美輪美奐的音樂劇

從廣義上說，凡以音樂與戲劇的結合為主要表現手段的藝術形式都屬于“音樂戲劇”的范疇，如西方的歌劇、中國的戲曲等。但“音樂劇”并不是“音樂戲劇”的簡稱，這個名稱所指的是一種特殊的音樂戲劇形式。

在英語中，音樂劇叫Musical。稍懂英語的人都知道，這顯然不是一個名詞，而是一個形容詞，意為“音樂上的”、“悅耳動聽的”。在音樂劇發展的早期階段，并沒有一個統一的稱渭。Musical只是作為“音樂喜劇”（Musicalcomedy），“音樂戲劇”（Musicalplay）、“音樂浪漫劇”（Musicalromance）和“音樂鬧劇”（musicalfarce）等復合名詞的前綴詞。把這個形容詞轉換成名詞并用作“音樂劇”的通稱是20世紀40年代以后的事。

音樂劇19世紀末發源于英國和美國。當時，歐洲古典歌劇中的一些比較輕松的形式已經相當繁盛，如所謂的喜歌劇、輕歌劇和小歌劇等。與大歌劇相比，這些形式已經算是比較通俗、比較貼近大眾了，但因為畢竟是歌劇的分支，所以其音樂語言基本仍屬古典音樂范疇，戲劇結構和音樂寫作手法都還是比較嚴謹的。如施特勞斯的《蝙蝠》，法國作曲家奧芬巴赫的《美麗的海倫》和意大利作曲家唐尼采第的《堂·帕斯夸勒》，雖然劇情和音樂都比較輕松，但距離普通市民大眾仍有一定的距離。

除了歌劇外，當時的城市生活中還有各種形式的娛樂歌舞表演。音樂以當時的流行音樂為主，在舞臺視覺上則追求華麗鮮艷的感官效應。這些表演的形式較為隨意，除了歌唱和舞蹈外，還時常加進雜耍和笑話等。有些表演具有一定的主題或貫穿情節，有些則完全沒有情節。演出的場所也是多種多樣：劇院、歌廳、酒吧，甚至露天搭臺，影片《紅磨坊》和《艷舞女郎》分別展現了19世紀末的法國巴黎和20世紀80年代美國拉斯維加斯賭場中的歌舞演員的生活。這類表演形式直到現在仍存在，只是現在的演出要比當年豪華、“干凈”了許多。在當時的歌舞表演中，有許多低俗甚至黃色的東西，即使是在開放的美國，也上不了臺面——“僅供成年男士觀賞”。

在這種背景下，一種能“供全家人一起觀賞”的，有相對完整的戲劇情節，又有富于時代感的音樂，能夠滿足中產階級和中下層市民的娛樂需求的音樂劇便應運而生了。

早期的音樂劇是通過兩個途徑來發展建立的：一、在傳統的喜劇或輕歌劇中注入娛樂性歌舞表演的元素，使之富有現代氣息；二、以喜歌劇的音樂——戲劇組織方式來對娛樂性的歌舞表演進行重新構造，使之在形式上成為有機的統一體。在劇情上，有的強調輕松活潑的喜劇氣氛，有的熱衷纏綿感傷的浪漫故事。1892年“音樂鬧劇”《在鎮上》，1893年的“音樂喜劇”《快樂姑娘》被認為是最早的音樂劇，而這兩部作品都是在倫敦的快樂劇院上演的。

英國是西方國家中最早進行資產階級革命和工業革命的國家，經濟較為發達，也有著堅實的市民音樂戲劇傳統。早在1728年，英國就出現了一部《乞丐歌劇》。這部作品的音樂中匯集了許多在當時流傳甚廣的民歌小調，劇情中對當時的政治司法制度、統治階級以及上流社會所熱衷的意大利式歌劇進行了辛辣的嘲諷，是當代音樂劇的一個重要先驅。19世紀，英國的古典音樂雖不甚繁盛，無法與德、奧、意、法等國家相提并論，但吉爾伯特與沙利文這對黃金搭檔所創作的輕歌劇卻有著非常廣泛的群眾基礎，英國各大城市中的“歌廳”（music hall）也是早期流行音樂的重要溫床。音樂劇在這樣的土壤上孕育發生，是不足為奇的。

然而，真正使音樂劇與喜歌劇和娛樂歌舞表演相分離，形成獨立的藝術品格和表現形式，并發展成為“20世紀最為重要的戲劇形式”，則要歸功于美國。

發達的經濟、急劇膨脹的城市及其對娛樂生活的需求為音樂劇的生存和發展提供了廣闊的空間，以爵士樂和鄉村音樂為代表的美國早期流行音樂為音樂劇的生長發育提供了雄厚的資源。文化的多元性及社會變動和經濟發展過程中的各種矛盾所呈現出來的豐富的社會生態，為音樂劇的現實主義取向奠定了基礎。

20世紀美國上演的音樂劇多是來自英國的舶來品。但不久后，美國藝術家便創造出完全美國化的音樂劇作品，并使其不斷發展和完善。在近一個世紀的發展歷程中，有幾個重要的里程碑。

1927年上演的《演藝船》，是一部結構完整連貫、劇情感人至深、音樂動人心弦的作品。這部作品的主題不是提供娛樂消遣，而是深深觸及了當時美國各種社會矛盾，發人深省。《演藝船》曾先后3次搬上銀幕（1929、1936和1951年），被公認為美國音樂劇發展史上的“第一部成熟的杰作”。

以《藍色狂想曲》而蜚聲世界的美國作曲家格什溫于1935年創作了《波古與貝絲》，在音樂語言上運用了地道的美國黑人音樂，而在形式上則較多地借鑒了歌劇的表現手法，因而被譽為“美國第一部真正的民族歌劇”。雖然美國音樂劇并沒有就此走上“歌劇化”的道路，但作曲家的這種努力畢竟為音樂劇表現手法的擴展打開了一扇窗。在70年代末興起的所謂“巨無霸型音樂劇”中，歌劇的結構手法得到了更為廣泛的應用。

音樂劇演出中向來注重舞蹈的運用，但直到1943年上演的《俄克拉何馬》中，音樂劇中的舞蹈語匯才真正達到與整體戲劇發展形成有機結合的高度，成為表現戲劇內容的一個重要手段，而非單純的展示甚至賣弄。由此，音樂劇便不再僅僅是“音樂”的戲劇，而成為一種舞臺手段高度綜合的藝術形式，舞蹈設計成為整體戲劇創作和表現中的一個非常重要的環節。這也使得脫胎于城市娛樂歌舞表演的音樂劇具備了更加嚴肅的藝術品質。到了《西區故事》出現時，這種傾向體現得更加完整充分了。

上個世紀50年代末，搖滾樂的興起標志著西方流行音樂領域的革命性變化。60年代的《長發》立即對此作出了反應。此后又出現了《群舞演員》、《湯米》等一系列被稱為“搖滾歌劇”的音樂劇。

事實上，音樂劇與其它音樂戲劇形式的主要區別也正是在于它能夠迅速吸收當代流行音樂領域的最新潮流，以最具時代性的音樂語言作為敘述方式?！皳u滾歌劇”的出現使得經過半個多世紀的發展、多少已經顯得有些疲憊并逐漸保守和程式化的音樂劇煥發了新的活力。此外，這一時期的音樂劇與當代社會思潮的結合也愈加緊密，對民權運動、反戰、嬉皮士等都有所反映。在表現手法和形式結構上，也出現了一些新的變化。如敘述體（而非傳統戲劇中的代言體）、散化結構、多元系列化結構和現代多媒體表現手段的應用等。

70年代初出現的《耶穌基督超級巨星》也是一部大量運用搖滾樂的音樂劇。這部作品出自一位23歲的英國青年作曲家安德魯·勞埃德·韋伯之手。韋伯的出現改變了音樂劇由美國百老匯一統天下的局面。他的《艾維塔》、《貓》、《歌劇院幽靈》等作品分別在倫敦西區和紐約百老匯上演，并成為有史以來演出場次最多、獲利最多的音樂劇作品。與此同時，法國作曲家勛伯格的《悲慘世界》和《西貢小姐》也在倫敦西區和百老匯獲得了巨大成功。

時至今日，盡管世界各國在音樂劇的發展水平上尚有差異，但將音樂劇視為“美國專利”、“英國特產”顯然也是有失偏頗的。比如就日本音樂劇《李香蘭》和澳大利亞音樂劇《巧巧?！罚ㄈ〔挠诟鑴　逗蛉恕罚渲羞\用了木偶表演）來看，他們在這一領域中所取得的藝術成就以及所表現出來的獨創性是不容忽視的，也是歐美音樂劇所不能取代的。

當今世界各國相繼重視音樂劇發展的一個重要原因是：這是一個潛力巨大的文化產業?！陡鑴≡河撵`》的全球票房在上一世紀的90年代末已超過27億美元。

與唱片工業相比，音樂劇的制作投資要大得多，一部大型音樂劇的制作成本動輒上千萬美元。與電影工業相比，音樂劇的市場又狹小得多，只能在劇場中演出。因而，只有保證有較長時期的高上座率，才有可能收回成本。

現代意義上的音樂劇在中國出現得較晚。上個世紀80年代的《芳草心》是新時期第一部音樂劇，其中的主題歌《小草》至今仍膾炙人口。90年代中期上演的《秧歌浪漫曲》盡管因為許多方面的不成熟而沒有引起相應的反響，但其中仍有一些非常成功的探索值得注意。有專家評論道：當別人還在為如何將好萊塢的“大腿舞”（以發源于愛爾蘭的踢踏舞為基礎，加上較為夸張的踢腿動作）移植進中國音樂劇而煞費苦心的時候，《秧歌浪漫曲》已經將中國民間舞蹈的戲劇表現性提升至堪與《俄克拉何馬》相媲美的程度。此外，《樂器推銷員》、《異想天開》、《西區故事》和《音樂之聲》等國外經典劇目的成功引進上演，表明我國的音樂劇演出隊伍已達到一定水準。港臺地區近年來創演的《雪狼湖》和《天使不夜城》等劇目也受到觀眾的歡迎。

隨著我們自身經濟文化水平的不斷提高，國際交流的日益頻繁，音樂劇這一人類現代文明中最新發展起來的戲劇藝術形式，也將會在我們這個文明古國中扎下根來。