什么是藝術？

摘要：本文從藝術的本質特征出發，從哲學層面對藝術感、藝術創作規律及人們欣賞藝術的情感走向做了剖析，分析了藝術感覺的形成條件，對藝術創作的過程及藝術創作的工具進行了分類，還對藝術作品的主要特性進行了視角獨特的論述。本文基本上從哲學層面回答了什么是藝術的問題，提出了藝術研究的一系列新概念與方法。

關鍵詞：藝術；哲學；藝術創作；工具

中圖分類號：J02

文獻標識碼：A

文章編號：1009—3060(2008)06—0035—07

什么是藝術，藝術是什么?這是一個問題的兩種表述，其本質都是試圖定義藝術與非藝術的區別。多少年來，人們一直嘗試著很清晰地規定出藝術的范圍與界限，對藝術和非藝術有一個很直觀的判斷，就好像水和火，黑與白的截然不同一樣。遺憾的是，藝術的表現形式的動態變化和對藝術的各種單項的定義，使得人們對事物的藝術性時常只能憑感性做出判斷，甚至，不少的情況下，人們對藝術的定義是在人云亦云中進行的。

如果不能對藝術有一個準確的、被人們廣泛接受的定義，我們的藝術創作、思維模式、文化呈現、修養水平、甚至道德操守都會因此受到嚴重影響。歷史的經驗告訴我們，這種影響是巨大的，人類社會文明的進步也極有可能因此受挫或停滯不前。

其實，對藝術的界定首先是對藝術感的界定，這是一個從生理層面過度到哲學層面的問題。藝術的感覺產生于人們對世界認識的一個動態過程，這個動態過程往往導致人們對藝術的定義的感性漸變，這種感性漸變又使得對藝術的定義漸進世俗而脫離了哲學的本質，也就失去了哲學層面的對藝術的定義的意義。所以，對藝術的界限，迄今為止還沒有公認的標準和參照系。

一般來講，一種藝術的感覺最初產生于各種非生活態、非尋常化的元素的突然出現。人們的感官受到了刺激，這種刺激往往是從出乎預料開始的。但是，任何刺激經過一定的時間后就會導致感覺的麻木。然而，隨著越來越多的人被同一元素刺激后發出感慨，麻木的人群會逐漸醒悟，感覺再一次被激活，激活后又漸漸麻木……人們對這個循環往復的過程進行的普適化的總結——這種總結首先來自感覺，其次是情感歸納，然后是使用語言工具做出抽象化概括性的定義。

在談論什么是藝術的問題時，有四個問題必須要弄清楚，它們分別是：①藝術感覺；②藝術創作的過程；③藝術創作的工具；④藝術作品的特殊屬性。

一、藝術感產生的兩個外部條件

1．藝術感首先來源于差異性——新鮮感是藝術感覺的初級狀態

我們可以設想，人類最初的藝術感，可能來源于用于遮羞的第一片樹葉；或者，是某一古人，有韻律的一種悅耳的嚎叫。因為在習慣于裸體和亂嚎的原始人面前，這第一片樹葉出現得突然，其沖擊力顯而易見；第一聲有韻律的嚎叫雖然悅耳，留給傾聽者更多的感覺是新奇和出乎預料。當極少數人用樹葉遮羞時，差異就產生了。這種差異就是一種新的狀態，狀態差就有勢能的存在，要消除這種勢能就必須完成一個躍遷，這個躍遷需要時間，智慧、勇氣甚至技巧。

所以說，藝術感首先來源于差異。比如，當視覺中習慣于彩色圖片的時候，黑白就是藝術；相反，黑白世界中突然出現的彩色也是藝術。再比如，在藍色的海面上，一葉白帆的出現，人們的感覺就是藝術性的；在茫茫雪原中的一個藍色的身影，留給人們的感覺主要是藝術層面的感覺。又例如，長期生活在城市里的人，一旦來到風景優美的名山，這時的感覺就是藝術性的；相反，一個長期在山頂上生活而從未走出大山的山民，第一次來到城市的感覺是興奮，也是一種很朦朧的藝術感覺。以上幾個例子充分說明，雖然產生這些景象的主體并不一定具有藝術性，也不一定有藝術的動機，但景象產生的效果卻完全是藝術性的。這些規律還可以從百靈鳥的歌唱及孔雀開屏的例子得以驗證。

藝術感首先來源于差異，這是因為，差異導致了新鮮感，這種新鮮感是藝術感的最初始階段，也是不可缺少和不可逾越的階段。藝術感并不是一成不變的，隨著時間的推移，許多錯覺導致的藝術感覺會被拋棄。有些感覺會由于變得越來越司空見慣而慢慢淡出，而只有具備永恒的感覺占有力的事物，才會長時間地留在人們的記憶里，這種記憶經過多次反復、相傳，再運用語言工具進行描述，一種類型的藝術感就被越來越多的人承認了。正如第一個繪畫的人、第一個歌唱的人、第一個雕塑的人的作品當時都不可能被稱為藝術一樣。他們之所以后來被歸納為畫家、歌唱家和雕塑家，這都是差異引起刺激，導致了一個認識、總結、懷疑、再認識、最后達成共識的過程。

2．藝術感其次來源于距離感——神秘感是藝術感覺的重要來源

距離，無論是空間距離還是時間距離，都是物理學概念。從哲學角度來說，距離有時是產生差異性的一種條件，盡管這種差異性經常是錯覺所致。因為距離的這種特殊屬性，就導致了它在藝術感的產生過程中起著至關重要的作用。

首先，讓我們舉一個天體的例子來說明這個作用。

晚風習習的浩瀚的秋夜，有時是皓月當空，有時是繁星點點。生活在地球上的人們，從第一次看到星星或月亮時，內心的愉悅便會油然而生，這種遠在天邊的美麗景色，留給人們的感覺，從本質上說是藝術性的，盡管在天文學家及天體物理學家的眼里，這些放射出美麗的光芒、充滿著迷幻的星球本質上都是要么冰冷、要么火熱的球體，實際上是一大堆自然形成的泥土、巖石或氣團，自己發光，或者反光，通過遙遠的距離呈現在人們眼前。但是，它們留給人們的感覺絕對是藝術性的，留下的印象也絕對是藝術印象了。當然，產生這些景象的主體并不一定具有藝術性，也不一定有藝術的動機，但產生的效果也同樣完全是藝術性的。

這是因為距離感會導致神秘感，這種神秘感往往首先是朦朧的感覺，有可能是美麗的印象，有可能還伴有錯覺，讓人們看到了平時及身邊看不到的景象，感覺上產生了差異，激發了愉悅，最終就萌發出藝術的感覺。

距離感產生藝術感覺的例子舉不勝舉。例如，夕陽下一群非洲婦女在田間耕作，她們的直立，她們的彎腰，她們的臀，她們的胸……她們的一舉一動，在遙遠的東方人眼里，藝術的感覺占了絕大比例。相反，在她們丈夫的心目中，這僅僅是自己的老婆在地里勞動而已。又如，明星在大眾面前，充滿著色彩與光芒，藝術的感覺自不在話下。而在他們的配偶面前，僅僅是自己的妻子或丈夫，藝術感恐怕要大打折扣了。

婚外戀的存在是否合理，偷情是否要受到道德的審判，這是社會學家、倫理學家及法學家探討的問題。但是，就偷情的本質而言，是距離產生藝術感的一個生活中的實例?，F實中，我們經常可以看到，配偶長得很美麗或英俊的人，也可能去偷情。這就是生活中的距離產生感覺的一種狀態。這種因距離導致的感覺，無外乎是神秘感、詫異感、甚至錯覺或富有目的聯想的幻覺，最后升華為藝術感。這種偷情，從本質上講也是人們滿足藝術感的一種追求，盡管這種追求有時是不道德的。有人說距離產生美。其實，這種說法并不十分準確。嚴格地說，應該是距離產生藝術的感覺。這種感覺可能是美的，也可能是不美的，但這種感覺絕對是藝術的感覺。

文物留給我們的感覺，藝術性占了很大的成分。一件當時很普通的器皿或者工具，經過幾百年甚至幾千年的時間距離，藝術感自然會產生，這當然是由時間距離產生的藝術感覺。

現在我們可以來討論一下人們觀看攝影作品的感覺是否為藝術感覺了。

在很長的一段時間里，攝影是不是藝術一直是一個有爭論的話題。尤其是它與繪畫所呈現的都是平面視覺作品——圖片。人們往往會用樸素的情感做出以下判斷：攝影使用復雜工具，瞬間就能完成；繪畫使用簡單工具，要經過很復雜的創作；攝影只要按快門即可，不需要技巧，繪畫需要高超的技巧……其實，這種判斷標準太過于生活化，甚至情緒化。我們從差異性來判斷，首先，照片并不等于產生這張照片的物或者人，它是攝影者在某一瞬間的感覺判斷的基礎上所記錄而產生的平面視覺作品。有經驗的攝影家，還會在光圈、快門、光造型等手法上進行設計，這樣拍出的照片更具有不同于肉眼所能看到的實際景色，差異性就更大?，F實中的一句話是很能說明這種差異性的，這句話就是這個人拍照的時候是否上相。此話就充分反映出攝影的差異性本質來，要么上相，要么不上相，但這都不是現實中的這個人。鏡頭記錄的世界因有別于眼睛所看到的景象，其中的差異性就導致了藝術感的產生。

其次，我們再從距離性來分析。比如說，一張喜瑪拉雅山的照片呈現在我們面前，我們看到的是千萬里之外的喜瑪拉雅山的被拍成的照片，空間距離是很大的；另外，它也是某一瞬間的圖像記錄，時間距離也顯而易見。我們如果憑著這張照片再去喜瑪拉雅山，想尋找照片中的感覺，這幾乎是不可能的，最多只能是“這個地方有點像”的感覺而已。

所以，只要從產生藝術感的差異性、距離感兩個特性來判斷，攝影作品的藝術感是顯然存在的。其它形式的作品，如文學、戲劇、舞蹈、影視、建筑……等等，人們在閱讀、觀賞、傾聽時的感覺都可以用這兩個特性來判斷是否具有藝術特征。

二、藝術創作的兩個過程

一件藝術作品的誕生一般要經過兩個過程，即物理加工過程和文化(情感)加工過程。

1．物理加工過程是藝術品誕生的第一步

任何藝術品之所以成為藝術品，都是以物理形式來傳播的。音樂是通過聲波；繪畫、造型、表演類等視覺藝術是通過光波(文學也是通過光波傳遞字碼，然后轉化為內容)，烹調藝術是通過味覺的分子接觸，主要是物理過程，當然也伴有少量的化學過程。在藝術創作之前，雕塑可能是一塊石頭，或一堆塑泥；畫作可能是畫布、紙、畫筆或油墨；文學可能就是紙和筆(現在是電腦)；音樂就是音符和樂器；攝影就是相機、對象物及光，建筑就是建筑工人、建筑機械及建筑材料……

物理加工的過程就是加工和制作的過程。雕塑家用刻刀、榔頭和鑿子；畫家用油彩和畫筆，演奏家用各類樂器，作家、詩人用紙和筆，攝影家用相機，建筑家用圖紙指揮建筑工人……于是，雕塑、繪畫作品完成了，小說、詩歌寫出來了，音樂演奏出來了，照片拍出來了，建筑物呈現出來了，這也就是說，創作的物理過程結束了。

2．創作者自行的文化加工過程往往會伴隨物理加工過程出現

文化加工又稱情感加工，分為前文化加工及后文化加工。前文化加工過程始終伴隨物理加工過程而存在，是創作者自行完成的一個過程。一個藝術家在創作時，往往有著明確的藝術動機。這種動機會伴隨著創作的整個過程，這就是一個前文化加工過程。這種文化加工過程會使得藝術家在物理加工過程中不斷修正或升華自己的創作，最后使得作品變得或栩栩如生，或充滿著夢幻，或怪誕離奇，從而使作品更具有藝術特質。但是，這種來源于創作者本身的前文化加工，往往具有很大的局限性，這種過程會隨著物理加工過程的結束而結束，其效果是有限的。后文化加工過程，是人們對一種包括藝術品在內的事物帶著各種目的及情感的無限的想象，這種想象通過語言工具的傳播，循環往復，給作品和事物附加了更多的藝術生命和價值來，這種附加往往難以預料，達到無限膨脹的程度。

3．后文化加工過程游離于作品及創作者本身

后文化加工過程雖建立在作品個性、品質及靈魂的基礎上，但往往是作品誕生以后才真正開始。后文化加工是真正的文化加工，是一個非常復雜的永不停止的過程，其結果往往會遠離創作者的初衷。這種文化加工是對一件作品或一個事物的感覺者，憑著想象、個人經歷、各種目的、宗教信仰、民族自豪感、地位、經濟利益，而展開無限遐想，藝術情感不斷放大的過程。這種文化加工的能量是巨大的，大到難以想象的程度。人工創作的藝術品進行后文化加工是顯而易見的，如梵高的向日葵，達利的紅唇沙發，都是后文化加工到達極至的產物，而且隨著時間的推移，更多更精彩的文化加工會使得這些作品更有價值。其實，當時的梵高、達利對自己的作品的期望值，決不會像今天這樣高，也許在他們的心目中只是很普通的作品，甚至會誠惶誠恐，怕別人看自己的笑話。但是，歷史的變遷，特殊的社會歷程、商業操作及人文關注，使得這些作品的文化加工從未間斷過，而且愈演愈烈，越加工越紅火。這種現象，恐怕是這些創作者當初始料未及的。九泉之下的他們，可能已經笑得嘴都合不攏了。所以，從這種層面上來講，向日葵及紅唇沙發等這些作品，是梵高、達利和全世界后來的關注者共同創作的作品，因為這個龐大的后文化加工過程都是后人來完成的。

人工創作的作品會有后文化加工，有些自然物或虛無物也有被后文化加工的可能性。山上的一塊巖石，一顆古松，經過一代又一代人的文化加工，就能呈現出藝術生命與價值來。比如說，黃山的迎客松。首先，黃山上的這棵古松被命名為迎客松就是一種后文化加工，然后，隨著參觀者的越來越多，每個人都憑著自己的想象，不斷描述迎客松的特征，這種描述往往帶有情感色彩或某種目的，通過語言工具的傳播，使得迎客松就變得越來越特殊起來，本來沒有差異性和距離感的一顆松樹就會變得與其他“普通”的松樹不同起來，讓觀賞者充滿著藝術體驗。其實，劉三姐的傳說、月宮嫦娥的傳說、神女峰的傳說，都是自然物或虛無物經過后文化加工而成為藝術感覺物的典型例子。

特別要指出的是，像繪畫、雕塑、建筑等具有不可復制性的作品，它們的唯一性會導致后文化加工并伴隨商業的運作不斷加強，最后有可能是商業運作主導后文化加工，反過來后文化加工又給商業運作帶來了這樣那樣的自圓其說的說法。這種文化加工和商業運作的“自耦”現象，會使得這種類型的作品只要有市場存在，后文化加工就不會停息。相反，文學、音樂(特別是作曲)等作品就沒有那么幸運了，因為小說、詩歌、樂譜隨時都可以復制，不具備唯一性，也就失去了商業運作的價值(手稿另當別論，但電腦時代連手稿都不會再有了)，所以，這些類型的作品的后文化加工就顯得單純起來，不會伴隨商業運作，也就不會有文化加工和商業運作的“自耦”現象了。

三、藝術創作的兩個工具

藝術創作是需要工具的，這個工具不是物理學意義上的工具，而是哲學層面的工具，即日常工具與技巧工具。日常工具是指人們不需要太多的專業訓練就可以使用的工具，如寫作時文字的使用，攝影時相機的使用等等，影視表演肢體的使用等等；技巧工具是指一定要經過嚴格訓練才能掌握的工具，如作曲時使用音符，芭蕾的創作與演員的表演，雜技，藝術體操，等等。技巧工具的特點是一定要經過較長時間的專門訓練，并且要有專人指導，一般很難通過個人自己領悟出來。有些工具是很難界定為日常工具或技巧工具的，如書法的技巧，民歌及流行歌曲的演唱技能，某些美術手段……因為這些領域的技能有耐可以通過個人較長時間的琢磨得以領會并掌握，有時也需要專門的訓練及專門的指導，所以很難將其界定為日常工具還是技巧工具。所以，同是藝術創作，但使用的工具是有區分的，有的甚至是本質的不同，這是一個非常重要的問題，值得認真研究。

1．日常工具的創作特點

比如說寫作，在一兩百年前，只有很少的人識字，那時的寫作應該歸到技巧工具的范疇。但也有一些例外的情況，比如說安徽作家陳登科，他就是一個不怎么會寫字的作家，他的方法是采用口述，然后由秘書記錄下來。現在的人，基本都已識字，文學創作就完全應該屬于日常工具的范疇。所以說，今天的世界，已經是“寫作如同說話，是人就會”的時代，只要有信心，基本上每個人都可以創作。稍稍做一個粗略的統計，大多數作家，無論他今天是否屬于專業性質的，他們基本都是從業余開始，因為他們使用的是日常工具，所以門檻不高，誰都可以自由入門，入門后再辛勤創作，決一雌雄。

隨著技術的進步，現在購買一臺數碼相機已是一件非常普通的事情。所以說，攝影雖然是藝術，但是攝影使用的卻是日常工具，數碼化更使得攝影工具變得更加日?；恕?/p>

影視表演更是一項使用日常工具創作的藝術。盡管現在有戲劇學院、電影學院，這些學院也會開設很多這樣那樣的理論課，把所謂的“梅斯布”(即：梅蘭芳、斯坦尼、布萊希特的戲劇表演理論)進行這樣那樣的解釋和渲染。但是，把他們的這些東西作為表演理論，對學生進行強行灌輸，而試圖使影視表演藝術進入技巧工具的范疇，這顯然是錯誤的，甚至會給人們帶來極大的誤導。嚴格地講，所謂“梅斯布”的表演體系，都只是一些經驗總結范疇的東西，這些經驗只具有參考價值，而不具備指導意義。

影視表演是一種最靠近生活化的情景再現的創作，每個人對生活都有自己的經歷和體驗，所展現的角色當然不會一樣，至于劇本里的角色應該是什么樣子，編劇自己未必有清晰的模型。只有靠創作者自己來理解和詮釋了。這種情景再現的不準確性往往使作品更具距離感和差異性，更會增加人們欣賞時的藝術感。卓別林、趙本山的影視表演應該是最不準確的情景再現的表演，但觀眾卻非常喜歡，因為卓別林、趙本山的表演認真運用了日常工具，而沒有去遵循“梅斯布”理論，更沒有試圖去把日常工具變為技巧工具。

雖然是使用日常工具進行創作，但也不是一件容易的事情。作品是否成功，與創作者的天分、悟性、勤勞程度有很大關系。一個天資很好、又善于不斷嘗試與總結的人，在使用日常工具時會越來越充滿著技巧，他們在創作上是能夠取得很大成就的。而那些試圖把本應屬于日常工具的藝術創作的類別，故意神秘化，企圖把日常工具變為技巧工具，而把想要使用日常工具創作的人堵在門外的人，是愚蠢、可恥的，也是很難得逞的。

2．技巧工具的創作特點

音樂創作中的作曲以及樂器演奏，是典型的使用技巧工具的創作。創作者必須經過長時間的工具使用訓練，才能跨入創作的門檻。這就使得這些創作者與普通百姓之間形成了工具壁壘而變得神秘起來。對普通人來說，參與技巧工具類型的藝術創作是一件很困難的事，而這些普通人在這種類型的藝術面前，只能是一個純消費者或感性欣賞者。還有芭蕾、某些類別的美術都屬于技巧工具創作類的藝術。在這些藝術面前，一般大眾只能做出是否好聽、是否好看的判斷，而對于其他，只能是感到無能為力了。

隨著電腦的普及，有些原來屬于技巧工具的創作有可能轉化為日常工具的創作。因為電腦把重復、機械性的技巧工具變得操作簡單而日?；饋?。如，普通百姓可以使用電腦作曲，也可以使用電腦來編程演奏，更能夠用一臺DV和一臺家用電腦，自行編導出優秀的影視作品來。當然，使用電腦創作的作品的質量還有一定的差距，但隨著科技的發展，這個問題會逐漸得到解決。所以，藝術創作大眾化，大眾生活藝術化完全會成為一種可能。

四、藝術作品的幾個主要特性

一件作品之所以能成為公眾認同的藝術品，是有其基本特征的。簡單來說，一件物品，一篇文章，一個故事，一段音樂必須具有藝術品應該具有的表象特征，這樣才有可能成為真正的優秀藝術品。

1．錯覺性、夸張性和欺騙性

好的藝術品必須具有錯覺性。當人們看到一座山峰很像一個亭亭玉立的少女，藝術的感受油然而生，便會將此峰命名為神女峰。其實本質上就是一個山峰而已，而得出的少女般的感覺完全是錯覺所致。

比如，在文學描述里，“小鳥像樹葉一樣落在地上”和“樹葉像小鳥一樣落在地上”都可以讓人們增加藝術感受。如果我們描述成，“小鳥像小鳥一樣落在地上”和“樹葉像樹葉一樣落在地上”；或者，直接說“小鳥落在地上”和“樹葉落在地上”，這樣的描述都會讓人們的藝術感覺大大減弱。人們一直對攝影是否為藝術頗有爭議，其中有一點就是攝影的準確性太高，錯覺性不強。但是，人們卻對照片畫面與實際景色有很大差別的作品卻備加贊賞。這都是藝術必須具有錯覺性的特征所決定的。其實，電影里的場景幾乎都是生活中沒有的，里面的戀愛場面，戰爭場面，都是進行了很大的錯覺加工的，只不過是觀眾自以為和真的一樣而已。二戰中雖然有很多慘烈的場面，但絕沒有像電影《拯救大兵瑞恩》那樣的場景。如果把拯救大兵瑞恩當時的戰爭場景完全真實地還原，可能沒有一個人愿意觀看的。人們的藝術欣賞永遠處在矛盾之中，喜歡看有錯覺的、夸張的、甚至是假的具有欺騙性的東西，而情感上又一廂情愿地把它當作真實的東西來共鳴或者感動。這就是人們精神追求的一個重要規律，刺激－聯想－回到現實－再刺激－再聯想的一個過程。真實的蒙娜麗莎可能就是一個平庸得無法再平庸的女人，但達芬奇畫筆下的蒙娜麗莎處于像與不像之間，充滿著錯覺與夸張，欺騙性顯而易見，于是，油畫蒙娜麗莎讓世界上所有的人神魂顛倒。掌握這個規律，藝術創作就不會走向歧途，現實主義的作品不能等同于現實，抽象主義的作品必須有具象的映照，否則，這些藝術品就會失去生命力。

其實，“藝術來源于生活，高于生活”的說法是不夠準確的。我們只能說：“有些藝術來源于生活，但高超的藝術總是巧妙地不同于生活而又不留痕跡?！保驗橹挥羞@樣才符合人們欣賞藝術品時的情感走向，至于是否高于生活，是否有必要高于生活，這完全是藝術范疇以外的事情。

所以，藝術品或者說能給人們有藝術感覺的事物必須具有錯覺性、夸張性和欺騙性。

2．故意的不準確性和像與不像之間

藝術品的最高境界是故意的不準確性和像與不像之間。如果藝術家的創作能夠把握得住“像”這個基礎，那“不像”就是一種智慧的光芒。如果無法把握得“像”這個基礎，那不像就是藝術水準低劣的寫照。當一個藝術家能夠完全做到“像”時，他所創造的“不像”就是最大限度地追求差異性和距離感，這種故意的不準確性會給作品帶來更高的藝術價值。梵高的向日葵就是一個典范。看了梵高的這件作品，首先，誰都知道梵高畫的是向日葵，如果得出的結論是玉米餅，那就糟糕透頂了。然后，人們又感覺到，在生活中從來沒見過這樣的向日葵，并且，比真實的向日葵更具美感與震撼力。這種故意的不準確性會給作品帶來更大的藝術生命力。當然，這種不準確性，必須是可控制的，是藝術家實施起來游刃有余的。

聲學專家告訴我們，交響樂的演奏的優美與震撼就來源于每把樂器的可控制的不準確性。如果每把樂器的音準都完全一樣，演奏時形成的強烈聲波共鳴，會使得聲音效果刺耳而糟糕至極。

所有這些，都是一件成功的藝術作品必須具備的本質特征，這些特征歸納起來就是：錯覺性、夸張性和欺騙性；故意的不準確性和像與不像之間。

五、結語

互聯網的出現會使許多門類的藝術入門的門檻變得很低。文學、繪畫、音樂、視頻等作品都可以通過互聯網上傳，并受到幾乎全世界的檢驗。同時，人們也可以在互聯網上獲得知識甚至技巧，藝術觀與創作觀的交流也通過互聯網變得簡單起來?？萍疾粩喟l展，越來越多的技巧工具會轉變為日常工具，信息溝通的極度便捷使得藝術的后文化加工變得空前活躍，這幾年繪畫作品的價格飆升也從側面反映了這個問題。

以互聯網普及為標志的新的時代的來臨，會因為人們交流的方式的改變，認識問題及解決問題的途徑的改變，而導致生活、情感、價值觀的改變，國家管理及社會政治也會因此發生巨大變化，人們對藝術的認識方法、創作手段、展現方式和評估體系，都會發生前所未有的變化。

所以，我們把互聯網時代稱為新藝術時代一點也不為過。在未來的世界里，什么是藝術的問題將會成為人們日常生活中的一個常識問題。

(責任編輯：周淑英)