古典與唯美

2008年3月7日，由中華世紀壇世界藝術館、上海美術館、湖南省博物館、廣東美術館和墨西哥西蒙基金會共同舉辦的《古典與唯美——西蒙基金會藏歐洲19世紀繪畫精品展》在中華世紀壇世界藝術館隆重展出。

這100幅鮮為人知的繪畫精品，由獨具慧眼的西班牙裔墨西哥企業家安東尼奧·佩雷斯·西蒙收藏。西蒙先生是美洲最重要的藝術品收藏家之一，20世紀90年代初創立了西蒙基金會，它是墨西哥一家非營利性的慈善機構，也是歐洲本土之外最大的藝術品私人收藏機構之一。西蒙基金會的藝術收藏種類豐富，上至歐洲中世紀的圣像畫，近到20世紀現代藝術諸流派，其中尤以歐洲19世紀～20世紀的繪畫和雕塑收藏最為豐富和精彩。

19世紀中葉至20世紀初被稱為“美好的時代”。歐洲經歷著短暫的穩定和繁榮。精品展呈現出一幅歐洲19世紀繪畫藝術的生動畫卷。按歷史時期與作品內容相結合的方式，展覽共分為學院派與古典人體、浪漫風情與懷古、光與色的交響和勞動的贊歌4個部分。

學院派與古典人體

維多利亞時代英國畫壇學院派以古典主義為藝術理念，以英國皇家美術學院院長萊頓為主要代表，匯聚了一大批優秀的畫家和雕塑家，包括阿爾伯特·摩爾、勞倫斯·阿爾瑪·泰德瑪等，其影響在19世紀七八十年代達到頂峰，在繪畫、雕塑和建筑等領域都取得了引人注目的成就。

弗雷德里克·萊頓是19世紀末英國最有聲望的學院派畫家，其輝煌的藝術光芒使他成為英國學院派的代名詞。《海邊撿拾鵝卵石的希臘女孩》是他1871年的作品，艷麗的色彩也使這幅作品格外搶眼。這是一幅讓人心動的作品，溫暖的色調流淌在沙灘上，流淌在女孩兒的頭發上，流淌在飄動的衣服上，流淌在人物的肌膚上。人物布局顯示了作者嫻熟的技巧和學院派趣味。

英國畫家約翰·威廉·格威德擅長描繪古典服裝，他的《古典美》（1906年）畫的是一個靠在大理石上的女性形象。黑發女郎獨倚大理石旁，像是以某種方式反映出畫家本人的夢想和思緒。作品有著濃烈的學院派畫風及細膩的繪畫手法，讓人想起萊頓的作品。《古典美》使用了眾多19世紀末流行的藝術手法，讓觀眾透過薄如蟬翼的服飾看到了少女的美麗。

浪漫風情與懷古

19世紀是浪漫主義藝術盛行的時期。浪漫主義運動強調表現個人情感，繪畫作品逐漸成為藝術家個人情感的一面鏡子。荷蘭畫家勞倫斯·阿爾瑪－塔德瑪的《赫利泊洛斯的玫瑰》（1888年）是浪漫主義代表作之一。微妙的光影，粉嫩典雅的色彩，無數的、象雨花般的玫瑰飄散下來，匯成了香的海洋。如花的女人們從碎萼中伸出玉臂，仿佛盛開了一朵朵白蓮。“赫利泊洛斯”是羅馬帝國的末代皇帝，他在位期間以自己的驕奢淫逸帶給國家的千瘡百孔。皇帝為了博得美人的歡心開了一個大玩笑：他邀請全羅馬城的美人兒前來赴宴，其間叫弄臣把事先準備好的花瓣從大廳頂上傾倒下來，把美人們埋在了底下。

阿爾瑪-塔德瑪既是挖掘古代風尚、故事的大師，也是表現現實精神情調的大師，也正因為如此，他的作品才為世界廣為接受。他的繪畫屬于維多利亞時期的繪畫，唯美卻不脂粉。

作為拿破侖三世宮廷御用畫家，卡巴內爾在《克婁巴特拉用死囚嘗毒》這幅畫中，成功地展示了他的美學理念。這幅作品于1887年在巴黎沙龍畫廊展出，講的是被屋大維打敗的埃及艷后克婁巴特拉感到末日臨近，決定自殺。為此，她下令讓幾個奴隸體嘗不同的毒藥，為自己選擇痛苦最小的一種。卡巴內爾的畫筆準確地抓住了人物的表情：克婁巴特拉的人格魅力沒有一絲流失，她仔細觀察著每個奴隸死亡時的表情，身邊還伴有一只豹子和一個搖扇的侍女。這個人類歷史上可能是最為妖冶的女人，即使在審視自身死亡的時候，也向世人表明，她是無比尊貴的，她不能忍受人間的些許苦痛。

光與色的交響

19世紀的畫家們越來越多地轉向風景畫的創作，強調自然的變幻莫測。法國畫家讓·巴蒂斯特·卡米耶·柯羅《池塘邊的三頭牛（埃弗雷的記憶）》（1855～1860年）表明了他風景畫的視角與同時代畫家們完全不同，他更喜歡把風景畫畫得富有田園詩般的幻境。

柯羅是最早擺脫戶外作畫時完全用“觀察”取代“想像”的畫家。與大多數法國畫家一樣，柯羅從居住了3年的意大利回國時，帶回了100多幅在那里畫的風景寫生，這些畫對他后來的畫室創作起了很大的作用。柯羅在19世紀50年代前后，以對一生中各個階段繪制的草圖進行“回憶”為基礎，創造了一種把它們重新整合成新的風景畫的繪畫方法。《池塘邊的三頭牛（埃弗雷的記憶）》就是這樣一幅作品。它并不代表某個確切的地方，而是畫家在自己的畫室里，面對畫布進行天馬行空般的想像的結果。

《塞納河畔，韋特伊附近》是法國著名畫家克勞德·莫奈1878年的作品。1878年～1881年間，莫奈住在貝特維爾。這是一座位于巴黎和魯昂之間的小城，莫奈的房屋正好在塞納河邊，周圍是一片美景，為他捕捉一年四季的光線變化提供了絕妙的環境。畫家在貝特維爾完成的對塞納河的觀察，說明他對研究同一物體在不同光照條件下產生的變化不定的效果懷有極大的興趣，并且為他20年后完成的《睡蓮》系列打下了伏筆。此外，逐漸遠離巴黎喧囂的現代化生活，也讓莫奈可以集中精力專心探究同一景色的各種變化。這種歸隱的生活方式，表明莫奈對描繪自然環境的不同景象懷有極其強烈的興趣。

莫奈之所以受歡迎是因為他的藝術淺顯易懂。在其漫長的一生中，莫奈始終保持著對視覺感受的完全忠實。在人生的最后10年，他專注于描繪自家的蓮花池，創作出許多睡蓮的美麗景致。他用盡熱情，執著于光影及色彩的追尋。如今莫奈的畫成了身份地位的象征，擁有一幅就像是插上了文化地位以及雄厚財力的標簽。

勞動的贊歌

19世紀末，畫家朱利安·杜普荷、朱爾·布雷東和萊昂·奧古斯丁·萊爾米特走上了另一條創作道路，全身心地投入了描繪農村傳統題材的創作中。

杜普荷在1876至1889年間，定期在巴黎的畫廊參加畫展，并于1892年榮獲法國“榮譽勛位團勛章”。在描繪農民生活和四季農活的過程中，杜普荷獲得了創作的靈感，畫了一幅幅田園詩般的圖畫。他的作品《第二次收獲》（1879年）是19世紀末描寫田園風光繪畫作品中的代表之作，也是杜普荷作品中的精品。用他的話說，這個創作是為了懷念一種行將消失的生活方式。

萊昂·奧古斯丁·萊爾米特出生在法國皮卡第大區的埃納省，并在那里生活了20年。這也許正是他眷戀農村生活，幾乎所有的作品都用來描繪農事勞作的原因。1874年以前，他一直往返于法國和英國之間，靠賣畫為生。1880年后，他創作了幾幅描繪家鄉圣佩爾山鄉親們生活和勞作的畫參展并大獲成功，其中的《圣佩爾山的割麥人》（1883年）更是精品之作。特別值得一提的是，萊爾米特幾次將同樣的人物畫進作品里，幾幅畫里的面孔完全可以辨識。這幅畫的割麥人就是一個名叫喀什米·德罕的農夫，他在沉重的勞作后正在休息，對身旁兩位粗壯農婦的交談不理不睬。

重溫近百年西方藝術的發展歷程，對今天忙碌不堪的現代人意義深遠。放下身邊的瑣事，讓大師的作品來撞擊我們的心靈吧！

（責編 李曼）