不會產生，電腦不會產生，……總之，任何創造都離不開想象，想象力是創造的階梯。

我們在課堂教學中應注意多讓學生參與教學，培養他們獨立思考和創造能力。例如以教師為主導，學生為主體。教師要科學地設計課堂活動、創設情境、適時點撥，調動學生的積極性，讓他們主動參與教學，變被動地聽為主動地學，培養他們獨立思考和創造能力。二是注重趣味教學。教師的講授是必要的，但一定要精當，不可“灌輸”與“注入”，以趣激趣調動學生積極性。因此，教師要運用有趣味的語言、形象的舉止、新穎的活動等吸引學生的注意力，使學生由“苦學”變為“樂學”，從而提高教學質量。三是突出學法教學。課堂上不僅使學生“學會什么”，而重要的是讓學生掌握“怎樣去學”。只有這樣進行學法教學，才能使學生獲得終生受益的“會學”能力。

美術是一門實踐性、技能性很強的課程，教學中教師需要做適當的技能示范才能有效的影響學生。也就是說

教師不僅要講授美術的基礎理論，基本知識，還要傳授基本的技能技法，這種技能技法的示范性構成了教育過程中不可缺少的重要環節。尤其是在具體教學輔導中，這種示范性。時常還體現為手把手的個別傳授示范。所以，作為一名優秀的美術教師是離不開示范的，特別是那些精彩而成功的技能示范。

雖然在教學過程中。教師進行純技法的示范教學固然不可缺少，但僅僅如此卻是遠遠不夠的。教師的示范也要體現創造意識，將創造意識與基本功訓練有機地結合在一起很有必要。當然，這種創造是在扎實的基本功基礎之上的，而不是空中樓閣；如果將創造理解為拋棄基本功訓練，不加任何約束的胡亂瞎畫，那么就會誤入歧途。

“打好基礎再學想法”，“先學爬再學走”，“只要功夫深，鐵杵磨成針”，這些是國內高等美術院系教學鐵打的訓戒。美院的學生嚴格遵守這些訓戒，按學來的概念、步驟和框框去磨，磨就了一身技法功夫，到了“該”出創作成果而搜索枯腸的時候才暮然回首，發現自己總體的藝術感受力沒有得到同步發展，對藝術真諦的搜索尚未入門，四年時間只是把自己變成了“熟練技工”。

基本功是風格形成諸多環節中的重要因素。例如學習美術，必須遵循“先客觀后主觀”的規律，即首先要掌握準確描繪客觀物象的技法，再具備提煉概括、表現客觀美的能力，并在藝術實踐中不斷升華審美感受和豐富審美經驗。

不強調基本功的培養和訓練，或基本功教學“不到位”，就奢談個性、風格，混淆低年級和高年級課程各自不同教學目的和要求，甚至為個性而個性、為風格而風格，采用“拔苗助長”式的教學方法，是十分害怕的。其結果只能造成基本功的削弱，冒出假個性、矯柔造作的假風格。“風格即人。”什么樣的人就有什么樣的風格，有多少種人就有多少種風格。一方面，無論用何種工具、何種技法，每個人在畫布上留下“心靈痕跡”的筆觸、線條、明暗都不盡相同，如同每個人走路都有自己的姿勢一樣，充滿個性。這種先天性的風格，無時無刻不在基礎教學中自覺或不自覺地、頑固地顯露出來；另外一方面，先天性的風格并不等于藝術的風格，先天性的風格是可以模仿的，而藝術的風格是學不來的。從先天性的風格到藝術的風格，并不能靠“短期行為”一蹴而就，而是要經過長期的藝術實踐不斷進取、積累，逐步升華而水到渠成。此外，藝術風格的形成除了受到先天性的風格影響，還受到藝術素質、道德修養、生活閱歷、情感變化以及藝術基本功(技巧、手段、能力)等后天的諸多因素的制約。

現在以素描為例談談高等美術院系美術基礎基礎教育的具體改善。

(1)從技能培養優先轉向對學生的個性培養優先。要打破素描訓練以長期作業為主的格局，拓寬多種素描表現手段。

(2)從教師的主導優先轉向學生主題優先。例如：上新課時教師先不講課，而讓學生先講，教師總結(培養學生的自習能力)在擺靜物時，學生選材老師擺或老師帶來靜物學生擺(創造力培養)。

(3)從單一的鉛筆素描向素描基礎的多維探索。

a，低年級以短期作業為主，選擇碳條作畫。

b，高年級時，嘗試在素描紙上做肌理，然后根據肌理效果和自己的想法，將寫生對象固定面上。

c，嘗試進行毛筆或馬克筆的直接寫生。

d，借助綜合材料(報紙、廢塑料袋等)按素描的要求進行創作。

(4)從班級教學為主轉向分組教學為主。例如，可按個性明顯、造型能力和中等程度的學生分組，各組學生可以依據素描的變動而變動。

創造力和個性是美術的靈魂，可以說，沒有創造就沒有藝術，這已是我們所熟知的，毋庸置疑。鑒于美術學科這一特點，不少美術工作者或多或少、有意識或無意識地培養學生的創造力，但距離形成一種教育理念、教育模式，并且在全社會予以實施和推廣，還相差甚遠。美術家的超越通常是通過不斷的自我超越而超越他人，美術作品的價值在很大程度上是由創造性體現出來，是個性的產物，它的取向是求異。那些富有個性的學生審美法常與眾不同，其創造方法也常常奇怪獨特，因而往往最具有美術的獨創能力。無數創作實踐及藝術家的成長過程說明，藝術學習的最終目的在于用自己的生命形態的獨特體驗以及創造性的表達能力表明他對宇宙萬物的感受。美術教育工作者應鼓勵思維的新穎獨創性，愛護新思想的幼苗，允許探索中的失誤，細心呵護突破與前進的萌芽。那樣，我們的未來將會出現更多的藝術奇葩。

參考文獻：

[1]章臻：《美術基礎教育的理性思考與研究》，《中國美術教育》2000年第3期，第21頁。

[2]《中國美術教育》，1999年第6期，第5頁。

[3]張小鷺：《日本美術教育》，湖南美術出版社，1994年版，第3頁。

[4]謝雱，《中學美術教材教法》，高等教育出版社，2001年版，第184頁。

[5]《魏瑪包豪斯教育大綱》，中國美術教育，2000年第3期，第11頁。

[6]魯道夫·阿恩海姆，《藝術與視知覺》，中國社會科學出版社，1984年版。

[7]《中國美術教育》，1998年第2期，第28頁。